D-audio: música-audio-software

Forever Hits: música grabada en el alma

2011-11-28T10:59:00.001-03:00

La Colección
¿Qué es FOREVER HITS?

Cuando pensamos en las canciones de amor más hermosas, pensamos en las más lindas melodías combinadas con las mejores voces y excelentes letras.
Forever Hits Collection es una cuidada selección de esas canciones, la mayoría de ellas hoy convertidas en clásicos de la música.
Presentada originalmente en 10 discos de 17 temas cada uno, alterna voces femeninas y masculinas para darle la variedad y la armonía necesarias para hacer de su escucha una experiencia única.
Cada canción está acompañada de la biografía del intérprete, la letra, la tapa del disco donde fue publicada, y la posibilidad de escucharla on-line e incluso de compartirla a través de BOX.net.
La colección está hecha con amor y por amor. El objetivo, además de crear la mejor selección de canciones de amor realizada hasta el momento, es también compartir esta pasión con todos aquellos aficionados a la música que sepan apreciarla.

>> Página principal de Forever Hits Collection

Conocer - Disfrutar - Compartir

2010-06-23T22:18:00.006-03:00

En ocasión de que el blog ha superado recientemente las 50.000 visitas, un número que no imaginaba cuando inicié este viaje hace casi dos años, me ha parecido interesante hacer un recorrido por la diversidad de contenido del sitio y recordar el objetivo y la esencia de este espacio.

Tal vez debió haber sido éste el primer post del blog, un día como hoy pero de agosto de 2008. Se iniciaba un camino plagado de historias y buena música que duraría hasta junio de 2009, momento en que se abrió un largo paréntesis que hoy, un año después, finalmente se cierra.

En los diez meses de actividad del blog:

- compartimos más de 60 biografías de artistas internacionales, algunas breves y otras extensas, pero todas interesantes.
- analizamos más de 30 discos de diferentes décadas, desde los 70’s hasta los 90’s.
- evaluamos software y formatos digitales de compresión de audio.
- recordamos grandes canciones del cine, el soft rock y el dance con 3 flashback’s imperdibles.
- planteamos temas de opinión y debate, como una comparativa CD vs. MP3 y una cuestión personal sobre la pobre calidad de las producciones musicales actuales donde nos preguntamos si todo tiempo pasado fue mejor.
- aprendimos sobre audio Hi-Fi y Hi-End con casi 20 notas de audio de alta fidelidad y artículos desprendidos de www.audiohiend.com.ar.
- citamos links a páginas de interés, como una base de datos de covers.
- y creamos 3 discos on-line con bonus tracks, canciones para escuchar y descargar en línea.

Para tener una idea de la diversidad musical del blog, han pasado artistas y temas de géneros como el chillout, el country, el dance, la música disco, el folk, el jazz, el pop, el rock, el rap, el soft rock, el soul y el techno.
La idea siempre fue y seguirá siendo conocer la historia detrás de cada artista y de cada canción (a través de las biografías), disfrutar de la mejor música de todos los tiempos (gracias a las listas de reproducción insertas en cada post) y compartir nuestros temas favoritos (por medio del e-mail o desde el foro de descargas).

Les agradezco infinitamente a todos aquellos que siguieron visitando este humilde espacio durante todo el tiempo en que me fue imposible actualizarlo, y los invito a continuar aportando a la causa dejando sus comentarios y proponiendo material para publicar. Como siempre, tratamos de ampliar las vías de comunicación para incentivar un intercambio de ideas y opiniones que ayude a mejorar el blog.

Seguiremos por este camino, conociendo, disfrutando y compartiendo con todos Uds. aquello que nos motiva y nos inspira a continuar el viaje: la música.

Muchas gracias.

Diego.

Dire Straits >> "Brothers in Arms" (1985)

2010-06-16T17:35:00.008-03:00

Los Dire Straits estuvieron años construyendo su fama de músicos expertos, serios autores de canciones y soberbios artistas en el escenario. Pero todo ésto apenas sirvió para el impacto que produjo el disco "Brothers in Arms", tanto para la carrera de la banda como en lo referente a su consideración entre el público. Impulsado por el éxito del Top 40 "So Far Away", publicado anteriormente ese mismo año, el álbum fue platino en el Reino Unido y entró en las listas como el nº 1, una posición que mantuvo durante tres semanas.
Gran parte del éxito comercial del disco se puede atribuir a la canción "Money For Nothing", escrita por Mark Knopfler y Sting. Apoyado por un video de animación por computadora muy ingenioso, que garantizó su difusión masiva por los nuevos canales de música, el sencillo alcanzó el puesto nº 1 en EE.UU. y el nº 4 en el Reino Unido, ganó además un Grammy al Mejor Vídeo Musical y se convirtió en el sencillo de ventas millonarias del grupo.
Después vinieron otros éxitos, incluyendo "Walk of Life", que alcanzó el nº 7 en EE.UU. y el nº 2 en el Reino Unido. La canción "Brothers in Arms", si bien con menor éxito en las listas, es recordada como el primer sencillo en CD de distribución comercial. Liderado por Mark Knopfler, a quien personalmente considero el mejor guitarrista de todos los tiempos, Dire Straits hizo historia con su álbum más exitoso.
"Brothers in Arms" fue publicado en mayo de 1985 y vendió 13 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 9 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) So Far Away

2) Money for Nothing

3) Walk of Life

4) Your Latest Trick

5) Why Worry

6) Ride Across the River

7) The Man's Too Strong

8) One World

9) Brothers in Arms

+ Info >> Dire Straits > biografía

Supertramp >> biografía

2010-06-07T16:45:00.014-03:00

Formada en Londres en 1969, Supertramp se desarmó en 1971, se rearmó en 1973, se desarmó nuevamente en 1988 y se volvió a formar en 1997. Quizás es por ese ir y venir que Supertramp no ha tenido la permanencia en las listas que una banda de su talla merece.

Cuenta la historia que en 1969 Richard Davies conoció al millonario holandés Stanley August (comúnmente conocido como Sam) en Munich, Alemania, mientras tocaba en una banda llamada "The Joint". El millonario le ofreció a Davies su patrocinio a cambio de que formara una nueva agrupación, a lo que accedió con prontitud. Colocó entonces un anuncio en un diario de rock en busca de músicos.

El grupo iba a llevar el nombre de "Daddy", pero ante la sugerencia de uno de los nuevos integrantes se bautizó la banda inspirados en el título del libro de 1910 de W.H.Davies: "The Autobiography of a Supertramp". El primer álbum, "Supertramp", no tuvo mayor suceso cuando salió en 1970, ya que está repleto de solos larguísimos y aburridos.

La banda se reagrupó en 1971 con el ingreso de Currie y Farrel, y el bajista original Hodgson pasó a tocar la guitarra. El segundo disco, "Indelibly Tamped", tuvo la misma suerte que el anterior. El patrocinador pagó 60 mil libras esterlinas para cancelar las deudas de la agrupación y los miembros de la banda renunciaron. Davies y Hodgson quedaron frente a un proyecto que no parecía tener futuro.

En 1973 se forma entonces la banda por tercera vez. Ahora entran Helliweg, Thompson y Siebenberg. El sello grabador A&M instala la banda en una granja y les asigna al productor Ken Scott para orientar el trabajo. El resultado fue el LP "Crime Of The Century", un disco muy bien producido que los trasladó a los primeros planos de la industria musical.

En ese disco, además, se desarrolla el estilo de piano eléctrico de la agrupación, quizás donde más se aprecia este estilo es en la canción "Dreamer" de 1975 que llegó al puesto nº 13 de las listas de popularidad inglesas. Le siguió "Crisis? What Crisis?", que se colocó en el número 44 de las listas norteamericanas.

En 1977, Supertramp contrata al ingeniero de sonido de los Beatles, Geoff Emerick, para el LP "Even In The Quietest Moments". El disco produjo el éxito "Give a Little Bit" que llegó al número 20 en Estados Unidos y al número 29 en Inglaterra. La canción tiene un trabajo instrumental bastante peculiar que la hace moverse entre lo progresivo, lo melódico y el pop.

El 29 de marzo de 1979 lanzan "Breakfast in America", un disco que les daría 4 éxitos seguidos. El más sonado fue "The Logical Song", que llegó al número 6 en Estados Unidos, y una semana más tarde la canción "Breakfast in America" llegaba al noveno lugar de las listas inglesas. Ahora movían el mundo de la música, tanto que la revista Rolling Stone les dedicó su artículo principal en la edición del 12 de julio. Luego vino "Good Bye Stranger", que llegó al puesto nº 15 en la lista de Billboard y "Take The Long Way Home" que llegó al número 10 el 15 de diciembre.

En septiembre de 1980 lanzan un disco doble, en vivo: "Paris". La versión en vivo de "Dreamer" llega al número 15 en las listas y "Paris" llega al puesto nº 7 en Inglaterra. Este es el momento en que la banda declina y no logra repetir esta sucesión de éxitos porque no lee el cambio que venía en los ochenta con sonidos más electrónicos y sofisticados.

Sin embargo, sus experimentos mezclando ritmos con pasajes de archivos sonoros quizás marcó el inicio del "sampleo", esa costumbre posmoderna de despojar de sentido a las partes y construir un todo nuevo carente de fundamento y asidero en la realidad.

Para los años 90's, con algunos años encima y con cierta experiencia de vida, la banda se reunió para lanzar un disco de éxitos. Ese reencuentro llevó a la reformación definitiva en 1997. Como resultado está el disco "Slow Motion", que sin haber sido un éxito en ventas, es una experiencia sonora rica e interesante.

+ Supertramp en D-audio >> "Breakfast in America" (1979)

Claves para elegir un receptor A/V de gama media

2010-05-21T21:08:00.005-03:00

El notable descenso de precios en los reproductores de DVD y la creciente oferta de operadores de televisión digital están haciendo posible que cada vez más usuarios cuenten con un sistema audiovisual de altas prestaciones. El amplificador o receptor A/V es, sin duda, el centro de este sistema, proporcionando la conectividad y amplificación multicanal necesarias para obtener el máximo rendimiento de todas las fuentes de sonido digitales y analógicas. A continuación veremos algunos factores que hay que tener en cuenta antes de elegir el más apropiado.

1) Receptor o amplificador

La mayoría de las soluciones integradas de amplificación A/V incluyen un sintonizador de radio AM/FM, algunos de los cuales ofrecen una excelente calidad y prácticamente todos con RDS. Sin embargo, cada vez es más frecuente ver modelos que descartan esta prestación, apostando por un conjunto de posibilidades en el terreno audiovisual. Si se dispone de un buen sintonizador, un buen cable de interconexión y espacio suficiente para colocar ambos equipos, en la misma gama de precios un amplificador A/V es la opción más acertada.

2) Decodificador incorporado y entradas 5.1 (también válido para 6.1 o 7.1)

Existen amplificadores y receptores que, siendo compatible con títulos codificados en Dolby Pro-logic Surround (el veterano sistema envolvente analógico) incorporan un juego de entradas 5.1 que permite la conexión de un DVD u otro dispositivo que disponga de decodificador de audio multicanal. Es posible encontrar este tipo de equipos a un precio muy atractivo, aunque conviene tener en cuenta que sólo será posible conectar un único dispositivo en ese tipo de salidas. Por otro lado, con los formatos de audio de alta definición en el mercado (DVD-Audio y SA-CD) es conveniente que aunque el amplificador cuente con decodificador, disponga también de un conjunto de entradas 5.1 analógicas complementarias.

3) Formatos digitales

Si bien existen diferentes formatos de audio multicanal (MPEG, Dolby Digital, DTS, etc.) la realidad es que tanto en el mercado europeo como en el americano muchos títulos en DVD vienen codificados en Dolby Digital, ya sea en 5.1 canales o en estéreo/Dolby Surround. Es cierto que a mayor compatibilidad con los diversos formatos, mayor precio. Sin embargo, cada vez más receptores A/V de gama media incorporan DTS, cuya calidad de sonido es mucho mayor al tener una menor compresión.

4) Conexiones digitales

Existen dos tipos de conexiones digitales: eléctricas y ópticas. La primera se realiza a través de conectores de tipo RCA mientras que la segunda utiliza cables de fibra óptica con conectores de tipo TosLink. Hoy en día todos los reproductores de DVD incorporan al menos una de estas entradas, por lo que es necesario asegurar la compatibilidad. Por otro lado, la presencia de entradas digitales adicionales permitirá conectar un MiniDisc, CD audio o Láser Disc, y utilizar el decodificador del amplificador, por lo que es conveniente disponer de una buena dotación de las mismas.

5) Considerar el resto del equipo

Antes de decidirse por un receptor es importante considerar los elementos que constituyen el sistema A/V. No todos los receptores A/V incorporan una gran cantidad de entradas y salidas de video. Disponer de una buena cantidad de éstas permite conectar todas las fuentes de imagen al receptor, ya sea DVD, VHS, Láser Disc ó TV, y así utilizar una sola entrada del televisor o dispositivo de visualización. Un factor a tener en cuenta es que, si bien cada vez más equipos de gama media disponen de entradas y salidas tanto de video compuesto como de S-Video (cuya calidad de imagen es mayor al separar la señal en crominancia y luminancia), la mejor calidad de obtiene a través de las salidas RGB presentes en algunos reproductores de DVD y receptores de televisión digital.

6) Prestaciones

Algunos equipos incorporan un completo sistema de menús en pantalla que permite configurar todos los parámetros relativos al sonido ambiental, tales como volumen y tiempo de retraso de altavoces, mientras que en otros la configuración de estos parámetros se realiza a través del display del panel frontal. La posibilidad de apagar por completo o atenuar el brillo del mismo es una prestación que incrementa la neutralidad del entorno y, en muchos casos, disminuye las interferencias sonoras. A medida que aumentan las prestaciones se incrementa también el precio, aunque muchos equipos de gama media cuentan con éstas y muchas más.

7) Potencia de salida

Para elegir entre un modelo de mayor o menor potencia de salida es necesario considerar el tamaño de la sala de escucha, además de la sensibilidad de las cajas acústicas asociadas, como medida para conseguir la sinergia adecuada. A mayor potencia, mayor control, capacidad de respuesta dinámica y menor distorsión. Por otro lado es importante destacar que no todos los receptores suenan igual y que, además de revisar con cuidado las especificaciones técnicas, conviene escuchar todas las opciones, tanto en sonido multicanal como en estéreo.

8) DSP

La presencia de un procesador de señal digital (DSP) permitirá ajustar el sonido ambiental, tanto de pistas en formato digital como analógico, con un mayor nivel de precisión y, a su vez, emular espacios sonoros similares a los de un teatro, una sala de cine, una sala de conciertos o incluso una iglesia. También será interesante asegurarse, si el equipo elegido cuenta con esta prestación, que disponga también de un modo DSP para audición nocturna. De esta manera, realizando una compresión inteligente, reduce el rango dinámico en las escenas en las que se producen cambios bruscos del nivel sonoro.

Carly Simon >> biografía

2009-06-15T13:33:00.005-03:00

Carly Simon fue una de las artistas llamadas "confesionales", por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70's.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años 60's ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".

Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.

Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90's se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

No Secrets, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue Top Ten Hotcakes, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó "Haven't Got Time for the Pain" que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

Playing Possum de 1975 y Another Passenger de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. "Nobody Does It Better" vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.

Boys in the Trees, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos, Spy de 1979 y June de1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Óscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado My Romance. Seis meses después puso a la venta Have You Seen Me Lately? en el que todo el material era original.

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

Phil Collins >> "...But Seriously" (1989)

2009-06-09T20:21:00.005-03:00

El cuarto álbum en solitario de Phil Collins, ...But Seriously, lanzó cuatro sencillos de éxito y terminó con el silencio de cuatro años dentro de su trabajo en solitario. El disco subió en las listas a ambos lados del Atlántico y se mantuvo en el nº 1 en Inglaterra durante ocho semanas. Aferrándose en gran medida a la fórmula a la que había recurrido en sus anteriores producciones en solitario, las colaboraciones de Collins con Eric Clapton, Steve Winwood y David Crosby proporcionaron a ...But Seriously un sonido más orgánico.
Líricamente, este álbum fue el trabajo más sincero de su carrera, salpicado con algunas reflexiones políticas, como en "That's Just The Way It Is" y "Another Day In Paradise", que tratan de la situación de los sin techo.
Entre los sencillos, tanto "Something Happened On The Way To Heaven" como "I Wish It Would Rain Down" se abrieron paso en el Top 5 del Billboard Hot 100. En 1990, Phil Collins ganó un Grammy por "Another Day In Paradise", que había llegado a los puestos más altos en EEUU y alcanzado el nº 2 en Inglaterra.
Desde lo personal, se trata del mejor disco de uno de mis artistas preferidos y más admirados a lo largo de mi vida. La calidad de composición, la producción y los arreglos que posee, sumados a las excelentes melodías y a letras comprometidas, lo convierten en uno de los mejores discos de la historia.
...But Seriously fue publicado en noviembre de 1989 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 45 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Hang In Long Enough
2) That's Just The Way It Is
3) Do You Remember?
4) Something Happened On The Way To Heaven
5) Colours
6) I Wish It Would Rain Down
7) Another Day In Paradise
8) Heat On The Street
9) All Of My Life
10)Saturday Night And Sunday Morning
11) Father To Son
12) Find A Way To My Heart

Sony Elcaset (1976)

2009-05-31T07:49:00.006-03:00

Comenzamos aquí una recorrida por la historia de los formatos físicos de audio, tal vez para mí uno de los temas más apasionantes. Veremos en detalle, uno a uno, formatos como el disco de vinilo, el cassette, el DAT, el CD, el Minidisc y el SA-CD, entre otros.
Para empezar, un invento que tal vez muchos recordarán y otros se enterarán por primera vez que tal cosa existió. Otra genialidad de una firma japonesa que es líder en innovación tecnológica de audio.

En 1976, Sony patentó un nuevo tipo de cinta magnética de audio en formato de cassette compacto. Lo llamó Elcaset (sí, así como suena). Las principales diferencias con respecto al formato de cassette de Philips eran las siguientes:

- La cinta era el doble de ancha - 6 mm. (1/4 pulgada), en lugar de los 3 mm. (1/8 de pulgada) del cassette compacto de Philips.
- Se reproducía al doble de velocidad - 9,5 cm/s, en lugar de los 4,75 cm/s. del cassette compacto de Philips.

Aunque la calidad ofrecida por Elcaset era muy superior a la del formato de Philips, el sistema de Sony no pasó de ser una mera curiosidad. Llegó demasiado tarde, justo cuando el formato de cassette compacto de 1/8 pulgada estaba en pleno apogeo.
El hecho de que Sony no haya tenido éxito en el mercado con varios de sus inventos no significa que sea una compañía que fracase en todo lo que hace, sino que han sido capaces de innovar en muchas campos y de lanzar cosas nuevas que no siempre han funcionado como esperaban. Más allá del fracaso comercial, lo cierto es que Elcaset era un formato realmente muy bueno y de una calidad de sonido admirable.
Lo que Sony quería era competir y reemplazar al (hoy) mítico cassette de Philips, cosa que, desde luego, nunca consiguió. Intentando superar las limitaciones de la cinta de cassette, como el nivel de calidad de sonido, creó un formato muy similar a la de éste, pero de un tamaño mucho mayor: 15 x 10 x 2 centímetros. La cinta en su interior era de 6,3 milímetros de ancho y avanzaba a 9,5 centímetros por segundo, lo que le permitía ofrecer una mayor frecuencia y un mejor rango dinámico al sonido que su competidor. Elcaset disponía de cuatro pistas, dos en cada cara para ofrecer sonido estéreo.
Pero estos avances no fueron suficientes para competir en el mercado. Al hecho de que el precio era más elevado que el del cassette de Philips, se le unió que este último mejoró mucho sus características con el uso de nuevos materiales en las cintas, como el dióxido de cromo, y éstas se empezaron a fabricar con mayor calidad. Elcaset era, además, mucho más grande y, por lo tanto, más difícil de manejar y de almacenar, y solo tuvo un relativo éxito entre los audiófilos de la época.

Sony abandonó el sistema en 1980, vendiendo todas las unidades restantes a una compañía finlandesa, la cual las distribuyó en ese país, donde consiguió venderlas todas gracias a un precio muy ajustado. Se distribuyeron diversos modelos del reproductor/grabador, entre los que encontramos el EL-7 o el EL-5, que disponían de un control remoto, e incluso hubo un modelo de reproductor portátil, el EL-D8.

.

Alphaville >> biografía

2009-05-24T12:58:00.008-03:00

En las mentes de muchos de Uds. Alphaville figurará como un grupo portentoso que en agosto de 1984 asaltó las listas del Top Ten con su primer sencillo: "Big In Japan".

Lo cierto es que Alphaville tiene sus raíces en un grupo llamado Forever Young, constituído por Marian Gold, Bernhard Lloyd y Frank Mertens en la ciudad alemana de Munster en 1982. Junto a unos cuántos compañeros más que tenían el mismo criterio musical, el trío formó la base de un nuevo grupo denominado Nelson Proyect. Con algunas maquetas en sus bolsillos, Marian, Bernhard y Frank visitaron varios sellos discográficos y pronto negociaron con la WEA a finales de 1983.

Al año siguiente, y ya bajo el nombre de Alphaville, cosecharon un éxito internacional gracias a "Big In Japan" y a la inestimable ayuda de un video dirigido por Dieter Meier de Yello. La tarea que llegó a continuación fue completar el álbum debut, "Forever Young", un trabajo que bautizaron así en honor al grupo original.

Sin embargo, Alphaville no tuvo en Europa el mismo éxito que alcanzó en otros lugares, principalmente porque entre sus objetivos no se encontraba el viejo continente. Como consecuencia, casi todo el mundo perdió el interés por el grupo y el álbum brilló por su ausencia en las listas de éxitos. A Frank Mertens se le subió la fama a la cabeza y abandonó el grupo.

Por suerte, el éxito que tuvieron en EEUU les permitió pagar los alquileres y, lo más importante, pudieron establecer su propio estudio de grabación, al que bautizaron como Lunapark. Con Ricky Echolette en sustitución de Mertens, Alphaville consiguió lanzar al mercado en 1986 un segundo álbum que prolongó la vida del grupo: "Aftermoons In Utopia".

Para su próximo disco, "The Breathtaking Blue", de 1989, confiaron en el talento productivo de un héroe alemán de los teclados, Klaus Schulze, quién pretendía permanecer en el estudio tan sólo dos semanas pero al final se quedó un año entero !! Juntos desarrollaron la idea de crear una serie de películas cortas denominadas Songlines para no tener que hacer demasiadas giras por el extranjero.

Pero dado que el álbum fue un fracaso comparado con los trabajos anteriores del grupo, y que la WEA no puso ningún interés en intentar forzar el éxito del disco, Alphaville finalmente se separó. Marian Gold grabó un álbum en solitario llamado "So Long Celeste", mientras que Berhard Lloyd se ocupó de las remezclas de algunos éxitos del grupo para un disco recopilatorio que fue lanzado en 1992 bajo el título "First Harvest: The Best of Alphaville 1984-1992".

El grupo se rehizo luego en 1994 y lanzó su cuarto álbum, "Prostitute". Mientras, se fueron de gira en su primer Tour. Marian Gold, además, presentó otro disco como solista llamado "United" que incluyó una versión cover del tema "Five Years" de David Bowie. Luego, en 1997, grabaron en los estudios Eden de Londres un nuevo trabajo: "Salvation".

A la fecha han publicado otros cuatro discos: "Dreamscapes" (1999), "Stark Naked and Absolutely Live" (2000), "Forever Pop" (2001) y "Crazyshow" (2003).

Breves >> Marvin Gaye

2009-05-21T21:53:00.006-03:00

Marvin Gaye fue un riguroso cronista social, adelantado a su época por hablar de ecología y otras cuestiones vitales para el planeta y sus habitantes, mientras sus colegas se acicalaban para ir a la discoteca, y fue también uno de los más grandes renovadores de la música negra y del rock en general. Gaye fue una de las principales figuras del sello Motown, donde comenzó su carrera como baterista y haciendo coros para otros artistas. En 1961 grabó su debut como solista, The soulful moods of Marvin Gaye, sin demasiada repercusión. No obstante, poco después llegarían los primeros éxitos. El álbum That stubborn kinda' fellow (1963) contenía tres de sus mejores canciones: la que da nombre al disco, "Hitch Hike" y "Pride And Joy".

Durante los años 60's grabó varios dúos junto a artistas femeninas de la Motown como Mary Wells, Kim Weston y, especialmente, Tammi Terrell. En 1968 lanzó el que sería el single más vendido del sello en la decada de los 60's, "I Heard It Through The Grapevine", con un sonido más duro que el de sus comienzos.

En los años 70's, Motown le dió una mayor autonomía creativa a algunos de sus artistas, entre ellos Marvin Gaye, quien se despachó con su obra cumbre: What's going on, de 1971. Con este disco, Gaye inauguró la era del soul político: en "Mercy Mercy Me (The Ecology)", por ejemplo, habló de ecología por primera vez en una canción de rock. Otros temas hacen referencia a la guerra de Vietnam, la corrupción y el abuso de drogas. Musicalmente, el álbum está lejos de la fresca simpleza que caracterizaba al sello, con un sonido oscuro, lánguido, jazzero y hasta influido por la música clásica. Muchos lo consideran el mejor álbum de soul de la historia.

En su siguiente trabajo, Let's get it on (1973), volvió a cambiar el rumbo, volcándose a la elegancia y la sensualidad. En tanto, Here my dear, de 1976, retrata con crudeza los pormenores de su malogrado matrimonio con Anna Gordy (hermana de Berry, propietario de Motown). Tan personal es el álbum que su ex esposa pensó en demandarlo por invadir su privacidad.

En los primeros años de la década de los 80's se radicó en Hawaii y luego en Europa. Allí grabó su último disco con Motown (In our lifetime, 1981) para luego firmar con Columbia Records y publicar Midnight love en 1982. Este último disco, y especialmente el tema "Sexual Healing", renovaron la popularidad de Gaye. No obstante, el artista pasaba momentos difíciles, producto de su adicción a la cocaína.

En 1984, intentando refugiarse de las drogas, se mudó a la casa de sus padres. Pero la idea resultó contraproducente: las discusiones con su padre eran constantes, hasta que éste, en medio de una disputa, le disparó en el corazón. Gaye murió en el acto, poco antes de cumplir 45 años.

Kenny G >> "Breathless" (1992)

2009-05-20T00:20:00.004-03:00

Con un estilo ligero y suave, Kenny G se había ganado un buen puñado de seguidores entre la audiencia aficionada al saxofón de todas las épocas, y Breathless se convirtió en uno de sus discos más vendidos.
Habiendo saltado a la fama en la década de los 80's, poco después Kenny G ya era un artista global al que todas las emisoras de radio ponían al aire con bastante frecuencia. Pese a que los puristas del jazz lo criticaba duramente, su flaseo fluído y su estilo meloso lo hicieron el favorito de miles de aficionados.
La crítica de los entendidos del jazz no era un asunto que le preocupase, ya que el propio Kenny G admitía ser un instrumentista de pop con bastante fama entre los aficionados a la música.
El saxofonista se había forjado un nombre en la Love Unlimited Orchestra de Barry White, y poco a poco había ido trabajando en solitario. Breathless es un disco con una línea pop con temas como "The Joy Of Life" y "End Of The Night" pasando por "Forever In Love". El legendario cantante de rhythm & blues, Aaron Neville, se unió a él con las voces de "Even If My Heart Would Break". Peabo Bryson también ayudó con el color de su voz en la triste "By The Time This Night Is Over".
Breathless fue publicado en octubre de 1992 y vendió más de 12 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 17 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) The Joy Of Life
2) Forever In Love
3) In The Rain
4) Sentimental
5) By The Time This Night Is Over (Kenny G & Peabo Bryson)
6) End Of The Night
7) Alone
8) Morning - Kenny G & Aaron Neville
9) Even If My Heart Would Break (Kenny G & Aaron Neville)
10) G Bop
11) Sister Rose
12) Year Ago
13) Homeland
14) The Wedding Song

Bonus Tracks !!

2009-05-17T00:50:00.005-03:00

Cualquiera que haya visto las etiquetas del blog habrá apreciado que la mayor parte del material que he publicado corresponde a las décadas 80's y 90's. La razón es simple: la música de ese período de 20 años es mi preferida. Lejos han quedado los 70's y más aún los 60's. Si bien es cierto que me crié escuchando esa música, al compararla con décadas anteriores, o incluso con la década actual, me parece que las producciones de esos años han sido de una gran calidad y, al menos para mi, casi insuperables.
Por eso, haciendo eco de los comentarios de Fervox ("deberiamos preguntar que debemos hacer en el blog para lograr mejorarlo") y de Alfonso ("esto de los blogs es una actividad lúdica donde los primeros en divertirnos hemos de ser nosotros") he decidido poner en práctica una vieja idea que tenía de compartir con todos Uds. muchas de mis canciones preferidas de los 80's y 90's que por una cuestión cronológica, y de estructura, no fueron publicadas en el blog ni en la colección.

A partir de hoy verán en la columna de la derecha la imágen de dos discos con la leyenda "Bonus Tracks", uno de cada década, a los cuales luego con el tiempo se sumarán más (de hecho ya existe uno más que agregué con música Dance). Haciendo clic sobre la imágen podrán acceder al contenido de cada disco, publicado en la web D-audio. Una vez allí podrán escuchar las canciones on-line y, si lo desean, podrán descargarlas haciendo clic con el botón derecho del mouse y seleccionando la opción "Guardar enlace como...".
Además, incluí una ventana de chat para que puedan comentar sobre los temas del disco o solicitar canciones. Semanalmente iré agregando más y más canciones hasta completar el álbum y pasar a otro. Desde luego, se aceptan sugerencias y opiniones, y espero la idea les parezca interesante y, sobre todo, divertida.
Saludos !! :)

.

Sheryl Crow >> biografía

2009-05-15T21:01:00.006-03:00

A diferencia de muchos artistas que conocen el éxito de frente, Sheryl Crow tuvo que verlo de lado y a la sombra durante muchos años. Como cantante de respaldo para famosos como Eric Clapton, Don Henley, Michael Jackson y Rod Stewart, estuvo en la parte menos glamorosa del negocio del espectáculo durante los años 80's y parte de los 90's.

Nacida el 11 de febrero de 1962 en Kennett, EEUU, su música nunca ha sido para oyentes flojos. Por el contrario, sus letras no siempre son simétricas y tienden a ser muy pensadas. Aunque la música puede ser pegajosa, los temas siempre son directos y están trabajados para que queden grabados en la mente.

Los padres de Sheryl también se dedicaron a la música en su tiempo libre, aunque su padre fue un abogado liberal que combatió los abusos del Ku Klux Klan y se dedicó a defender las libertades básicas en muchos casos. Tanto él como su madre formaron parte de bandas de swing en las que ella cantaba y él tocaba la trompeta. Así las cosas, Sheryl creció en una atmósfera musical aromatizada por los Beatles, Bob Dylan, James Taylor y los Rolling Stones.

En 1986 se fue a Los Ángeles desde San Luis con 10.000 dólares de sus ahorros, con el corazón roto por su novio y llena de determinación por convertirse en músico profesional. La acompañaba un título de la Universidad Estatal de Missouri que la acreditaba en música clásica y la experiencia de haber cantado con una banda durante su época universitaria. Aunque eso ayudaba, los ahorros se fueron rápido y sus oportunidades salieron exclusivamente para cantante de respaldo en sesiones de estudio.

Pronto se convirtió en una de las cantantes de respaldo más respetadas en Los Ángeles y trabajó con Bob Dylan, Eric Clapton, Stevie Wonder, George Don Henley, John Hiatt, Joe Cocker y Sinead O'Connor. También Bette Midler grabó canciones suyas.

Le tomó más de cinco años alcanzar ese nivel, luego de haberse liberado de la desesperación y la autocomplacencia que la invadió al final de los 80's. Esta crisis vino después de su primer gran trabajo. Luego de 18 meses de cantar como respaldo para Michael Jackson en la gira de Bad, vestirse en cueros negros y actuar con él en el escenario "I Just Can't Stop Loving You", las puertas empezaron a abrirse de par en par. Sin embargo, eran puertas del estilo pop que hacía Jackson. Crow tuvo la fuerza para resistirse a esas tentaciones porque lo suyo era otra cosa. Así, las puertas empezaron a cerrarse y quedó sola y encerrada en su cuarto por seis meses. Después, con un poco de ayuda y voluntad salió a la calle y entró al mundo de las sesiones de grabación.

Su carrera como solista es también bastante extraña. El productor Bill Bottrell manejaba un estudio en Pasadena en el que Crow y otros músicos se reunían para tocar todas las semanas. Entonces adoptaron un club llamado Tuesday Night Music como su refugio. La experiencia le dió la fuerza para su disco debut.

La inspiración, fortuita, era necesitada desesperadamente. Había gastado ya un cuarto de millón de dólares grabando su primer disco, al que canceló por considerarlo demasiado pulido y poco representativo como para ser presentado a la gente. Ella había firmado con A&M Records apoyada por el productor de Sting, Hugh Padgham, con quien había hecho algunos trabajos. Él había producido su primer intento y, aunque su relación personal fue buena, no lograron desarrollarse creativamente.

Afortunadamente, la casa disquera pensó mucho en el talento de Crow y decidió esperar a que se generara un material alternativo. El resultado fue "Tuesday Night Music Club", grabado con muchos músicos que conocía del estudio de Bill Brotell, y que quedó adormecido cuando salió en 1993. El disco necesitó de un año para lograr empezar a moverse y lo logró con dos éxitos menores: "Run Baby Run" y "Leaving Las Vegas".

Sheryl Crow creía que el disco ya había alcanzado su máximo y que iba para el almacén de los recuerdos, por lo que empezó a pensar en su próximo álbum. Sin embargo, la disquera sugirió que lanzaran "All I Wanna Do", pensando que no había nada que perder. El tema se convirtió en uno de los éxitos más importantes de 1994, llegó al número 2 de las listas en Estados Unidos, fue nº4 en Inglaterra y alcanzó la estatura de un multiplatino en materia de ventas.

La canción que se convierte en un éxito repentino trata de dos desesperanzados que dejan que el tiempo se vaya entre sus manos mientras se consienten con una cerveza tempranera y esperan en vano tener algo de diversión. La métrica de los versos y el estilo conversado chocan con la melodía suave de la canción. Mientras, sus versos e imágenes se contrastan con una música que sube en fuerza, que fue lo que enganchó a la audiencia. La gente también quedó prendida con "Strong Enough", "What Can Ido For You" y "The Na-Na Song".

En noviembre de 1994, Crow cantó a dúo con Mick Jagger "Under My Thumb" mientras los Stones tocaban frente a 65 mil personas. Ese mismo año fue uno de los dos actos femeninos del poco agraciado Woodstock 2, aunque frente a 300.000 almas. En 1995 abrió para la gira de regreso de los Eagles, además de hacer giras propias y con Joe Cocker.

Con un calendario tan apretado, encontrar tiempo para grabar su nuevo disco fue bastante difícil, pero a finales de 1996 sacó un disco bajo su propio nombre que se llevó el Grammy como mejor álbum de rock en 1997. Ya en esta década, el álbum "C'mon, C'mon", de 2002, es un poco más suelto y va directo al rock & roll que es lo que a ella realmente le gusta. "Soak Up The Sun" mantiene ese estilo suave y melódico, pero lleva detrás la fuerza coral e instrumental de quien quiere el rock. Crow dijo que ese disco pretendió tener el sabor de los clásicos del rock de los 70's y 80's. En el tema que le da nombre al disco canta acompañada por Stevie Nicks, solista y vocalista de Fleetwood Mac.

Luego de haber trabajado con tantos artistas reconocidos, Sheryl Crow finalmente pudo ver el éxito de frente.

Comparativa >> CD vs. MP3

2009-05-10T14:42:00.018-03:00

El debate sobre los distintos formatos de grabación/reproducción musical es un asunto recurrente en el mundo de la Alta Fidelidad. Ya sea en los ámbitos aficionado y profesional, como en las revistas especializadas, cada tanto aparecen defensores, o detractores, de algún formato en particular. Por ejemplo, los adictos al vinilo forman un grupo relevante en el sector audiófilo y es habitual escucharlos argumentar que el agrado con el que escuchan sus LP's no lo proporciona de ninguna manera la misma música presentada en formato digital. Otro grupo importante lo componen los amantes de la cinta analógica, especialmente como medio de grabación. Nunca dejan de recordarnos que, bien cuidados, los soportes magnéticos y los aparatos, tanto de grabación como de reproducción, pueden proporcionar un sonido de calidad superior a la que comunmente se reconoce.
Y luego interviene la industria electrónica promocionando los formatos digitales de alta definición: el SA-CD y el DVD-Audio. Ambos sistemas en guerra entre si y en lucha desigual frente al rey de los formatos: el CD-Audio y sus dos pistas PCM/44100 Hz/16 bits. El CD suele ser el formato abandonado a su suerte en los debates audiófilos, sin grupo especial que lo apadrine; aunque es lógico que esto sea así, ya que realmente su papel dominante en el mercado discográfico le permite defenderse por sí solo.
Por último, queda el grupo de los formatos "comprimidos" (con o sin pérdidas de información): toda la plétora de codecs digitales abanderados por el nuevo soberano del almacenamiento de música grabada, el MP3. Realmente, cuando se debate sobre la calidad sonora de estos formatos, pasamos a un mundo diferente del de los anteriores: su flexibilidad, su calidad "a la carta", la disponibilidad de codificadores/decodificadores, son los criterios dominantes a la hora de decantarse por ellos. Pero estos son aspectos ajenos al mundo de los demás formatos.
En los debates en defensa del formato favorito de cada uno suelen aparecer dos tipos de argumentaciones:
- La subjetiva: "Me suena mejor", "me gusta más". Indiscutible. Básicamente este tipo de ideas permite la reafirmación grupal.
- La de los fundamentos teóricos del formato: "Mayor margén dinámico", "mayor rango de frecuencias". Estos comentarios suelen aparecer en los debates y dan lugar a espectaculares tratados matemáticos sobre filtrados digitales, teoremas de Shannon y criterios de Nyquist.

El meollo del problema

¿Tiene sentido comparar CD vs. MP3? Si y no. A pesar de tener el mismo objetivo (la grabación y reproducción musical) son formatos con aplicaciones muy diferentes. Además, tengamos en cuenta que la calidad final no sólo depende del formato utilizado, sino también del equipo de audio, los altavoces, la forma y mobiliario de una sala, y el entorno. Entonces, acertar en su elección depende, en primer lugar, de qué es lo que se busque. MP3 posee una calidad aceptable para que una persona pueda acompañar un viaje en tren o una cena entre amigos con algo de música. EL CD, en cambio, es un concepto completamente distinto para aquellos que piensan en el disfrute de la música en sí.
Muchos han pronosticado la muerte de la Alta Fidelidad argumentando que la compresión de MP3 ha provocado la pérdida de la emoción musical y se preguntan porqué en la era de los mayores avances tecnológicos la calidad sonora empeoró como nunca. Es cierto que los formatos de compresión han degradado la calidad musical pero, además de una cuestión de mercado, se sabe que la mayoría de los audiófilos no son expertos en sonido, ni ingenieros, ni fanáticos del Hi-End. Y por más éxito y expansión que tenga MP3, siempre habrán puristas dedicados a escuchar sólo en vinilo o en cinta y con equipos valvulares.
Antes de ir al grano, repasemos algo de historia. Cuando apareció el CD de la mano de Philips en 1982 se trataba, ciertamente, de un formato con muchos inconvenientes y su calidad inicial era muy pobre. Los avances y mejoras introducidas al formato gracias al desarrollo tecnológico fueron claves para que el CD se convierta en el rey del audio digital. Algo similar sucedió con el MiniDisc de Sony, lanzado en 1992, que tenía una pésima calidad de sonido en sus comienzos y, gracias al encomiable trabajo realizado, lograron mejorar tanto el algoritmo de compresión (llamado ATRAC) que el MD fue considerado como un formato de Alta Fidelidad. Con la llegada de la versión 4.5 de ATRAC, las copias realizadas desde discos compactos ofrecieron una calidad casi clónica de sus originales, con amplitud y naturalidad en altas frecuencias. Esto significó, ni más ni menos, la evolución de la tecnología de audio y representó un gran avance para el MiniDisc.
Bueno, lo mismo está sucediendo con MP3.

Tests de calidad: CD Audio vs. MP3

Sam Lin, un ingeniero de sonido, realizó en 2006 una serie de pruebas de calidad (quality tests) para determinar si un MP3 realmente puede sonar tan bien como un CD. En la entrada de este blog dedicada a MP3 vimos que este formato alcanza la "transparencia" a 192 kbps. Sam utilizó ese umbral como referencia, ya que por debajo de los 192 kbps el sonido de un MP3 suena demasiado degradado. Primero ripeó dos piezas musicales bien dispares: el concierto nº 3 de Rachmaninov, por su gran rango dinámico, y el tema "Sweet Thing" de Mary J. Blige que, por su percusión con platillos, le permitió hacer pruebas de respuesta en frecuencia y distorsión.
Para el proceso de codificación utilizó el software EAC (Exact Audio Copy), extrajo las pistas en tres bitrates diferentes (192, 256 y 320 kbps) y las copió en un CD-R. Sam ya sabía que la manera en que cada software codifica la información afecta a la calidad final del archivo y, desde luego, suena diferente.
Luego, usando el programa Cool Edit realizó varios análisis de frecuencias utilizando ruido rosa (pink noise). Los resultados obtenidos al analizar el pop de "Sweet Thing" le parecieron más interesantes, donde encontró que en todos los bitrates MP3 mostraba vacíos causados por las frecuencias desechadas por el "modelo psicoacústico" en el proceso de codificación.
Finalmente, procedió a realizar pruebas subjetivas de escucha en su equipo de Alta Fidelidad, y encontró que a 192 kbps se percibe una marcada diferencia de calidad respecto del CD. Sin embargo, no pudo encontrar diferencias a 256 y 320 kbps. De hecho, entre un tema ripeado a 256 kbps y otro a 320 kbps no existen diferencias audibles.
Como sabemos, el límite superior de nuestra capacidad de percibir frecuencias altas es de 20 kHz. Sin embargo, en el caso de las fuentes sonoras que emiten frecuencias por encima de los 20 kHz, la existencia de dichas frecuencias ultrasónicas y su interacción con las frecuencias de intermodulación que están dentro del rango audible tienen consecuencias en el sonido final que se percibe, como bien afirma el ingeniero Andrés Mayo en su artículo "Hay vida después de los 20 kHz". Todo esto justifica la elección del CD como fuente sonora de calidad frente a MP3, ya que las diferencias, aunque sutiles, las podemos percibir.
Volviendo a las pruebas de Sam Lin, MP3 de 192 kbps es ideal para escuchar en la computadora o en el equipo del coche, dos sistemas con una distorsión importante y una mala respuesta en frecuencia. Para el hogar, en cambio, se recomienda el CD o bien MP3 codificado a 256 o 320 kbps, ya que la diferencia de calidad de audio entre el CD original y un MP3 a 256 kbps no es significativa.

Conclusiones

En definitiva, cada uno elegirá el formato de su preferencia en base a sus necesidades, posibilidades y objetivos.
Es innegable que el CD suena mejor que MP3, pero hoy en día la calidad de audio de un MP3 puede ser aceptable y hasta más que suficiente para el usuario promedio. Por ahora el mercado de la grabación y reproducción de audio sigue siendo dominado por el CD, y es lo que encontramos cuando vamos a una tienda de música. Posiblemente en MP3 las canciones suenen arruinadas o apenas empobrecidas, y muchos de nosotros nos sentimos incómodos por los cambios que imprimió este formato de compresión digital. Pero ese es el modo en el que la música sobrevivirá: como una lámina de ilustración en un libro de arte, mientras los originales se guardarán en un museo por aquellos que aún conservan sus reproductores de CD y bandejas giradiscos.
Ah, y no se preocupen, los puristas del sonido seguirán existiendo.

.

Michael Bolton >> "Time, Love & Tenderness" (1991)

2009-05-09T19:20:00.005-03:00

Todo en este disco es grandilocuente, desde la voz hasta la producción, pasando por las cifras de ventas. Michael Bolton se alejaba más aún de sus raíces de hard rock con canciones un tanto pasadas de moda, y con una base soul de temas de amor con estilo dinámico pero poco sutil.
Gran parte del éxito del disco se puede atribuir a la elección de los compositores que hizo el propio Bolton, con Desmond Child, auténtico mecenas de los éxitos del rock de la década, y Diane Warren, una de las compositoras con más ventas de todos los tiempos. Otros colaboradores del disco fueron Bob Dylan, que firmó la canción "Steel Bars", Kenny G con su saxofón en "Missing You Now" y Patti LaBelle en el dueto "We're Not Making Love Anymore".
A pesar de llegar a lo más alto de las listas con el álbum y publicar cuatro sencillos que llegaron al Top 20, el éxito del trabajo quedó oscurecido por la querella de Isley's Brothers contra Bolton argumentando que "Love is a Wonderful Thing" plagiaba su canción del mismo título del año 1961.
Time, Love & Tenderness fue publicado en abril de 1991 y vendió más de 9 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) Love Is a Wonderful Thing
2) Time, Love and Tenderness
3) Missing You Now
4) Forever Isn't Long Enough
5) Now That I Found You
6) When a Man Loves a Woman
7) We're Not Makin' Love Anymore - Michael Bolton, Patti LaBelle
8) New Love
9) Save Me
10) Steel Bars

Donna Summer >> biografía

2009-05-05T20:22:00.005-03:00

Indiscutiblemente, Donna Summer es y será la reina del Disco. Lo positivo es que esto le ha dejado un lugar en la historia de la música pop, pero por otra parte eso mismo la convirtió en un símbolo de una era que ya pasó, lo que explica porqué sus múltiples proyectos extra-Disco nunca alcanzaron lugares importantes en las listas de popularidad o se convirtieron en éxitos descomunales de venta.

Nació bajo el nombre de Donna Gainnes en el poblado de Dorchester, en Massachussets (EEUU), el 31 de diciembre de 1948. De niña actuó en los coros de la iglesia y en 1967 debutó como cantante pop en el Boston's Psychedelic Supermarket en una banda de rock llamada The Crow.

Acto seguido, abandonó los estudios y viajó a Europa con la producción alemana de la ópera rock Hair, y en 1971 se casa en Austria con Helmut Sommer, de quien adopta su apellido con una pequeña variación. Ese mismo año graba su primer sencillo: "Sally Go 'Round The Roses".

En 1973 se encuentra con los productores Giorgio Moroder y Peter Mellote con quienes graba "The Hostage", su primer éxito en el viejo continente. Sería hasta 1975 con "Love To Love You Baby" que llegaría a las listas norteamericanas. Era una mezcla de disco y dance de 17 minutos en la que la cantante producía sonidos de claro contenido sexual.

A partir de ahí las cosas empezaron a despegar, y entre 1978 y 1980 logró colocar 8 canciones en el Top Ten de las listas norteamericanas. Con la salida del Disco de la moda, lamentablemente se fue el éxito de Donna Summer.

Luego de convertirse nuevamente al cristianismo logró un éxito con "The Wanderer" en 1980 y con "She Works Hard For The Money" en 1983. Sin embargo, tuvo que esperar hasta 1989 para volver a los primeros puestos de las listas, esta vez con "This Time I Know It's For Real".

Dentro de sus grandes logros figuran haber sido la primer artista femenina en tener tres discos en el primer lugar en un año (MacArthur Park, Hot Stuff y Bad Girls), y también ser la única artista en haber logrado que tres álbumes dobles fueran nº 1 en forma consecutiva (Live And More, Bad Girls y On The Radio), además de catorce canciones en el Top Ten, cuatro nº 1, tres discos de platino, cinco premios Grammy y doce nominaciones al mismo premio.

Otros logros incluyen el haber ganado el Óscar a la Mejor Canción con "Last Dance" en 1978, y lo mismo ocurrió con el Globo de Oro.

Donna Summer todavía tiene fervientes admiradores (conozco uno en Puerto Rico !!), aunque hay quienes la desvaloran como cantante porque la encasillan dentro de un género musical, al que hace mucho tiempo superó como lo muestran sus últimas grabaciones.

Señoras y señores, es una cantante, una verdadera artista, no una moda.

+ Donna Summer en D-audio >> Breakaway [remix] (1992)

Enya >> "Watermark" (1989)

2009-05-03T11:40:00.004-03:00

El segundo álbum en solitario de la antigua cantante de Clannad fue completado con una fusión de la nueva tecnología y las influencias musicales tradicionales. La melodiosa voz de Enya, con ecos predominantemente celtas, y la producción de una gran variedad de temas dieron lugar a un sencillo que se convirtió en nº 1 en Inglaterra y llegó al nº 30 en EEUU: "Orinoco Flow". Cada uno de los trabajos de Watermark reflejaba un cuidadoso y delicado esfuerzo, que se tradujo en que el álbum alcanzara en los años 80's el status de disco esencial de chillout, incluso antes de que tal término existiera.
Watermark se grabó inicialmente en el estudio Dublin del antiguo socio de Enya, Nicky Ryan, pero muchas de las partes vocales se volvieron a grabar en Londres en la matriz. Enya y Ryan utilizaron hasta 200 pistas vocales en algunas canciones para crear un sonido único y especial.
"Watermark", el tema que da nombre al álbum, y "Miss Clare Remembers" son unas delicadas piezas de piano. "Storms in Africa" está marcado por el original sonido de batería de Chris Hughes de Tears For Fears, mientras que "Cursum Perficio" es una atractiva canción coral cantada en latín.
En el penúltimo tema del disco, el músico especializado en música folclórica irlandesa Davy Spillane ofrece un espectacular solo de gaita en el himno gaélico "Na Laetha Geal M'oige". Por otra parte, aunque Watermark nunca llegó más allá del puesto nº 25 en la lista de Billboard, tuvo ventas millonarias y continuó siendo muy popular cuando muchos de sus contemporáneos ya habían sido olvidados.
Watermark fue publicado en enero de 1989 y vendió más de 5 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 66 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Watermark
2) Cursum Perficio
3) On Your Shore
4) Storms In Africa
5) Exile
6) Miss Clare Remembers
7) Orinoco Flow
8) Evening Falls
9) River
10) The Longships
11) Na Laetha Geal M'oige
12) Storms In Africa II

Breves >> New Order

2009-05-02T16:43:00.006-03:00

Luego de la muerte en 1980 de Ian Curtis, lider y cerebro de Joy Division, pocos apostaron a la continuidad musical de sus compañeros. Sin embargo, Bernard Sumner tomó las riendas, cambió el nombre del grupo y comenzó una nueva etapa. Bajo la denominación de New Order, Sumner y cía. tuvieron que batallar contra viento y marea para imponer su música.

Las primeras respuestas de la prensa y el publico en general no fueron auspiciosas, incluso el primer single, el maravilloso "Ceremony", fue acreditado a Joy Division y se dijo que era una pálida copia de viejos éxitos de la misma banda. Al año siguiente (1981) debutan discográficamente con Movement, un álbum donde se nota la influencia de bandas de música electrónica que solían tocar en los clubs de New York.

New Order comenzó a experimentar con computadoras, agregando sintetizadores y sequencers a su sonido. En medio de acusaciones que los calificaban de fascismo por su nombre, se edita el single "Blue Monday", el cual se convierte en uno de los quince mas vendidos de todos los tiempos en Inglaterra. Por problemas de drogas, en 1987 la banda se toma un descanso y regresan en 1989 con el disco Technique, donde encuentran un sonido techno con una ligera mezcla de new wave y es considerado, junto al álbum Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio a la música de baile enfocada a la introspección.

Paradójicamente, cuando este disco les da la credibilidad que siempre les costó conseguir, a principios de los noventa se disuelven (regresando momentáneamente en 1993 con la publicación del disco Republic, escrito y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible) dejando escritas, de esta manera, páginas de oro en la historia del techno/pop. No obstante, embriagado por los elogios recibidos de parte de las nuevas generaciones de artistas electrónicos, Sumner ingresa al nuevo milenio rearmando la banda y editando Get Ready, álbum que sintoniza con los comienzos del grupo y le agrega un nervio rockero, que es realzado con invitados de la talla de Bobby Gillespie (Primal Scream) y el existencial líder de Radiohead, Thom Yorke. A comienzos del 2005 editaron un nuevo LP titulado Waiting for the Sirens' Call.

Luego de una gira mundial que los trajo por primera vez a la Argentina a fines del 2006, irregularidades y tensiones en el seno del grupo comenzaron a salir a flote. Pocos meses después y luego de más de 25 años de prolífica trayectoria la banda resolvió separarse.

MP3 (MPEG Audio Layer 3)

2009-05-01T00:35:00.008-03:00

Y llegamos a MP3, un formato para el cual no hace falta introducción alguna. Fue, es y probablemente será el formato lossy de mayor éxito y fama. Tanto es así que, hoy en día, existen reproductores portátiles exclusivamente diseñados para reproducir este tipo de archivos. A continuación veremos porqué, a pesar de su superioridad técnica y calidad de sonido, ninguno de los formatos analizados hasta ahora puede robarle el trono al rey MP3.
Propiamente denominado MPEG Audio Layer 3, este formato nació, en parte, gracias al proyecto DAB (Digital Audio Broadcast) propulsado por la Sociedad Fraunhofer. De ese proyecto surgieron dos alternativas: Musicam (conocida como Layer 2), que fue la elegida, y ASPEC. Por último, un grupo de trabajo liderado por Karlheinz Brandenburg y Jurgen Herre tomó las mejores características de ambas alternativas, las combinó con algunas ideas propias y, finalmente, creó lo que hoy conocemos como Layer 3 o simplemente MP3.
Este formato, al igual que muchos otros, se aprovecha de todas aquellas frecuencias que nuestro oído es incapaz de procesar correctamente, lo que se denomina "modelo psicoacústico". Además de estos algoritmos del tipo destructivo, MP3 utiliza también una técnica llamada MDCT (Modified Discrete Cosine Transformation) que transforma el sonido del dominio del tiempo al de las frecuencias, para luego tratarlo por partes. En definitiva, implementa un banco de filtro que logra aumentar la resolución del antiguo Layer 2. Estas técnicas permiten obtener una compresión de hasta 1:12 sin sacrificar demasiada calidad de sonido, pasando de aproximadamente 1411,2 kbps a 112-118 kbps, con lo cual se consigue una reducción significativa del tamaño del archivo.
Lo bueno es que, aún cuando un archivo es separado en muchas partes diferentes, todavía se puede reproducir. Esto lo hace ideal para transmitir música en tiempo real por Internet, aunque desde luego se debe tener muy en cuenta la velocidad de conexión.
Otras de las tantas características de MP3 es la inclusión de metadata dentro del archivo, normalmente llamada "tag". Esto permite guardar todo tipo de información referente al artista y la canción, además de cuestiones técnicas del archivo.
El punto débil de MP3 recae en la falta de soporte para multichannel (múltiples canales de audio) y es aquí donde sus competidores atacan, haciéndole perder más y más adeptos. Sin embargo, como no podía ser de otra manera, un proyecto para permitirle a MP3 contar con sonido envolvente ya está en marcha, liderado por sus desarrolladores.
Las demás limitaciones de este formato son muy claras, pero aún así no logran bajarlo del cómodo trono en el que se encuentra. Algunas de ellas son, por ejemplo, su limitado bitrate (que llega hasta 320 kbps), fallas en frecuencias de 15,5/15,8 kHz, y otros bugs menores que, como dije, no ponen en discusión su reinado.
A esta altura cabe destacar que MPEG no determina la manera en que MP3 puede ser codificado, pero sí el formato de archivo y los algoritmos para decodificarlo. Como resultado, existen muchísimas maneras diferentes de codificar un MP3. Debido a esto podemos encontrar archivos MP3 de diferentes tipos, bitrate y tamaño, según lo desee el codificador en cuestión. Por supuesto, este formato enfrenta serios problemas legales concernientes a patentes y regalías, pero explicarlo excede el contenido de este espacio.

mp3PRO

mp3PRO es un códec de audio que integra una técnica llamada Replicación de la Banda Espectral (o Spectral Band Replication - SBR) con MP3, y puede ofrecer un rendimiento de 128 kbps ocupando el mismo tamaño que un archivo MP3 codificado a la mitad, es decir, a 64 kbps. El formato mp3PRO es compatible tanto con los antiguos formatos, como con los reproductores de audio. Así, los archivos codificados en MP3 se pueden ejecutar en cualquier reproductor de mp3PRO.
Al codificar sonido con mp3PRO se producen dos componentes, la parte MP3 para las frecuencias bajas y la parte SBR (o "PRO") para las frecuencias altas. Como la parte "PRO" tiene muy pocos requerimientos de memoria, la codificación se puede realizar de forma compatible con el formato MP3, lo que permite utilizar reproductores de MP3 para escuchar archivos mp3PRO, ignorando la parte "PRO". Los únicos requerimientos son que el reproductor acepte tasas de muestreo de 16, 22,5 y 24 kHz. junto con 32, 44,1 y 48 kHz. Los reproductores certificados cumplen con este requerimiento, pero no es el caso de muchos de los reproductores portátiles.

VBR (Variable BitRate)

La calidad de un archivo MP3 con un bitrate constante (CBR) de 192 kbps es comparable a la calidad de un CD. No obstante, puede que en ciertas partes de la canción esos 192 kbps se estén desaprovechando. Esto se debe a que a lo largo del archivo la onda de sonido varía, pero al mantenerse constante el bitrate el tamaño del archivo resultante será lineal. Es decir, en archivos codificados en CBR el tamaño de dos archivos distintos será igual si sus duraciones son iguales.
Si los archivos son codificados en VBR, el codificador asigna velocidades de bits (bitrate) que varían según la complejidad de la onda de audio a lo largo del archivo. Para las partes con pocos instrumentos o sin sonido alguno asigna velocidades de bits menores, y para las partes con muchos tipos de sonidos asigna velocidades mayores. Por ende, será menos predecible el tamaño de archivo resultante, ya que para un mismo criterio de compresión en VBR dos archivos de igual duración pueden resultar ser de tamaños muy dispares, ya que la capacidad de compresión en ambos difiere.
La explicación detrás de las codificaciones a VBR reside en que se busca mantener un mismo nivel de calidad entre los distintos archivos de audio, dejando de lado la estandarización en el tamaño de los mismos.

Resumiendo, MP3 seguirá reinando por largo tiempo mientras que su fórmula para el éxito siga funcionando: la relación calidad/tamaño del archivo.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con la nueva tecnología MP3 les dejo el link hacia la página oficial del proyecto y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que ya tengan experiencia con este nuevo códec de MP3 los invito a compartirlas dejando un comentario.
Espero hayan disfrutado de esta revisión de formatos de compresión de audio. Para terminar la serie de notas, en una próxima entrada veremos una comparativa entre CD y MP3 para luego, con más tiempo, ocuparnos de los formatos físicos de audio, las tecnologías actuales y aquellas que ya casi no se utilizan.

Enlace >> Página oficial del proyecto MP3

Enlace >> Descarga de software para MP3 Surround y el códec MP3D

Otros formatos analizados >> FLAC - APE - TTA - OGG Vorbis - MPC

.

Inxs >> "Kick" (1987)

2009-04-30T13:15:00.004-03:00

Después de haberse columpiado en el borde del estrellato a mediados de 1980, el grupo australiano INXS saltó directamente a la superliga del pop con el álbum Kick en 1987. Con su híbrido disco-rock frío y dolorido, INXS despegó con cuatro sencillos de enorme éxito que tuvieron el respaldo de la difusión de unos videos en MTV muy simpáticos, en los que aparecía la imagen de Michael Hutchense, el líder del grupo, en su característico traje de cuero.
Kick elevó a INXS, que llevaba trabajando ya nueve años, a la cima de su carrera, con una mezcla de cierto atractivo visual y reflexiones políticas, aderezada con un funk-rock muy pulido y palpitante que les hizo ganarse la fama de llenar los estadios en los conciertos y sirvió para que se los pusiera a la altura de los gigantes del pop, como REM y U2.
Además del único sencillo nº 1 del grupo, "Need You Tonight", las canciones "New Sensation", "Devil Inside" y la emotiva balada "Never Tear Us Apart" encontraron un puesto en la lista de sencillos del Top Ten de Billboard. Sin embargo, no fueron los sencillos los que hicieron de Kick un disco atractivo que los distinguía de los primeros álbumes del grupo, sino que se debió, más bien, a la clara ausencia de rellenos. Prácticamente todas las canciones presentaban una calidad similar.
De esa manera, el disco se convirtió en un éxito con ventas millonarias, como nunca volvería a experimentar INXS. El álbum alcanzó el nº 3 en el Billboard 200.
Kick fue publicado en enero de 1987 y vendió 7 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80´s.

Contenido del disco:

1) Guns In The Sky
2) New Sensation
3) Devil Inside
4) Need You Tonight
5) Mediate
6) Loved One
7) Wild Life
8) Never Tear Us Apart
9) Mystify
10) Kick
11) Calling All Nations
12) Tiny Daggers

+ Info >> Biografía de INXS

Colección D-audio >> Disco 2

2009-04-28T21:11:00.006-03:00

En medio de los festejos por las 20.000 visitas del blog, les presento el CD nº 2 de la colección D-audio, el cual ya pueden escucharlo on-line y descargar en su totalidad. Aunque todavía me falta agregar algunas biografías y publicar las letras de los temas, el disco ya está disponible para todos aquellos melómanos que disfrutan de las grandes baladas.
Como siempre digo, si bien este es un proyecto personal, está abierto a la participación de los demás. Hay mucha gente que me ha ayudado, y que continúa ayudándome, a armar la colección. Si tienen algo de historia, datos curiosos, anécdotas o información poco conocida que piensen que puede ayudar a enriquecer lo ya publicado, el aporte será bienvenido !!!!
También si ven que falta algo que quisieran agregar pueden sugerirlo. Recibo ideas, opiniones, criticas constructivas y sugerencias. Todo sirve :)
Pueden dejar sus comentarios aquí en el blog, en el chatbox o bien por e-mail.

Colección D-audio >> Disco 2

Demás está decir que las 20.000 visitas no hubieran sido posibles gracias a la compañía y a la ayuda de (espero no olvidarme de nadie) Heaven, Alfonso, Sergio, Alfredo, Fervox, MusicMan2, Toni, Her, Luis y David, y desde luego a todos quienes regularmente ingresan a este espacio para compartir sus conocimientos y su gusto por la buena música.

A todos, muchas gracias !!!!
Salud !!!!

.

Audio Hi-End

2009-04-26T00:59:00.006-03:00

De acuerdo a los resultados de la encuesta del mes, al menos el 65% de los votantes cuenta con un equipo modular de audio Hi-Fi o Hi-End. Es bueno saberlo, por un lado porque muestra un perfil del visitante promedio del blog, y por otro porque estos resultados coinciden con el relanzamiento de Audio Hi-End, mi web de audio de alta fidelidad.

La idea original data de 1999, cuando decidí crear un sitio para intercambiar experiencias entre los aficionados al sonido y exponer artículos y notas de audio interesantes y (sobre todo) útiles, tanto para el novato como para el experto. Al estar en español y no orientado exclusivamente a ingenieros y profesionales del sonido, el sitio pronto cubrió un vacío existente en la materia y se convirtió en visita obligada para cientos de aficionados al audio en los paises de habla hispana. El éxito, sin embargo, duró hasta fines de 2004, fecha de la última actualización. Desde entonces, la falta de tiempo y de colaboradores hicieron que no pueda dedicarme al mantenimiento del sitio. Hoy, la creación de este blog y el hecho de haber encontrado gente con ganas e interés en sumarse al proyecto han logrado que regrese al trabajo.

Para mi es un nuevo y fresco comienzo. En principio republicaré las notas de audio ya existentes en este blog y los artículos enviados por los colaboradores. Luego será el momento de incorporar una Guía útil para configurar y mantener cada uno de los componentes de un equipo de audio de alta fidelidad, agregar mayor cantidad de software y ocuparme de los artículos más técnicos y específicos. También, por qué no, comenzar con un breve curso de acústica de salas.

Asi es que, si les interesa el audio Hi-Fi o Hi-End, poseen un equipo de sonido al cual le quieren sacar el mejor partido, o simplemente desean colaborar con el sitio compartiendo sus conocimientos y experiencias, serán más que bienvenidos !!!!
A partir de hoy habrá un completa integración entre Audio Hi-End, la página de la colección D-audio, y este blog.

Como siempre, la idea y la intención de todo este trabajo es que sea útil e interesante para Uds.

Breves >> Midnight Oil

2009-04-25T01:21:00.006-03:00

Midnight Oil saltó a la fama en el año 1987, gracias a su hit global, "Beds Are Burning", un llamado de atención al mundo por la usurpación, por parte de diversas compañías, de tierras pertenecientes a los aborígenes australianos. Fue uno de los grandes temas de la década de los 80's y una de las pocas canciones con temática política que también se podía bailar.

La carrera de Midnight Oil arranca en 1971, cuando algunos estudiantes se disponen a hacer ruido sin demasiado sentido. El hobby dura cuatro años bajo el nombre de Farm, hasta que conocen a Peter Garrett, un extraño cantante, muy alto y con la cabeza rapada, quien les propone un curso de acción más interesante. El grupo cambia su nombre, pasa a llamarse Midnight Oil, y busca, sin suerte, un contrato profesional. Como les iba bien en los shows en vivo, editan su primer álbum en 1978 de manera independiente.

Tres años más tarde y con sus trabajos vendiendo de manera consistente, atraen la atención de Columbia Records que los ficha y los proyecta internacionalmente. En 1984 editan Red Sails in the Sunset, álbum con el que logran un éxito menor en el terreno internacional gracias al hit "When The Generals Talk". En ese mismo momento, INXS abre una ventana para la música australiana con su éxito internacional, y Midnight Oil supo aprovechar el hueco con Diesel And Dust, de 1987, al tiempo que su tema "Beds Are Burning" alcanza el Top 20 en Estados Unidos. "The Dead Heart", si bien logró un reconocimiento menor, sirvió también para cimentar su éxito.

Peter Garrett, en ese entonces, era un conocido líder ecológico en su tierra natal, y casi gana un lugar en el senado. El disco de 1990 Blue Sky Mining continuó con la temática ambientalista, oponiéndose a las minas en cielo abierto. El reconocimiento mundial seguía firme. La presentación del grupo frente a las oficinas de la petrolera Exxon en Nueva York, para protestar por el derrame de petróleo en las costas de Alaska, llamó la atención mundial.

Earth And Sun And Moon (1993) fue uno de los mejores álbumes de la carrera de Midnight Oil, pero las ventas no fueron las mismas. Algo parecido sucedió con el álbum posterior, Breathe (1996). Su momento parecía haber pasado. Eso y el creciente interés de Peter Garrett por la política hicieron que Midnight Oil se separara en 2002.

Se volvieron a juntar en 2005 para un show benéfico, pero tras el mismo decidieron que la banda había cumplido su ciclo.

Michael Jackson >> "Thriller" (1982)

2009-04-24T20:17:00.004-03:00

Michael Jackson ya había publicado uno de los álbumes que habían definido su carrera en solitario con la producción de Quincy Jones Off The Wall. No obstante, esto apenas sirvió para preparar al mundo para el gran bombazo que supuso Thriller en 1982. El álbum lo tenía todo: rock, soul, pop, la inigualable voz de Jackson y una distinguida selección de colaboradores, entre los cuales se encontraban Paul McCartney, David Foster, James Ingram, Janet Jackson, Dean Parks y David Paich, por citar sólo algunos.
El primer sencillo, "The Girl is Mine", llegó al Top Ten a ambos lados del Atlántico, pero fueron los ambiciosos videos de "Billie Jean" y "Beat It" los que pondrían los cimientos para el éxito del álbum. Gracias en parte a los potentes solos de guitarra de Eddie Van Halen, "Beat It" fue engullido por MTV, convirtiendo a Jackson en el primer artista negro en recorrer el camino del éxito en la red. Igualmente, el carisma de Jackson como estrella le ayudó a ganar una enorme audiencia para el, en ese entonces, nuevo canal.
Un número sin precedentes de siete temas de los nueve del álbum se convirtieron en éxitos del Top Ten de EEUU. Las ventas de Thriller y el impacto de los videos redefinieron para siempre las expectativas dentro de la industria musical.
Thriller fue publicado en diciembre de 1982. Vendió más de 68 millones de copias tan sólo en los Estados Unidos, y se calcula que en la actualidad lleva vendidas más de 109 millones de copias en todo el mundo. Está ubicado en puesto nº 1 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Wanna Be Startin' Somethin'
2) Baby Be Mine
3) The Girl Is Mine
4) Thriller
5) Beat It
6) Billie Jean
7) Human Nature
8) PYT (Pretty Young Thing)
9) Lady In My Life

MPC (Musepack)

2009-04-23T15:08:00.006-03:00

Continuando con los formatos lossy es el turno de MPC, cuyo desarrollo comenzó en 1997. Actualmente, junto a OGG Vorbis, es uno de los formatos que, al parecer, están destinados a terminar con el reinado de MP3.
Musepack utiliza como base los algoritmos presentes en MPEG Layer II, pero optimizados de tal manera que son capaces de competir con los demás formatos. Además de los presentes en la denominada Layer II, MPC utiliza otros algoritmos pertenecientes también a AAC, como el ya mencionado entropy coding y técnicas para reducir el ruido, entre otras. Al igual que OGG Vorbis, Musepack tiene siempre un bitrate variable (VBR), que puede ir desde 3 a 1300 kbits. Por último, y de manera similar que MP3, también utiliza el llamado "modelo psicoacústico" cuyo objetivo es reducir aquellas frecuencias que nuestro oído es incapaz de procesar correctamente, para optimizar la compresión del sonido. Sin embargo, las técnicas y algoritmos de este "modelo psicoacústico" difieren de las de MP3.
Otra de las similitudes entre MPC y MP3 es la metadata, y aunque Musepack utiliza otro tipo de tags, el objetivo y el resultado son, en definitiva, los mismos. En cuanto a rendimiento, es muy similar al de OGG Vorbis, llegando a la llamada "transparencia" unos cuántos kbps. antes que MP3. En definitiva, se trata de una alternativa muy interesante para aquellos que desean cambiar el formato de su colección de música.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con MPC les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle el rey de los formatos lossy: MP3.

Enlace >> Página oficial de MPC Musepack

Enlace >> Descarga de software

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Breves >> Suzanne Vega

2009-04-22T23:41:00.004-03:00

Impulsada por el éxito mundial que le significó "Luka", Suzanne Vega se instaló cómodamente en un sitio de privilegio en la década de los 80's, abriendo la puerta para el aterrizaje del plantel femenino en el universo folk, territorio habitado hasta ese momento sólo por hombres.

Oriunda de la ciudad de Nueva York, EEUU, ya de niña mostró una inclinación artística escribiendo poemas a la corta edad de nueve años. Tiempo después, mientras perfeccionaba sus estudios universitarios en literatura inglesa, comenzó a tocar en pequeños pubs aumentando día a día su convocatoria.

En 1984 recibió su primer propuesta discográfica, editando su disco debut al año siguiente. Suzanne Vega gozó de buenas críticas tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, pero el batacazo llegaría con su segundo LP, Solitude Standing. Con fecha de edición en el año 1987, el disco incluía a "Tom's Diner" y "Luka", un tema que hablaba sobre el abuso infantil en primera persona. La canción causó un alto impacto en el público gracias a su sensibilidad lírica y se convirtió en un hit instantáneo gracias a su frescura y dulzura pop.

Luego de una extensa gira y un posterior descanso del mundo discográfico, la artista maniobró un giro estilístico en su regreso: volcada hacia la experimentación y la exploración de estilos como el synth-pop y el dance, lanzó Days of Open Hand (1990) y 99.9Fº (1992).

Nine Objects of Desire (1996) significó un punto medio en su carrera, pero recién fue con Songs in Red and Gray, lanzado en el 2001, con el que regresó al sonido más directo y orgánico que la hizo popular. Luego de algunos lanzamientos en vivo y compilados de grandes éxitos, la artista editó nuevo material con canciones originales en el 2007, con Beauty & Crime.

Como dato anecdótico, la versión de "Tom's Diner" ("La cafetería de Tom"), remasterizada por el dúo británico DNA, fue la primer canción que grabé decentemente de la radio, desde luego, en cassette.

Pat Metheny >> biografía

2009-04-22T15:07:00.003-03:00

Pat Metheny es uno de los guitarristas más innovadores que han surgido en la historia del jazz. Como exponente de la fusión del jazz con elementos del rock y de otras vertientes musicales, propia de la década de los años 70's, Metheny pertenece a una generación de músicos que se dejaron influir por otras corrientes además del jazz. En su caso, la fuerte influencia que recibió de la música folk y country se escucha con fuerza en su estilo y hacen de él uno de los músicos más influyentes por sobre las nuevas generaciones de músicos.

Su producción ha experimentado con varios estilos musicales, produciendo esto a veces críticas provenientes de los sectores más duros del jazz, y se ha dividido fundamentalmente en dos vertientes, la desarrollada como solista con distintos músicos invitados y la desplegada con su grupo, que comparte con el tecladista Lyle Mays.

Patrick Bruce Metheny nació en Lee's Summit, Missouri, EEUU, el 12 de agosto de 1954. Comenzó a tocar la guitarra a los 13 años y estudió durante su adolescencia en la Universidad de Miami y en la famosa Berklee College Of Music de Boston. Su influencia más destacada en sus primeros años fue la del guitarrista Wes Montgomery. Su fluido estilo se desarrolló en forma temprana y fue reconocida por el vibrafonista Gary Burton, profesor de Berklee, quien lo incorporó a su quinteto en 1974.

En 1975, Metheny firmó contrato con el sello alemán ECM y grabó su primera placa como líder, en trío con el bajista Jaco Pastorius y el baterista Bob Moses. En 1977 formó su grupo, junto a Lyle Mays, un joven compositor y tecladista poseedor de un estilo muy refinado en el piano, y a la vez un incansable experimentador de los teclados electrónicos. En 1978 grabó el disco Pat Metheny Group, que produjo un fuerte impacto tanto por la inspirada composición y arreglos, que desde el jazz rozaba el terreno del rock y de la música country con toques de sinfonismo, como por la estatura de los improvisadores Metheny y Mays.

En 1979 editó New Chautauqua, un disco solista donde se mete con fuerza en el lenguaje de la guitarra country, con toques de improvisación. Ese mismo año, con el grupo graba American Garage, donde el jazz y del rock se fusionan con tal fuerza y naturalidad que la placa se catapultó a los primeros puestos de venta en ambos estilos. Todo guitarrista joven que empezaba quería sonar como él a la vez que un sector más conservador del jazz lo criticaba.

Metheny comenzó a acallar esas críticas con proyectos paralelos junto a otros artistas consagrados del jazz, como 80/81, el aclamado disco de 1980 con los saxofonistas Michael Brecker y Dewey Redman, el contrabajista Charlie Haden y el baterista Jack DeJohnette. Al poco tiempo, el grupo llega a una madurez con el celebrado Travels, disco doble en vivo, con el percusionista brasileño Naná Vasconcelos como invitado, apoyado con constantes giras internacionales. En 1983 irrumpe con Rejoicing, en trío con el baterista Billy Higgins y Charlie Haden en contrabajo, y en 1985 con Song X, un intenso experimento de Free Jazz, junto al pope del estilo, Ornette Coleman.

En 1984 incorpora al grupo al multiinstrumentista argentino Pedro Aznar y al baterista Paul Wertico, y edita el ecléctico First Circle. A partir de allí el grupo comienza a recostarse cada vez más sobre la música brasileña y es a menudo criticado por su liviandad. Sin embargo, el estilo guitarrístico de Metheny continúa evolucionando sin tregua, siendo ampliamente reconocido por la crítica y por la industria a través de varios premios Grammy.

Metheny continúa desarrollándose desde proyectos solistas, con invitados especiales, con su grupo y en la composición de bandas de sonido para películas. Se destacan sus grabaciones en trío de los últimos años junto a Larry Grenadier en contrabajo y Bill Stewart en batería.

En 1992 edita Secret Story, el álbum que muchos expertos lo consideran el mejor disco de la carrera de Pat Metheny y posiblemente del jazz contemporáneo.

Metheny ha sido sin dudas un gran innovador dentro del jazz. Su constante inquietud lo ha llevado por momentos a tomar algunos giros que no fueron recibidos con entusiasmo, pero su estilo de improvisación, junto a su original sonido, apoyado por la tecnología, y su composición, de un lirismo infrecuente en el jazz, lo colocaron en un lugar de privilegio dentro de la historia musical.

Adam Ant >> biografía

2009-04-21T12:27:00.003-03:00

Adam Ant es uno de esos fenómenos de la música que llegan y salen con la fuerza de un huracán. Una canción basta para que en dos semanas la gente se vuelva loca y con la misma velocidad la olvide. Inicialmente, Adam Ant se basó en el uso intenso de la guitarra propio del post-punk, más tarde pasó al pop y luego retornó como un cantante para el público adulto. Sus grabaciones, más que influyentes, eran una muestra de los movimientos en los que se inscribió.

Stuart Leslie Goddard (Adam Ant), nació en londres el 3 de noviembre de1954. Hijo único de una familia de trabajadores, tuvo las oportunidades básicas de estudio de un chico de su generación.

Terminada su secundaria, a inicios de los setenta, se enroló en Bazooka Joe, una banda con la que estuvo hasta 1975 cuando se marchó para formar su propio grupo: The B-Sides. Al mismo tiempo cambió su nombre a Adam Ant y su esposa se lo cambió a Eva.

Para 1977 se había divorciado y abandonó la universidad para dedicarse enteramente a la música. Entonces formó un grupo post-punk llamado Adam and the Ants en el que estaba el guitarrista Lester Square, el bajista Andy Warren y el baterista Paul Flanagan. Envueltos en vendas, se convirtieron en un éxito local y tuvieron algunas apariciones nacionales. El grupo era más teatral que los demás grupos punk e incluían objetos e imágenes sadomasoquistas.

Ansioso por alcanzar la fama y un contrato con algún estudio de grabación, el grupo reclutó al antiguo manager de los Sex Pistols, Malcom McLaren. A finales de 1979 ya habían grabado su primer álbum: "Dirk Wears White Sox". La contratación de McLaren trajo consigo un cambio de imágen y de estilo musical. Por una parte el grupo empezó a vestirse como piratas y por otro lado su música se volvió más pop.

Desafortunadamente, después de la salida del disco, McLaren convenció a las hormigas (Ants) de dejar a Adam y convertirse en el grupo de rock Bow Wow Wow.

Inmediatamente Adam rearmó la banda con el guitarrista Marco Pirroni, el bajista Kevin Mooney y los bateristas Terry Le Miall y Chris "Merrick" Huges. Bautizaron su ritmo como Antmusic, aunque los especialistas lo llamaron New Wave. Su primer LP fue "Kings of the Wild Frontier" que alcanzó un éxito comercial impresionante con tres canciones que llegaron al Top Ten inglés: "Dog Eat Dog", "Antmusic" y el tema homónimo del disco. Los temas venían acompañados de videos cargados de maquillaje que llamaban la atención de todo el mundo y explotaban la figura estilizada de Adam Ant.

Sin embargo, con el éxito llamando a las puertas, la banda se volvió a separar después de la salida de "Prince Charming", el LP de 1981. A pesar de ello, Ant continuó su relación musical con Marco Porroni y, a partir de ello, lanzó su carrera en solitario con el disco de 1982 "Friend or Foe". El álbum fue un éxito en Estados Unidos obteniendo un disco de oro y llevando al sencillo "Goody Two Shoes" al número 1. También se extrajeron "Friend or Foe" y "Hello, I Love You".

En 1983 volvió con "Strip", un disco que fracasó en Estados Unidos pero que incluía el sencillo "Puss 'n' Boots" producido por Phil Collins y que llegó al Top Ten inglés.

Justo después de ese éxito parcial vino el álbum "Vive Le Rock", que hacía referencia al rock de los años 50's y que fue producido por Tony Visconti, el mismo que produjo a los T-Rex y a David Bowie. Luego vendría su presentación en Live Aid y con ella una pausa en su carrera musical para dedicarse de lleno a la actuación.

En 1990, Adam Ant regresó con el disco "Manners and Physique", un proyecto cargado a lo electrónico y producido por el ex bajista de Prince, Andre Cymone. Con ese disco, Ant volvió a las listas con "Room at the Top". A ese álbum le siguió "Persuasion", pero la disquera MCA decidió no publicarlo y Ant volvió a las pantallas.

Cinco años más tarde regresaría con "Wonderful", un disco basado en la música de los Beatles, usando guitarra y el tradicional apoyo del sintetizador. Desafortunadamente, el disco empezó a despegar con el tema que le daba nombre al disco cuando Ant cayó enfermo y eso lo forzó a no llevar a cabo una gira mundial.

De alguna manera, su estilo musical aún se puede escuchar en el trabajo de Elastica, Nine Inch Nails y Suede.

Cat Stevens >> "Tea For The Tillerman" (1970)

2009-04-18T22:55:00.005-03:00

Tea For The Tillerman fue la compleción de lo vislumbrado en el álbum de regreso de Cat Stevens, More Bone Jakon, y lo consagró como uno de los mayores talentos norteamericanos. El disco fue distribuido por Mobile Fidelity Records.
Tras un vacío en su carrera desde finales de los años 60's, tras haber contraído una tuberculosis, Cat Stevens regresó en perfecta sincronía a comienzos de la década siguiente, justo cuando el movimiento de los cantautores estaba tomando impulso.
La canción que abre el disco, "Where Do The Children Play?", señaló la nueva dirección de Stevens. Aparentemente se trata de un tema pop, pero si se estudia con más detalle pone de manifiesto las preocupaciones del artista sobre el precio que estaba pagando la sociedad por el progreso y la técnica. "Wild World", su primer sencillo en el Top 20 de EEUU, llegó al nº 11 y le dió un nuevo giro a las canciones de ruptura. Por otro lado, "Father And Son" muestra al autor en una conversación intergeneracional.
Paul Samwell-Smith, ex Yardbird, proporcionó una producción suave y amable, que permitió que las canciones de Stevens respiraran. Urgido por el éxito de "Wild World", el álbum tardó cinco meses tras su publicación en alcanzar el nº 8 en EEUU, permaneciendo en las listas durante 79 semanas. En Inglaterra, en cambio, sólo llegó a un modesto nº 20.
Las canciones de este álbum han sido cantadas por artistas de muy diverso tipo, desde Mr. Big, Domino y Maxi Priest ("Wild World") hasta Boyzone ("Father And Son").
Tea For The Tillerman fue publicado en noviembre de 1970 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 92 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70's.

Contenido del disco:

1) Where Do The Children Play?
2) Hard Headed Woman
3) Wild World
4) Sad Lisa
5) Miles From Nowhere
6) But I Might Die Tonight
7) Longer Boats
8) Into White
9) On The Road To Find Out
10) Father And Son
11) Tea For The Tillerman

OGG Vorbis

2009-04-15T19:58:00.005-03:00

Comenzamos con los formatos lossy. Vorbis es un códec de compresión de audio completamente Open Source y, por lo tanto, gratuito. Al ser utilizado en conjunto con el formato OGG, se convierte en lo que hoy conocemos como OGG Vorbis.
Este formato nació en 1998 en respuesta a una carta en la que los creadores de MP3 decidían cobrar regalías por su patente. Cuatro años después, luego de muchas pruebas, llegó la primera versión estable. Como verán, este formato es relativamente nuevo; sin embargo, su popularidad ha crecido de manera considerable en los últimos años. Sus seguidores están por todo el mundo y la cantidad crece día a día.
Al igual que MP3 y muchos otros formatos lossy, OGG Vorbis utiliza la técnica MDCT (Modified Discrete Cosine Transformation), que cambia el dominio del sonido para llevarlo al de las frecuencias, y luego aplicarle otras técnicas como quantization y entropy coding. Este formato tiene una característica particular: funciona siempre en VBR (Variable Bit Rate). Al contrario de lo que sucede con un flujo de bits constantes, lo que hace VBR es variarlo según la complejidad del sonido, optimizando la compresión y, por lo tanto, el tamaño del archivo.
Las ventajas frente a MP3 se evidencian a simple vista. La más notoria es que suele llegar a lo que se denomina "transparencia" (es decir, cuando la calidad del sonido es tan similar a la del original que no se nota variación alguna) a aproximadamente 160 kbps, en contraste con MP3 que suele lograrlo a 192 kbps. Aunque parece una diferencia insignificante, logra reducir el tamaño del archivo y obtener la misma calidad, que es en definitiva el objetivo primordial de todo formato de compresión.
Si bien todavía no cuenta con mucho soporte en reproductores portátiles de audio y minicadenas, la situación está cambiando. Esto puede verse en las nuevas versiones de firmware para los principales reproductores de MP3, especialmente en marcas como Apple.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con OGG Vorbis les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossy: MPC.

Enlace >> Página oficial de OGG Vorbis

Enlace >> Descarga de software

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Queen >> biografía

2009-04-13T23:22:00.007-03:00

La década de los ochenta fue el período en el que el cuarteto británico Queen produjo música que fue de lo mitológico a lo desenfrenado. Pero los invito a conocer la historia desde el principio...

En 1968 Brian May y Tim Staffell, ambos estudiantes del Colegio Imperial, decidieron formar un grupo de rock. Brian colocó un anuncio en el periódico del colegio solicitando un baterista tipo Ginger Baker. El llamado fue respondido por Roger Taylor, quien finalmente obtuvo el puesto. Así nació Smile, que en 1969 obtuvo un contrato de grabación con Mercury Records.

Tim Staffell estudiaba en el Colegio Ealin de Artes. Fue allí donde conoció a Freddie Bulsara y lo llevó a conocer a la banda. Bulsara era originario de la isla Zanzíbar en el Océano Índico (hoy parte de Tanzania) y había llegado a Inglaterra junto a sus padres. Desde entonces Freddie se convirtió en admirador del grupo. En 1970 la banda se separa y Tim busca un camino propio, mientras que Freddie Bulsara abandona el grupo del que formaba parte, Wreckage, y se une a Taylor y May.

En ese momento Bulsara se convierte en Freddie Mercury, la banda es rebautizada como Queen y le piden a John Deacon que toque el bajo de forma permanente para el grupo, ya que anteriormente habían tenido tres bajistas temporales.

Empezaron entonces ensayos extenuantes y presentaciones para amigos del Colegio Imperial, mientras les ofrecieron probar el equipo de un nuevo estudio a cambio de producir cintas de demostración (demos) en las que nadie se interesó. Finalmente, en 1972, el estudio Trident mostró interés en ellos y los puso a grabar su primer disco, pero en los horarios vacíos de la casa, además de pagarles 60 libras esterlinas por semana.

En 1973 Trident firma un acuerdo con EMI para que Queen pueda producir y publicar su disco en julio. Para promover el álbum los pusieron como teloneros en la gira del grupo Mott The Hoople. Sin embargo, la sensación general era que el grupo era mucho más que eso.

"Queen II", la segunda placa, salió en marzo del 1974, luego de que la banda insistiera que se arreglara la portada por un defecto de impresión. Nuevamente, acompañando a Mott The Hoople, Queen se embarca en una gira que los lleva a Estados Unidos, pero que tiene que ser suspendida cuando Brian May se desmaya producto de la hepatitis. Ese mismo año, en noviembre, lanzan otro disco ("Sheer Heart Attack!") que se convierte en un éxito de ventas tanto en Inglaterra como en Estados Unidos.

Al año siguiente inician una gira por EEUU. La venta de entradas para los conciertos fue tan buena que en algunas localidades tuvieron que presentarse dos veces el mismo día. Esa misma razón hizo que Mercury enfermara de la garganta y algunas presentaciones tuvieran que ser canceladas.
Así empezaba 1975 cuando contrataron a Jim Beach, un abogado especializado en asuntos de la industria musical, a quien encargaron cerrar la relación con Trident. El sello no ofrecía el apoyo de antes y eso los tenía molestos. Ese mismo año implicó visitas a Canadá y Japón.

En junio empiezan a grabar un nuevo disco mientras se separaban de Trident. En ese disco venía "Rapsodia Bohemia". Nadie creía que esa canción pudiera tener éxito, más si se tenía en cuenta que duraba casi 6 minutos. Mercury le entregó una copia de la canción a un programador amigo en Londres para que nada más la escuchara. El amigo desobedeció y la puso al aire catorce veces en dos días. A partir de ahí, no hubo una radio que se preciara de ser seria que no quisiera poner la canción en toda su extensión. De hecho, el video que se produjo para ese tema fue pensado en términos de aumentar el impacto del disco.

La popularidad del grupo fue tal que en una ocasión sus admiradores fueron llamados a la filmación de uno de sus videos: "We Are The Champions". Dentro del nuevo Teatro de Londres filmaron una y otra vez las escenas con un público complaciente y obediente. En agradecimiento, la banda improvisó un concierto para sus fans.

Pero el atractivo del grupo era el cantante Freddie Mercury, quien conocía bien la historia musical británica, además de la música popular de la época. Su versatilidad era tal que pasó de lo más clásico del blues al rock más divertido en "Crazy Little Thing Called Love". Durante los años setenta ese estilo los convirtió en uno de los espectáculos que debían ser vistos. En los ochenta, al fundirse con estilos más funk, entraron en metamorfosis creativa, aunque no de ventas.

Fue así como en el disco "The Game" (1980) se incluyeron sintetizadores, en contraste con "Rapsodia Bohemia". De la mano de "Another One Bites The Dust" el álbum se convirtió en un éxito de ventas que sólo en Canadá fue cinco veces platino. En Estados Unidos estuvo en la cima de tres listas a la vez (Disco, Soul y Rock) y se llevó el premio respectivo de Billboard. Su gira de 1981 los trae a latinoamérica acompañados de 45 millones de discos vendidos. Llenaron estadios en Buenos Aires, Río de Janeiro y Sao Paulo.

También en los años ochenta vinieron las carreras en solitario, que salvo por Deacon, el resto se dedicó a aprovechar con bastante éxito. Lo significativo es que nunca descuidaron al grupo que les dió fama y reconocimiento. En 1984 con la salida de la placa "The Works" el grupo empieza a experimentar con sonidos más electrónicos. Del disco se extrajeron "Radio Ga Ga" y "I Want To Break Free". La primera es un canto melancólico a la radio, y la segunda una suerte de liberación creativa expresada en el video, que no fue puesto al aire por MTV.

Para entonces el reconocimiento de su trabajo era tal que en el concierto "Live Aid" fueron considerados por la prensa y el público como los destacados del show. La banda entró en una fase más madura produciendo obras en conjunto y por separado que recogían lo mejor de los setenta y los ochenta, no sólo en los éxitos, sino también en la calidad de su producción. La muestra del nivel de trabajo fue "Barcelona", que cantó Freddie Mercury con Montserrat Caballé en 1988.

En 1989 lanzan "The Miracle" y en 1991 "Innuendo", el último disco de la banda antes de la muerte de Freddie Mercury a causa del SIDA ocurrida el 24 de noviembre de ese año. Ambos contenian éxitos como "I Want It All", "The Invisible Man" y "The Show Must Go On".
Finalmente, en 1995, la banda lanza su último disco: "Made in Heaven", un álbum reflexivo, introspectivo y una despedida de quien sabía que era hora de cerrar un círculo para comenzar una nueva etapa.

Earth, Wind & Fire >> "All 'N All" (1978)

2009-04-11T22:17:00.005-03:00

La repentina muerte de su lugarteniente musical, Charles Stepney, obligó al líder de Earth, Wind & Fire, Maurice White, a replantearse la banda para el disco All 'N All. Ausente Stepney, que había hecho los arreglos y coproducido todos los éxitos del grupo hasta entonces, White hizo que Joe Wisser, asociado desde hacía largo tiempo al grupo, coprodujera el disco y comenzara a buscar ayuda fuera de Earth, Wind & Fire. El resultado fue su primera colaboración con el (en ese momento) prometedor arreglista y compositor David Foster.
Foster, que posteriormente llegaría a coescribir para el grupo "After Love Has Gone", canción que ganaría un Grammy, fue llamado como arreglista para "Fantasy". Aunque sólo se trató de un éxito modesto, "Fantasy" fue un indicio de hacia dónde apuntaba ahora el grupo.
"Serpentine Fire" les proporcionó un nuevo nº 1 en las listas de rhythm & blues, al igual que la balada "I'll Write A Song For You". El hecho de que White escribiera el disco tras unas vacaciones en Brasil es evidente en una serie de interludios titulados "Brazilian Rhyme", mientras que la mezcla de "Runnin'" fue lo bastante buena como para ganar el Grammy al mejor rhythm & blues instrumental en enero de 1979, exactamente un año después de que el disco alcanzara el nº 3 en las listas norteamericanas.
All 'N All fue publicado en enero de 1978 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 68 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70's.

Contenido del disco:

1) Runnin'
2) Brazilian Rhyme (2)
3) Be Ever Wonderful
4) Serpentine Fire
5) Fantasy
6) In The Marketplace
7) Jupiter
8) Love's Holiday
9) Brazilian Rhyme
10) I'll Write A Song For You
11) Magic Mind
12) Do You Mind
13) Runnin' (2)
14) Brazilian Rhyme (3)

Software >> Nexus Radio

2009-04-10T13:41:00.005-03:00

Si nos gusta escuchar música todo el día, con Nexus Radio podremos reproducir toda clase de canciones desde cualquier lugar, grabar nuestro programa de radio favorito e incluso descargar música de una base de datos de más de 15 millones de temas. Cada vez son más los sistemas de radio on-line que existen en Internet y que ofrecen muchos tipos de servicios diferentes. Nexus Radio es uno de los más completos y cuenta con más de 7000 estaciones de radio de todo el mundo para escuchar on-line. Una característica sobresaliente de este software es que nos permite, además, programar y grabar en la PC nuestras emisiones de radio favoritas en formato MP3, para poder escucharlas luego.
Al iniciar Nexus Radio veremos varias solapas en la parte superior de la ventana. Si elegimos "Stations" y luego "All Stations" veremos un listado donde se distribuyen las sintonías en 38 géneros musicales. Sólo es cuestión de seleccionar el que más nos agrade para acceder a una casi infinita lista de estaciones. Cada radio muestra su bitrate, es decir, el número de bits que se transmiten por unidad de tiempo. Esto define la calidad del audio que se está reproduciendo. Generalmente una calidad aceptable para escuchar radio es 96 Kbits/s. Si la estación que seleccionamos tiene un número inferior a este valor, la calidad de sonido no será la mejor. Si el valor es superior, por ejemplo 128 Kbits/s, la calidad será muy buena, aunque deberemos contar con una conexión de alta velocidad para que la radio no se escuche entrecortada.
Una vez seleccionada la estación podremos grabarla e incluso guardarla en la lista de radios favoritas. Nexus Radio también cuenta con un sistema de efectos y ecualizadores que prodremos aplicar en vivo a lo que estamos escuchando.
Una buena opción para disfrutar la música en todo momento y lugar.

Enlace >> Página oficial de Nexus Radio

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Breves >> Dido

2009-04-09T00:39:00.007-03:00

Una de las pocas exponentes de calidad de fines de los 90's y principios de la década actual es Dido.
Dido Florian Cloud de Bounevialle Armstrong (tal su nombre completo) nació el 25 de diciembre de 1971 en Londres, Inglaterra. Su primer nombre, el cual eligió para darse a conocer como artista, proviene de una diosa de la mitología griega.
Dido fue una niña prodigio: ingresó a la Guildhall School of Music de Londres con solo seis años, y en su adolescencia ya dominaba el piano y el violín. Inició su carrera profesional en 1995, colaborando con la banda de su hermano Rollo: Faithless. Después del primer disco del grupo, la cantante comenzó a trabajar en su primera producción como solista. Finalmente, en 1999 salió No angel, una exquisita combinación de pop acústico y electrónico, con cierto componente new age que recuerda a Sinead O' Connor.
Las ventas de este álbum se dispararon dos años después, a partir de que Eminem sampleó una sección del tema "Thankyou" para su canción "Stan". Luego, los hits propios fueron cayendo uno a uno: "Hunter", "Here with me", "All you want", etc. Conclusión: No angel fue el disco más vendido de 2001 en Gran Bretaña.
En septiembre de 2003 salió su segundo álbum, Life for rent, una obra más madura y orientada a los sonidos lánguidos de la new age. Después de cinco años de silencio discográfico, la cantante regresó en el 2008 con Safe trip home, un álbum que mantiene el matiz intimista, cálido y acústico de sus producciones anteriores.

Dido en D-audio >> Thankyou (1999) > Disco 1

¿Todo tiempo pasado fue mejor?

2009-04-06T00:30:00.007-03:00

Hay dos hechos que cambiaron la historia de la música y provocaron un aluvión de creatividad. Primero fue la aparición del rock and roll en los años 50's gracias a la guitarra (un instrumento que data de la edad media), y segundo la creación del sintetizador en los años 60's. Luego, la evolución de la tecnología les fue dando a los artistas mayores opciones a la hora de componer y buscar nuevos sonidos.
La música de los 50's me gusta porque era muy sencilla, con apenas un par de instrumentos y voces fabulosas hubo grandes creaciones. Una prueba de que no se necesita demasiado para hacer buena música.
Si bien los 60's aportaron mucho a la diversidad musical, con melodías armónicas, coros y voces estupendas, fue en los 70's cuando realmente comenzó todo. En términos de variedad y alcance de la música esa década fue de todo menos aburrida. Fue una época de expansión, tanto en lo que se refiere al aspecto creativo de los artistas y músicos, como por el éxito de la propia industria discográfica. Las ventas de discos, tanto de álbumes como de sencillos, crecieron más allá de las locas previsiones de los ejecutivos. Cada vez había más música disponible, aparecieron nuevos estilos y los que ya existian se desarrollaron y mejoraron. Entre otros podemos citar al Soul, el Reggae, el Punk, el Rock Progresivo y la música Disco.
Sin embargo, la música de los 70's es tal vez la que menos me agrada. Había muchos experimentos y sonidos raros, pero fueron la base para lo que vendría luego: la maravillosa década de los 80's, en donde se produjo el resurgimiento del Pop que reflejó un gusto por sonidos más sólidos y maduros. Es, en definitiva, la música con la cual me identifico.
Los 90's fueron, a mi criterio, años menos creativos, pero aún así todavía podían encontrarse canciones de calidad. También fue una década exitosa para nuevos estilos negados en épocas anteriores, como el Hip Hop, el Dance, el Rhythm and Blues y el Country. A pesar de eso, ya la variedad y diversidad musical empezó a manchar. Había toneladas de música, pero en su mayoría basura. Tuvimos que empezar a ser mucho más selectivos con lo que escuchábamos y cada vez era más difícil encontrar buena música.
Y de esa manera llegamos a la década actual, con muy pocas producciones de calidad. Así, por ejemplo, nos encontramos con discos como "Lovers Rock", de Sade, que es del año 2000. Para los amantes de la buena música es una verdadera obra de arte, pero estas producciones no abundan como flores en un campo de margaritas.
Es una en un millón.

David, un lector frecuente de este blog, me comentaba por e-mail que, según su opinión, desde hace unos años (mediados de los 90's hasta la actualidad) la calidad musical ha decaído a tal punto que ya no se encuentran grandes canciones y mucho menos discos que se destaquen. Eso es una gran verdad si tenemos en cuenta que hoy en día la música está pre-fabricada de acuerdo al perfil del consumidor, no interesa la espontaneidad del artista a la hora de componer sino vender solamente lo que la gente compra en cantidad industrial. En definitiva, lo único que interesa es el dinero.
Esta última década, 2000-2010, ha sido sin lugar a dudas la peor en la historia de la música desde los 50's.

¿Uds. que piensan?¿Todo tiempo pasado fue mejor?
Los invito a opinar dejando un comentario.

TTA (True Audio)

2009-04-05T15:15:00.008-03:00

Para terminar con los exponentes del grupo lossless nos encontramos con TTA, uno de los formatos que más popularidad ha ganado en los últimos años. Junto con APE y FLAC, True Audio es considerado como uno de los más maduros en su tipo. ¿Porqué sucede esto? Muy sencillo: rápida y eficiente compresión, alta calidad de sonido y, sobre todo, licencia gratuita y Open Source.
TTA puede trabajar en multichannel y en 8, 16 y 24 bits, algo de lo que no todos los formatos pueden jactarse. Al igual que APE, TTA utiliza métodos presentes en los algoritmos de ZIP y PKZIP, pero optimizados para comprimir audio eficientemente. De esta intensiva optimización se desprenden las principales características de TTA que le han valido fama mundial.
La rapidez y la efectividad en cuanto a compresión cumplen un papel esencial en su éxito. Sus creadores aseguran que este formato es, sin lugar a dudas, el que más rápido puede comprimir archivos de audio. Además, logra reducir entre 30% y 70% el tamaño original del archivo, similar a lo que sucede con FLAC.
Como su códec es capaz de compilar en cualquier sistema operativo o plataforma, TTA tiene una flexibilidad impresionante. Y por si todo esto fuera poco, tiene soporte para los reproductores de audio más populares y tags del tipo ID3.
Estas fuertes características hacen que criticar a este formato sea una tarea inútil. Salvando algunos bugs menores, no posee falla alguna.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con TTA les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada comenzaremos con los formatos lossy: OGG Vorbis.

Enlace >> Página oficial de TTA

Enlace >> Descarga de software

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Breves >> Lee Ann Womack

2009-04-05T00:20:00.004-03:00

Nacida y criada en Texas, la cantante de country Lee Ann Womack trabajó en el departamento de contratación de un sello discográfico y pasó años componiendo profesionalmente antes de convertirse en artista y establecerse en la corriente del country pop.
Editado por el sello Decca Records en 1996, su debut homónimo fue producido por Mark Wright, contando con la participación de Mark Chesnutt, Ricky Skaggs y Sharon White, y fue incluído en las listas de country en el Top Ten.
Su siguiente edición, “I Hope You Dance”, apareció en 2000, y “Something Worth Leaving Behind” en 2001.
Aquí les dejo algunas canciones para que conozcan el sonido de su voz.

P.D.: Gracias a Bruno por la información y por compartir la música de esta solista.

Kylie Minogue >> biografía

2009-04-04T00:10:00.005-03:00

Kylie Minogue nació en Melbourne, Australia, en 1968. Empezó su carrera como actriz con tan solo once años en la serie de TV "Skyways" y poco tiempo después integraba el elenco de la novela "Neighbours" que se emitía de lunes a viernes en Australia y también en el Reino Unido.

Pero su cambio hacia la música sería a raíz de una serie de casualidades. Minogue aceptó participar en un concierto benéfico junto a otras celebridades donde decidió interpretar "Locomotion" de Little Eva. A alguien se le ocurrió llevar la grabación de ese evento a Mushroom, un sello local, que vió la oportunidad de lanzar un simple interpretado por una joven estrella de televisión. Inesperadamente, "Locomotion" llegó al puesto número uno. En consecuencia, Mushroom Records empezó a contemplar seriamente en trabajar con la actriz. Minogue viajó hacia Londres para grabar el tema "I Should Be So Lucky" y dado que nuevamente fue un éxito instantáneo la ex-actriz (que se vió obligada a abandonar la serie "Neighbours" para entonces) se disponía a registrar su primer disco de estudio. Ayudada por su belleza innata, un perfil pop y una cuidada campaña de marketing, la cantante se convirtió en un suceso en Australia, Estados Unidos y Europa (especialmente Inglaterra).

Ninguna rubia tonta, Kylie asumía cada día mayor control de su carrera y además empezó a contribuir a la composición para su cuarto álbum, "Let´s Go To It" de 1991. Luego de abandonar su antigua compañía discográfica, Minogue editó dos discos, "Kylie Minogue" e "Impossible Princess", bajo el sello dance londinense Deconstruction. Un nuevo rumbo musical también se vio estimulado por las diferentes colaboraciones de la cantante: su relación con el líder de INXS Michael Hutchence y la participación en la canción "Where the Wild Flowers Grow" de Nick Cave (con quien después también tendría una relación sentimental) estimularon su curiosidad y la alentaron para zambullirse en la experimentación.

Con el cambio de década, Minogue se mudó para Parlaphone (bajo el asesoramiento de sus amigos, los Pet Shop Boys) y resurgió como la princesa pop, no tan adolescente ya, de "Light Years". Kylie volvió a ser una super estrella internacional con la edición de "Fever" (2001) y su arrollador hit "Can't Get You Out of My Head" que le valió dos premios en la entrega de los Brit Awards del 2002. Su disco sucesor, "Body Language", la afirmó como una de las artistas pop-dance más importantes de la escena actual. Luego de lanzar el compilado "Ultimate Kylie" en 2004, le diagnosticaron cáncer de mama por lo que debió interrumpir sus actividades musicales por un tiempo prolongado. En 2006 la cantante regresó a los escenarios, luego de haber combatido y vencido el cáncer.

Un año después lanzó "X" y a principios de 2009 regresó al mercado discográfico con "Boombox", un compilado de remixes.

The Beach Boys >> biografía

2009-04-03T00:14:00.004-03:00

Los Beach Boys fueron quizás la primera banda de rock, ya que antes existían formaciones que acompañaban a solistas, y la más importante de las bandas en Estados Unidos antes de la llegada de los Beatles.

Brian Wilson fue el primer artista en tener control total de un estudio de grabación, a pesar de que apenas era un adolescente. Gracias a la influencia del primo de Brian, Mike Love, el grupo se convirtió en una suerte de clásico que es visto como la materialización de la nostalgia con canciones sobre autos, chicas y surf: la representación del sueño californiano. Su aparición, junto con la de Mamas and The Papas, implicó el desarrollo de un sonido diferente basado en coros y armonías que pronto fue bautizado como "el sonido de California".

La vocación de Wilson por la música era innata. Tarareaba antes de empezar a hablar. Tanto su madre como su padre lo llevaron por esa vía, y de hecho su padre era un compositor fracasado que empujó a sus hijos a estudiar música. La mayoría de la biografías, así como la película sobre la banda, presentan al padre como un obsesivo con la disciplina, de lo que devendría luego los problemas mentales de Brian.

Siendo aún niños, Brian juntaba a sus dos hermanos, Dennis y Carl, en torno al piano a cantar en coro: luego se unirían su primo Mike Love y un compañero de colegio (que luego sería sustituido por Al Jardine) y formarían la banda Pendeltones en 1960.

Dennis, el único de los hermanos que alguna vez surfeó, le pidió a Brian que escribiera una canción sobre el tema que estaba de moda entre la juventud californiana. La canción "Surfin'" se convirtió en un éxito gracias a un contrato que consiguió Murry Wilson con una disquera local. Sin embargo, decidido a lo grande, llevó al grupo ante Nic Venet de Capitol Records quien los contrató bajo el nombre de The Beach Boys.

Brian empezó a inclinarse por el rock and roll debido a la pasión de su hermano menor, Carl, por la música de Chuck Berry y otros clásicos. Así, Brian mezcló el sonido coral californiano con el rock, lo que produjo una forma de música fresca y original. Otra de las pasiones de Brian era el estilo de producción de Phil Spector (de hecho Wilson dijo que su canción favorita siempre fue "Be My Baby", producida por Spector), que intentó copiar en sus grabaciones al punto que usó la orquesta de Spector, "Wrecking Crew".

Gradualmente fue desarrollando su propio estilo, lo que permitió que mejorara la idea de la pared sonora de Spector en canciones como "I Get Around" y "Good Vibrations". Pero su sello personal se manifestó en "Surfer Girl", cuya simplicidad es a la vez una muestra de la complejidad de su poder creativo.

A pesar de este despliegue de creatividad, la música de la banda era considerada adolescente y ese mercado no era importante en aquella época, por lo que su padre y la disquera lo presionaron para que empezara a producir de forma industrial al punto que generaba dos álbumes al año. Esa presión creativa y de trabajo lo llevó a su primer colapso en 1966 mientras volaban a Europa para iniciar una gira. A partir de ese momento sus apariciones en el escenario siempre fueron esporádicas.

Esta caída le dió tiempo y distancia. Eso le permitió crear las canciones de su disco más importante: "Pet Sounds". Junto con Tony Asher compusieron letra y música del álbum a la espera de que la banda regresara. El disco fue un fracaso comercial por las luchas internas de la familia y la competencia de los Beatles.

Mientras trabajaba en un proyecto todavía más ambicioso, "Smile" (considerado aún hoy como una de las mayores pérdidas de la música rock), Brian empezó a perder contacto con la realidad empujado por su adicción a drogas psicodélicas. Las drogas lo postraron en la cama por varios años.

Ni las muertes de sus hermanos Dennis y Carl, ni el éxito de "Kokomo" en 1988, lo pudieron sacar de su frágil estado mental. Ha tenido momentos de lucidez en los que compuso y produjo. Su primer disco en solitario, "Brian Wilson" de 1988, fue un fracaso. Y su segundo disco fue rechazado por la disquera.

Desafortunado y precipitado, el final de los Beach Boys no terminó exactamente con un sonido agudo, coral y dulce que rememora alegría, sol y playa. Sin embargo, su música perdura en el tiempo y nadie puede negar la importancia que han tenido en la historia del rock.

APE (Monkey's Audio)

2009-04-02T11:25:00.005-03:00

Con un nombre más bien cómico, APE es otro formato lossless que merece una mención especial. La principal ventaja con respecto a sus competidores es que es totalmente gratuito y sin restricción alguna de uso.
Los algoritmos de compresión que utiliza son los de ZIP, seguramente un viejo conocido para todos los aficionados a la informática. Esta característica hace que su compresión no sea tan buena como la de FLAC, aunque el archivo obtenido tiene, casi siempre, la mitad de tamaño que el original. Sin embargo, este formato lossless presenta tres notables armas que lo hacen sobrevivir en la ardua batalla de los formatos de audio.
La primera y más original es su capacidad para detectar errores. Con otros formatos se hace imposible detectar por qué un archivo está dañado y, por consiguiente, cómo arreglarlo. La segunda parte de su armamento recae en los tags, los cuales son poco comunes en los formatos lossless. Su tipo es ID3, igual que MP3.
Su última línea de ataque consiste también en una técnica original: la normalización, un proceso por el cual se normalizan los archivos para que todos estén al mismo nivel. Esto nos permite, entre otras cosas menos drásticas, escuchar música clásica y heavy metal sin sobresaltarnos.
La única falla considerable de APE es su falta de soporte multichannel, algo que todos los formatos actuales deberían tener considerando el auge de los equipos 5.1 en todo el mundo.
De esta manera, y gracias también a su soporte para los últimos reproductores de audio, APE logra destacarse dentro del enorme grupo de formatos lossless.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con APE les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossless: TTA.

Enlace >> Página oficial de APE

Enlace >> Descarga de software

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Michael Jackson >> "Off The Wall" (1979)

2009-04-01T21:25:00.005-03:00

A pesar de aparecer al final de la década, Off The Wall es uno de los discos fundamentales de los años 70's. Nacido de la locura de la música disco es, quizá, uno de los más brillantes discos pop-dance grabados nunca, gracias en gran parte a los esfuerzos del productor Quincy Jones, cuya asociación con Michael Jackson ayudó a crear el maravilloso sonido disco-funk que aparece en gran parte del álbum. A pesar de no haber conseguido tantos sencillos nº 1 (como conseguiría su siguiente superéxito Thriller) el disco fue el punto de inflexión a partir del cual la carrera en solitario de Jackson tomó un extraordinario impulso hacia la cumbre, convirtiéndose en el artista más reconocible del planeta.
Aunque Off The Wall sólo consiguió alcanzar el nº 3 en las listas de EEUU y el nº 5 en Inglaterra, sentó las bases para los siguientes cinco años, a la vez que desencadenó la locura mediática que lo acompaña hasta hoy.
Con canciones escritas por Jackson, Rod Temperton, David Foster, Carole Bayer Sager y otros, el disco consiguió que cuatro sencillos llegaran a una alta posición en las listas en ambos lados del Atlántico, incluída la balada "She's Out Of My Life".
Off The Wall fue publicado en agosto de 1979 y vendió 7 millones de discos. Está ubicado en el puesto nº 19 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70's.

Contenido del disco:

1) Don't Stop 'Til You Get Enough
2) Rock With You
3) Working Day and Night
4) Get on the Floor
5) Off the Wall
6) Girlfriend
7) She's Out of My Life
8) I Can't Help It
9) It's the Falling in Love
10) Burn This Disco Out

Creedence Clearwater Revival >> biografía

2009-03-30T00:12:00.004-03:00

Se puede decir que Creedence Clearwater Revival definió el espíritu del rock and roll norteamericano en su esencia. En 1958 el rock ya estaba en marcha y, prácticamente, en cada secundaria había una banda tocando una música sin buena reputación. Uno de esos casos era la Secundaria Potola Jr, del suburbio El Cerrito de San Francisco, California.

El grupo arranca como los Blue Velvets en 1959. La formación original estaba formada por John Fogerty en la guitarra, Stu Cook en el bajo y Doug Clifford en la batería. Se unieron por la pasión de Fogerty y Clifford por el blues y el rock and roll. John Fogerty compró una guitarra Sears Silverstone y su amplificador en U$S 80,00 con un préstamo firmado por su madre y que debió pagar repartiendo periódicos. Sin embargo, Fogerty no sabía tocar y aprendió por si mismo en el sótano de su casa durante largas horas de práctica. Por su parte, Doug consiguió un redoblante usado que tocaba con unos palillos hechos a partir de unos tacos de billar viejos.

El grupo solamente tocaba versiones instrumentales de temas populares de la época. Tocaban en ferias y fiestas. Lo hacían mientras iban a la secundaria en El Cerrito, San Francisco. A pesar de ser una de las pocas bandas adolescentes del área, nunca les faltó donde tocar. Ansiosos como estaban por tocar cada día mejor, empezaron a ir a los estudios de grabación y lograron tocar como grupo de soporte para otros artistas locales. En 1959 participaron en la primera grabación para Christy Records, fueron los músicos para un cantante negro llamado James Powell. En ese entonces los miembros de la banda estaban en tercer año de secundaria.

La entrada de Tom Fogerty a la banda se dió cuando su grupo, Spider Webb and The Insects, se separó en ese año. Consciente de que tenía fuuro como cantante, le pidió a su hermano menor y su amigos de que le apoyaran grabando un demo para Pat Boone. Aunque todos los del círculo íntimo coincidieron en que el tema era bueno, Boone lo rechazó y lo devolvió con muchas observaciones. Fue entonces cuando Tom convenció a los chicos que lo necesitaban para que cantara y dado que John aún no lo hacía y solamente tocaban temas musicales, la decisión se tomó rápido. Así, Tom Fogerty y los Blue Velvets, como se llamaban ahora, empezaron a tocar en cualquier lugar que se los permitiera. Inclusive en 1961 grabaron tres discos sencillos para Orchestra Records sin mayor éxito.

Cuando en 1960 se agregó el hermano mayor de Fogerty, Tom, en la guitarra rítmica y las voces el grupo pudo empezar a tocar en bailes, y en 1964 lograrían un contrato con Fantasy Records. Sin que la banda lo supiera, la disquera los rebautizó con el nombre de los Golliwogs para que sonaran más ingleses en medio de la invasión británica. Bajo ese nombre grabaron 7 canciones que no tuvieron mayor exposición ante la audiencia. Finalmente, en 1968, la disquera relanzó el último de los sencillos del grupo, "Porterville", bajo un nombre que había escogido la misma banda: Creedence Clearwater Revival.

El nombre fue en honor de un amigo de John de nombre Creedence. El cambio de nombre le sentó bien a la banda porque de hecho era el primero que realmente les daba una identidad. La disquera había cambiado de dueños justo cuando la banda estaba empezando a hacer ruido tocando en todo lugar que se pusiera al frente y cuando bandas como Grateful Death marcaban el ritmo de la música en la bahía.

Lo de Fantasy fue una casualidad interesante. Los hermanos Fogerty estaban viendo un especial de televisión llamado "Anatomía de un hit" y se dieron cuenta que la disquera del programa era Fantasy, que quedaba del otro lado de la bahía de San Francisco. Llegaron como un tornado y cargados de material a mostrar su trabajo. En la disquera quedaron tan impresionados por el entusiasmo de los muchachos que los contrataron casi de inmediato.

Siguieron tocando por todas partes, agregando las bases militares en su agenda, y en un momento en que no había mucho trabajo John aceptó un trabajo corto en otra banda en la que pudo cantar. Así, ganó confianza en su talento como cantante. Tenía que gritar para compensar los problemas técnicos de los equipos, eso fue lo que definió su estilo. Otro cambio fue el de Stu, que pasó del piano, instrumento que originalmente lo trajo al grupo, al bajo.

Sin embargo, la música no pagaba. Los hermanos Fogerty trabajaban para mantenerse, Tom en la empresa de electricidad y John como oficinista de Fantasy. Tom tenía que mantener a su esposa y a su hijo recién nacido. Mientras, los otros dos consiguieron trabajos para poder costearse sus estudios en una universidad local.

Estando John Fogerty consolidado como guitarrista, cantante, compositor y productor, Creedence despegó con la versión neopsicodélica del tema de Dale Hawkins "Suzie Q". La canción empezó a sonar antes de que el álbum que la contenía apareciera. Los DJ de KMPX la programaron sin parar como una retribución a una de las pocas bandas que apoyó un concierto para reivindicar una huelga de programadores de radio. Bill Drake un asesor de programación de California escuchó la canción y la recomendó a todas las estaciones a las que atendía.

De ahí en adelante los éxitos se sucedieron uno tras otro mientras se formaron 6 álbumes del rock más puro entre 1968 y 1970: "Creedence Clearwater Revival" que fuera número 52, "Bayou Country" que fue número 7 empujado por "Proud Mary" (luego interpretado por Tina Turner), "Green River" también fue nº 7 apoyado por el número 2 de "Green River". Luego siguieron "Willie and the Poorboys" (nº 3), "Cosmo's Factory", su único número 1 en los álbumes, y "Péndulo". Diez de sus canciones llegaron al Top Ten, aunque ninguna fue número 1. A pesar de que el grupo no tenía un perfil político, algunas de sus canciones representaron el pensamiento de la época y la percepción sobre la guerra de Vietnam, por ejemplo "Fortunate Son" y "Who'll Stop the Rain", que aún hoy siguen representando esos ideales.

Su participación en Woodstock en 1969 vino empujada por sus primeros tres discos. La presentación no fue memorable porque tocaron después de Grateful Death a las 3 de la mañana, cuando todo el mundo dormía. Se sintieron tan incómodos con su actuación que pidieron no aparecer en la película.

Pero fue ese rol protagónico de John Fogerty el que sembró la semilla de la separación. Su hermano mayor se marchó porque no lograba congeniar con el estilo de música y porque sentía que no estaba dando todo lo que podía. Siguieron como trío pero funcionando como una democracia. Sin embargo, ese término es bastante ambiguo cuando hay tres concepciones. El resultado fue "Mardi Gras", probablemente, el peor disco grabado por una banda de la importancia de Creedence.

Creedence Clearwater Revival se separó el 16 de octubre de 1972. Fue una banda progresiva y anacrónica al mismo tiempo. Como un monumento a la era dorada del rock and roll, rompieron las filas del movimiento psicodélico de San Francisco. Su perspectiva era muy básica y sin compromisos, aferrada únicamente a los orígenes de clase trabajadora de las familias de sus integrantes. El término "Rock de Raíz" aún no había sido denotado cuando entraron en escena, pero en términos generales ellos lo definieron de la misma manera que Little Richard, Hank Williams, Elvis Presley y Chuck Berry.

FLAC (Free Lossless Audio Codec)

2009-03-28T14:42:00.006-03:00

Hoy en día los formatos lossless gozan de muy poco éxito. Debido a Internet, los usuarios están dispuestos a perder un poco de calidad de sonido para obtener un archivo pequeño que pueda ser fácilmente transferido por la Red. Es por eso que los únicos formatos lossless que sobreviven a este arduo panorama son aquellos cuya compresión es tan buena que vale la pena usarlos. FLAC (Free Lossless Audio Codec) es uno de los mejores exponentes de este tipo de formatos.
FLAC se distingue, entre otras cosas, por lograr una compresión mayor que la mayoría de los algoritmos lossless. Esto se explica porque está específicamente diseñado para comprimir audio, cosa que no sucede con otros algoritmos como ZIP o similares. En pocas palabras, los algoritmos presentes en FLAC primero convierten la información en una serie de números sin relación utilizando una técnica llamada predicción lineal, que luego son almacenados eficientemente con una forma modificada de entropy coding, también presente en MPC y OGG. Además, utiliza Run-Length Encoding para ordenar aquellos bloques similares, como los silencios.
Cabe destacar que FLAC cuenta con tags, pero no del tipo ID3, lo que dificulta en parte su lectura para algunos programas. Esa es una de las pocas críticas hacia este formato, ya que sus escasos bugs le han hecho ganar la reputación de infalible.
Gracias a estos algoritmos, FLAC tiene una popularidad pocas veces alcanzada por formatos de su tipo, algo de lo que sus desarrolladores deben estar muy orgullosos.
FLAC puede ser utilizado, mediante plug-ins, con diversos programas tales como Windows Media Player, Winamp, VU Player y otros.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con FLAC les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el códec y los plug-ins necesarios para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossless: APE.

Enlace >> Página oficial de FLAC

Enlace >> Descarga de programas y plug-ins

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Tracy Chapman >> "Tracy Chapman" (1988)

2009-03-27T00:19:00.007-03:00

El debut de Tracy Chapman con su álbum epónimo tenía tal poder emotivo que no solamente arrasó en las listas a ambos lados del Atlántico, sino que volvió a poner el centro de atención en el trabajo de los cantautores como nunca desde la década de los 70's.
El disco reunió en un mismo trabajo arreglos con reminiscencias del folk bostoniano y juegos de palabras sinceros y llenos de fuerza. Al tiempo que muchos artistas de la época estaban obsesionados por crear una glamurosa imagen, la música de Chapman se concentraba en melodías sencillas y en una lírica políticamente correcta y emotiva. Aunque el álbum encontró la aclamación de la crítica, las ventas del disco no fueron espectaculares hasta que la artista no realizó un concierto en el que se celebraba el 70º aniversario de Nelson Mandela, que fue transmitido en todo el mundo.
Publicado poco después, el sencillo "Fast Car" alcanzó el nº 5 en Inglaterra y el nº 6 en EEUU. Los sencillos que siguieron, "Talkin' 'bout A Revolution" y "Baby Can I Hold You", tuvieron peor suerte, con un nº 75 en EEUU y un nº 48 en Inglaterra.
El álbum consiguió subir hasta el nº 2 en el Billboard Top 200. En febrero de 1989, Chapman recibió tres premios Grammy, incluyendo uno a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Pop por el tema "Fast Car".
Tracy Chapman fue publicado en abril de 1988 y vendió más de 7 millones de copias. Está ubicado en puesto nº 35 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Talkin' 'bout A Revolution
2) Fast Car
3) Across The Lines
4) Behind The Wall
5) Baby Can I Hold You
6) Mountain O' Things
7) She's Got Her Ticket
8) Why
9) For My Lover
10) If Not Now...
11) For You

Tracy Chapman en D-audio >> Baby Can I Hold You (1988) > Disco 6

Distorsiones en la amplificación

2009-03-22T14:47:00.006-03:00

El amplificador perfecto, escrupulosamente hablando, no existe. Cualquier modelo, incluso los de más alta gama, presenta en mayor o menor medida una serie de distorsiones que degradan la señal de sonido original. Sus circuitos experimentan diversas alteraciones que afectan a las frecuencias y a las amplitudes.
La calidad y la eficacia de los componentes, así como el diseño y trazado del circuito, influyen de forma decisiva. Esta es la razón que explica, independientemente de la potencia de salida, la existencia de unidades sensiblemente más caras que otras.
A continuación veremos una breve reseña de los diversos tipos de distorsiones existentes y la forma en que deterioran la correcta reproducción.

DE FRECUENCIA:

Si la respuesta en frecuencia del amplificador no es plana (lineal), cierto grupo de ellas serán incrementadas de distinta manera que el resto. Si esto sucede, es decir, si la relación de ganancias no es equitativa para todas, el aparato experimentará un fenómeno denominado “distorsión de frecuencia”. Las causas suelen tener su origen en los elementos capacitivos e inductivos que componen el circuito de amplificación y, como consecuencia, el balance tonal se verá alterado.

DE AMPLITUD:

Aparece cuando la ganancia del amplificador no es idéntica para cada una de las amplitudes presentes en la señal de entrada. En estas situaciones se puede ocasionar un cierto recorte o una amplificación algo desproporcionada, de tal manera que se produce una diferencia de amplificación entre las señales de bajo nivel respecto a las de alto nivel. Conocida también como “distorsión alineal”, tiene dos variantes: armónica y por intermodulación.

Armónica:

Ocurre cuando en la amplificación se crean frecuencias múltiples de las de entrada. Todas ellas, sumadas a la señal original en la etapa de salida, alteran la forma de onda resultante, en mayor o menor medida. Por ejemplo, si una sinusoidal de 1 kHz. es introducida en la entrada de un amplificador, y en la salida se observa la presencia añadida de segundo armónico (2 kHz.), de un tercero (3 kHz.), etc. significa que se está produciendo una distorsión armónica. Este tipo de alteración resulta muy perjudicial en la alta fidelidad, por el deterioro que supone a la señal original.
Aunque se trata de un fenómeno que resulta inevitable, lo cierto es que puede ser reducido de forma sustancial. Su origen es característico de los componentes activos y no existe ninguno capaz de ofrecer una respuesta completamente lineal. Por lo tanto, la realidad es que no existe un amplificador totalmente exento de este tipo de distorsión.
Su medición establece el valor total de este tipo de degradación, conocida también como THD (Total Harmonic Distorsion). Se expresa de una forma porcentual, que representa exactamente el porcentaje de distorsión armónica respecto a la frecuencia fundamental. Por esta razón, cuando menor sea este valor, menor será la cantidad de distorsión armónica presente en la salida del amplificador.

Por intermodulación:

Cuando se introducen dos frecuencias diferentes en la entrada del amplificador, y en la salida surgen otras que no están armónicamente emparentadas con ellas, se aprecia una desagradable distorsión ocasionada por la suma de estas frecuencias parásitas.
Por la general esta distorsión, denominada también IMD, se produce cuando existe una sobrecarga o saturación. Por ello, puede evitarse de manera sencilla haciendo que el amplificador trabaje en su zona más lineal (tanto de entrada como de salida), ajustando adecuadamente los niveles pertinentes. Al igual que sucede con la distorsión armónica, sus valores, que también se expresan en porcentaje, dicen mucho acerca de las cualidades de un amplificador.

DE CRUCE:

La mayoría de los amplificadores convencionales destinados a la reproducción musical de alta fidelidad están constituidos de forma que la señal es amplificada en dos mitades. Las dos partes trabajan de forma complementaria, cada una ocupándose de un semiciclo, de manera tal que una se ocupa del semiciclo positivo y otra del negativo. En la salida, ambas mitades se suman para formar la onda completa. Este tipo de sistema es denominado Push-Pull (contrafase).
La no linealidad en las características de entrada de los transistores provoca una distorsión en el punto de intersección entre ambas fases de la amplificación. Se trata, por lo tanto, de un efecto que no se produce en todos los amplificadores por igual. De hecho, mientras que los sistemas de Clase A no manifiestan este inconveniente, los de Clase B y otras suelen exhibir perturbaciones de este tipo, denominada también “de cruce”.
La polarización de los transistores evita este tipo de problemas y convierten las unidades de Clase B en Clase AB (donde existe una pequeña circulación de corriente continua aún con excitación nula). Pero hay que tener en cuenta que, a cambio de esta importante mejora, se obtiene un rendimiento menor y un consumo de potencia contínuo.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Una historia extendida

2009-03-21T01:06:00.007-03:00

En el día de mi cumpleaños, y celebrando la entrada nº 100 del blog, quiero contarles sobre mi afición a las versiones extendidas.
Promediaba la década de los 90's cuando en las radios FM de mi ciudad comenzaron a proliferar los remixes y las versiones extendidas de clásicos de los 80's.
En mi caso particular, siempre me gustaron las intros y los arreglos que suelen hacerle a las canciones. Tanto, que muchas veces prefiero la versión extendida a la versión original. Me pregunto: ¿ pero porqué no hicieron la canción así desde el principio ?
Bueno, esa es la magia del 12". Una versión alternativa que, en promedio, puede durar de 6 a 8 minutos, generalmente casi el doble del tiempo que dura la versión original de estudio.
La mayoría de los remixes y versiones extendidas vienen incluídas en los maxis, y es raro encontrarlas en los álbumes. Con el correr del tiempo he ido coleccionando cientos de mis temas favoritos en versiones extendidas, primero en cassette, luego en CD y MiniDisc, y ahora finalmente en MP3.
Hubo temas que los conseguí luego de pasarme más de una década buscándolos.
Hace algunos años compraba los CD's originales, con las versiones alternativas, en Canadá, Italia y Alemania fundamentalmente, lo que demoraba varias semanas. Hoy en día gracias a Internet los tiempos se han acortado considerablemente, e incluso pude conseguir temas que de otra manera hubieran quedado en el olvido.
Les presento aquí una pequeña selección de esas canciones con algunas de mis favoritas. Con el tiempo iremos compartiendo más.
Pero si son aficionados a las versiones extendidas no se pierdan el blog de Sergio (Recordando los mejores 12"), un sitio dedicado exclusivamente a esas joyas de la música.

Me voy a comer torta de chocolate... :)

Saludos a todos !!

Formatos de compresión de audio

2009-03-18T00:38:00.006-03:00

La música ha acompañado nuestras vidas desde que la historia tiene memoria. Sin bien hoy en día existen cientos de diferentes géneros y estilos, el objetivo siempre ha sido el mismo: el disfrute del oyente. La llamada "era de la información" en la que vivimos no ha cambiado ese objetivo en absoluto; al contrario, lo ha maximizado. Esto se debe, en gran parte, al excelente trabajo que hace Internet permitiendo compartir todo tipo de datos, en este caso música.
Pero nuestro placer no sería el mismo sin los formatos de compresión de audio que lo hacen posible.

Antes de explicar en detalle cada formato repasaremos algunos conceptos básicos. Al igual que en cualquier tipo de compresión de datos, existen dos grandes categorias donde podemos agrupar a los diferentes formatos. La primera, denominada lossless, abarca a todos aquellos formatos que no pierden claridad ni calidad al comprimirse, pero que ocupan una mayor cantidad de espacio en el disco duro. La otra categoría, llamada lossy, engloba a aquellos formatos que (al comprimir el audio) sacrifican calidad por espacio en disco. No hace falta aclarar que los formatos del tipo lossy son los que más éxito han tenido, especialmente uno que todos conocen: el MP3.
Sin embargo, algunos formatos lossless son muy utilizados por técnicos de sonido y entusiastas de la calidad. En la compresión de sonidos se deben tener en cuenta dos cosas. Una de ellas es el tiempo de muestreo, que almacena la tensión del audio en intervalos regulares como, por ejemplo, 44.100 veces por segundo para un CD. La resolución en que se almacena ese tiempo de muestreo es el segundo punto por considerar, que puede ser, por ejemplo, de 16 bits.
La técnica más utilizada para realizar algoritmos lossy de compresión de audio es la llamada perceptual noise shaping, que se basa en las limitaciones del oído humano para eliminar aquellas partes que sean innecesarias. En cambio, los algoritmos lossless generalmente utilizan aquellos presentes en ZIP y GZIP, pero optimizados para comprimir audio.

En sucesivas entradas de este blog iremos explicando en detalle los distintos formatos de compresión de audio. Primero los lossless (FLAC, APE y TTA) y luego los lossy (MPC, OGG y MP3) para terminar la serie de notas con una comparativa entre CD y MP3.

Luego, con más tiempo, veremos los formatos físicos de audio, las tecnologías actuales y aquellas que ya casi no se utilizan.
Si eres audiófilo, no te lo pierdas.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Cómo elegir un equipo de CD

2009-03-17T00:37:00.006-03:00

Los más recientes modelos de reproductoras de discos compactos vienen llenos de características de las cuales algunas son necesarias y otras no tanto, ya se trate de un equipo modesto para un solo CD o de un cambiador de carrusel con capacidad para cinco discos o más. Con especificaciones tan similares y con diferencias acústicas tan sutiles, para la mayoría de los consumidores las funciones de una reproductora se convierten en el factor más importante en la selección de un equipo, y a continuación viene el precio.
Lo básico encontrado en prácticamente todo modelo incluye una unidad de control remoto, rastreo de la programación y una proyección del número de pista que está siendo reproducida y el tiempo de reproducción transcurrido. Sólo un equipo muy barato viene sin el control remoto inalámbrico para activar funciones vitales, como el omitir una pista, o un rastreo auditivo de cada pieza musical.
Sólo una minoría de equipos tienen control remoto para el volumen. Si el receptor, preamplificador o amplificador no tiene control remoto de volumen, ésa es una característica que vale la pena considerar en la reproductora de CD.

La programación le permite escuchar las piezas musicales en cualquier orden, omitiendo aquéllas que no desea oír e incluso repitiendo alguna pieza favorita. La mayor parte de las reproductoras pueden programar hasta 20 selecciones, y muchas programan 30 o más. Algunos cambiadores pueden programar sesiones considerablemente más largas y hasta pueden mezclar pistas de todos los discos cargados en la bandeja. Ciertas reproductoras modernas tienen elaborados sistemas de archivos, que almacenan los programas preferidos en docenas o incluso cientos de discos. Esto funciona alimentando el programa seleccionado en una memoria a largo plazo, y el mismo es llamado cada vez que en lo sucesivo inserte cada disco en particular.
El conjunto de otras características que podemos encontrar es en verdad enorme. Para los más nostálgicos, además de mostrar la pista del disco, el número de la misma y el tiempo en la pantalla, existe una variedad de auxiliares para grabar una cinta de cassette. Algunos equipos eligen automáticamente las pistas que caben en un cassette de una duración dada; otros buscan los niveles más altos (peak search) en un disco para facilitar el graduar el nivel de grabación en la grabadora de cassette; y otras reproductoras de CD se comunican con la reproductora de cassette de la misma marca para automatizar el proceso de duplicar un CD en una cinta. Este nivel de conveniencia puede ser muy útil para el usuario habitual de una reproductora de cassette portátil (walkman) y sistemas de audio en el automóvil (autoestéreos).
Pero algunas características no tan obvias también son importantes. Por ejemplo, hoy en día más equipos tienen sistemas internos en contra de los golpes y las vibraciones. La habilidad de una reproductora para manipular los errores es un atributo ignorado a menudo, pero de carácter importante porque tendrá repercusión sobre lo bien que el equipo reproducirá un CD sucio, gastado o que no esté en perfecto estado.
Por último, es conveniente tomar en consideración la salida digital de cada reproductora. Encontrada hasta en los equipos económicos, esto permite que la información contenida en el CD viaje hacia afuera para una conversión del formato digital al analógico, u otra manipulación en otro componente, o para la grabación digital directa de un CD en un transporte de cinta digital.

Una vez identificadas las características que desea en un equipo, cerciórese de que estén presentes en el modelo que seleccione. Y, de primordial importancia en cualquier modelo que elija, una reproductora de CD debe tener calidad, valor y proceder de un fabricante con buena reputación. La calidad es fácil de juzgar. ¿Está el equipo bien hecho, armado cuidadosamente, bellamente terminado, se siente sólido, sus controles funcionan fácilmente y su distribución ha sido hecha inteligentemente? En realidad estos factores no tienen que ver directamente con el sonido o el rendimiento que se obtendrán, pero sí dan una pista valiosa de cómo el equipo fue diseñado y manufacturado.

Luego que se adquiere una reproductora de CD con el dinero ganado con el fruto del trabajo, en lo sucesivo tendrá que vivir con ese equipo, así que ese artículo tendrá que darle alegría cuando lo mira, lo toca y, sobre todo, cuando lo escucha.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Janet Jackson >> "Janet" (1993)

2009-03-16T21:03:00.005-03:00

Janet Jackson esperó cuatro años tras el lanzamiento de Rhythm Nation 1814 antes de lanzar el que sería su disco de mayor éxito hasta la fecha bajo el sencillo título de "Janet" en el sello Virgin. Los productores Jimmy Jam y Terry Lewis le dieron a las canciones un aire más cálido que en anteriores ocasiones, incorporando sonidos pregrabados y una amplia variedad de estilos musicales.
Como en sus dos trabajos previos, "Janet" llegó al nº 1 en las listas norteamericanas e incluso batió el registro de su hermano Michael durante la primer semana en el mercado hasta alcanzar las 350.000 copias vendidas. El disco dió origen a siete sencillos en EEUU y a seis en Reino Unido. Mi canción preferida de este álbum es la balada "Again", que fuera nº 1 en las listas de sencillos, y que incluí en el sexto disco de mi colección de lentos.
"Janet" se publicó en mayo de 1993 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 83 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) Morning
2) That's The Way Love Goes
3) You Know...
4) You Want This
5) Be A Good Boy
6) If
7) Back
8) This Time
9) Go On Miss Janet
10) Throb
11) What'll I Do
12) Lounge
13) Funky Big Band
14) Racism
15) New Agenda
16) Love (2)
17) Because Of Love
18) Wind
19) Again
20) Another Lover
21) Where Are You Now
22) Hold On Baby
23) Body That Loves You
24) Rain
25) Anytime Anyplace
26) Are You Still Up
27) Sweet Dreams

Janet Jackson en D-audio >> Again (1993) > Disco 6

Will Smith >> "Big Willie Style" (1997)

2009-03-14T23:32:00.006-02:00

El primer disco que Will Smith publicó con su nombre y no como Fresh Prince era una colección de rap festivo que seguía la estela de los éxitos del actor en películas como "Men In Black" o "Independence Day". Alejado del tono sombrío y controvertido del gansta rap de la mayoría de los artistas de hip hop del momento, la popularidad alcanzada por Big Willie Style fue la mejor prueba de que no era necesario profanar las convenciones o recurrir a la violencia visual para vender millones de discos.
Big Willie Style contó con un extraordinario equipo de producción que mantuvo el ritmo funk de los temas con bajos potentes, guitarras tamizadas, sintetizadores envolventes y coros pegadizos. Entre los colaboradores del disco se encontraban Larry Blackmon para poner al día "Candy", uno de los éxitos de su banda, y la difunta Lisa "Left Eye" Lopes, que llegó a firmar en los créditos.
Smith demostró ser un artista con una enorme capacidad, encanto y sentido del humor, lo cual quedaba reflejado en sus canciones. El disco consiguió dos nº 1 con los temas "Gettin' Jiggy Wit It" y "Men In Black", mientras que "Miami" llegó al puesto 17. Una nueva versión del tema "Just The Two Of Us", de Bill Wither, que Smith interpretó para su hijo, llegó al nº 20.
Big Willie Style se publicó en noviembre de 1997 y vendió más de 9 millones de discos. Está ubicado en el puesto nº 38 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) Intro
2) Y'all Know
3) Gettin' Jiggy Wit It
4) Candy
5) Chasing Forever
6) Keith B Real
7) Don't Say Nothin'
8) Miami
9) Yes Yes Y'all
10) I Loved You
11) Keith B Real
12) It's All Good
13) Just The Two Of Us
14) Keith B Real
15) Big Willie Style
16) Men In Black

Trucos para equipos de audio >> parte 2

2009-03-14T16:00:00.006-02:00

Lo prometido es deuda. Les dejo la segunda parte de la serie de trucos para mejorar el sonido de los equipos de audio. Les recuerdo que si tienen ideas similares, o si ya han experimentado soluciones alternativas a lo expuesto en el listado, los invito a compartirlas dejando un comentario.

Puntas de desacoplo: Si sus soportes de altavoces o mueble para audio tienen puntas de desacoplo y el suelo de su casa es de madera, puede continuar usándolas (sin que su mujer lo mate por haber estropeado el suelo) poniendo debajo de ellas unas monedas para evitar que se claven o rallen. Para rizar el rizo, puede pegar por la cara de la moneda que va sobre el suelo uno de esos protectores de fieltro que venden para las patas de las sillas y así evitar que incluso la moneda produzca algun arañazo. Este es el mejor sustituto a los carísimos protectores que venden en las tiendas de audio.

Pelotas de tenis y squash: Habrá visto en algunas tiendas pequeñas semiesferas de materiales esotéricos para aislar giradiscos u otros componentes. Esas pequeñas esferas pueden ser sustituidas perfectamente por pelotas de tenis cortadas por la mitad o, mejor aún, por pelotas de squash. De éstas últimas puede encontrar diferentes tipos más o menos duros y así probar cuáles funcionan mejor.

Apagado de displays: Los displays de los reproductores de CD's u otros aparatos generan interferencias eléctricas en la señal de audio. Si los apaga notará una sutil mejora del sonido de su equipo.

Blu-Tack: Este maravilloso y baratísimo material lo puede utilizar en multitud de aplicaciones. Algunos los colocan directamente sobre los chips de conversión de los CD, sobre fuentes de alimentación, debajo de altavoces para que no se muevan, etc, etc. Téngalo siempre a mano.

Teflón: Si necesita engrasar el eje de su giradiscos o el mecanismo de abertura de la bandeja de su reproductor de CD's puede utilizar algún lubricante con base de teflón. Puede encontrar pequeñas latas de este lubricante en las tiendas de aeromodelismo o en las tiendas de bicicletas (se usa para engrasar cadenas y cambios de marcha). El teflón tiene una larga duración y alta capacidad lubricante.

Limpieza de discos de vinilo: La manera más barata de limpiar discos de vinilo es utilizar agua desionizada y un jabón neutro. A la mezcla le puede añadir alcohol isopropylico. Las proporciones de los componentes pueden variar pero una buena composición puede ser: 3 partes de agua desionizada, 1 parte de alcohol isopropylico y 10 gotas de jabón neutro. Se limpia bien el disco con esta mezcla y una esponja muy suave (o similar). Luego se seca con aire frio, usando por ejemplo un secador para el pelo.

Paneles acústicos: Para evitar efectos sonoros indeseados en las salas de audición suelen utilizarse paneles acústicos. Estos paneles absorben o reflejan el sonido de manera que éste es percibido mejor por el oyente. El problema de estos paneles es su alto costo. Si quiere ahorrarse una gran cantidad de dinero y obtener un resultado similar puede utilizar cajas grandes de huevos. Estéticamente dejan mucho que desear, pero con un poco de maña puede dejarlas algo más aceptables pintándolas.

Base para discos de vinilo: Si necesita una base para poner en su plato sobre la cual descanse y gire el disco y que aisle de vibraciones, puede probar con una base circular de corcho. Una hoja de corcho de 2 mm. de grosor de unos 80 x 60 cm. da para hacer varias pruebas. Debe hacerle el agujero de rigor justo en el centro. Aisla, es barato y muy fácil de conseguir.

Base para CD's: Al igual que con los discos de vinilo, en los CD's tambien puede utilizar una base de corcho. En este caso debe ser muy delgada (1 mm.) y debe adherirla a la parte superior del CD (donde está la etiqueta y los dibujos) con algún tipo de pegamento removible, como el que se usa en los Post-It. La firma 3M tiene sprays de adhesivo removible que le pueden servir. Asegúrese que la base es perfectamente circular, algo más pequeña que el CD y que el agujero central es perfecto. Este truco puede no funcionar en algunos reproductores de CD. Es cuestión de probar si funciona en el suyo.

Aceite de motores: Unos cuántos trucos atrás se hablaba del aceite con base de teflón para engrasar los mecanismos de los giradiscos y lectores de CD. Hay audiófilos que utilizan aceite para motores para sustituir al teflón, sobretodo en los mecanismos de los platos. Uselo con cuidado y sin excesos. Se trata de lubricar ligeramente, no de bañar el giradiscos en aceite.

Vaselina: Si necesita engrasar de una manera más duradera los mecanismos de sus giradiscos puede usar vaselina. La vaselina funciona bien en aplicaciones simples como ésta. Es más limpia que la grasa y más barata.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Donna Summer >> Breakaway [remix] (1992)

2009-03-14T00:12:00.003-02:00

Volvemos a 1992 con la reina de la música disco Donna Summer, y la version remix de "Breakaway".
Donna (cuyo verdadero nombre es LaDonna Adrian Gaines) nació el 31 de diciembre de 1948 en Rochester, EEUU. Es una cantante y compositora afroamericana conocida por sus éxitos en los años 70's y 80's.

La influencia de Donna Summer en el pop actual es innegable y creciente. Se replican fragmentos de sus canciones (samples) en canciones nuevas de Beyoncé y Madonna, por ejemplo.
También ha participado esporádicamente en televisión, asistiendo a varios capítulos de una serie americana.

Sarah McLachlan >> "Surfacing" (1997)

2009-03-13T23:44:00.004-02:00

Publicado a la vez que empezaba la primera gira de Lilith Fair, Surfacing fue el primer gran éxito de la cantante y compositora de Vancouver Sarah McLachlan. Como organizadora del evento, McLachlan se convirtó en portada de un gran número de revistas en EEUU.
En medio de esta corriente de apariciones en la prensa, Surfacing, su quinto álbum, alcanzó el nº 2 de las listas norteamericanas, 48 puestos por encima que su anterior disco.
El trabajo fue apoyado en toda su elaboración por Pierre Marchand, protegido del famoso Daniel Lanois, que ayudó a que Sarah McLachlan mostrase su faceta más madura.
Con una voz insuperable y más versátil que nunca, la cantante busca el lado más oscuro de la humanidad en Surfacing, con un trabajo introspectivo y evocador lleno de delicada belleza.
Varias son las canciones que llegaron al público de manera más directa, como la pastoral "Sweet Surrender", la balada "I Love You" y la increíble "Angel", que llegó al nº 4 del Top 100 de Billboard, puesto que fue superado poco después por "Adia".
McLachlan ganó dos premios Grammy en 1997, uno como Mejor Interpretación Vocal Femenina de Pop por el sencillo "Building A Mystery", y otro por Mejor Interpretación Instrumental de Pop por "Last Dance".
Mi tema preferido es "Angel", una canción que integra la banda de sonido de la película "City of Angels" de 1998.
Surfacing se publicó en julio de 1997 y vendió 8 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 58 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) Building A Mystery
2) I Love You
3) Sweet Surrender
4) Adia
5) Do What You Have To Do
6) Witness
7) Angel
8) Black & White
9) Full Of Grace
10) Last Dance

Sarah McLachlan en D-audio >> Angel (1997) > Disco 4

Heart >> biografía

2009-03-11T01:03:00.005-02:00

Nancy y Ann Wilson fueron el cerebro y el corazón creativo detrás de Heart, una popular banda de hard rock de los años 70's que tuvo un suceso mayor al regresar en la década siguiente. Hijas de un capitán de marina, las hermanas crecieron en el sur de California y en Taiwán antes de que la familia se estableciera en Seattle, Washington (EEUU). En sus años de formación ambas se interesaron en el folk y la música pop. Mientras Ann nunca tomó lecciones formales de música mientras fue chica, Nancy aprendió guitarra y flauta. Después de pasar algún tiempo en el colegio, las Wilson decidieron intentar hacer música profesionalmente.

Ann se unió a un grupo vocal masculino llamado "Heart", mientras Nancy intentaba como una cantante folk. "Heart" era una banda de Vancouver formada en 1963 e integrada por el bajista Steve Fossen y los hermanos guitarristas Roger y Mike Fisher. Al comienzo se llamaron "The Army", luego "White Heart" y luego, a comienzos de los 70's, llegaron a su nombre definitivo. Cuando Ann ingresó al grupo comenzó una relación amorosa con Mike Fisher, y cuando su hermana Nancy entró en 1974, ocurrió lo mismo con Roger Fisher. Tras la llegada de Nancy, Mike Fisher dejó el grupo para dedicarse a ser su ingeniero de sonido. Después de ganarse un cierto prestigio en Vancouver, "Heart" fue abordado por el productor Shelly Siegel, el dueño del sello canadiense Mushroom. La banda se completó con el tecladista Howard Leese y el baterista Michael Derosier para registrar su primer álbum Dreamboat Annie en 1975. Después de vender más de 30.000 discos, Mushroom lanzó el álbum en los Estados Unidos, donde alcanzó la categoría de Disco de Platino gracias al suceso de los simples "Crazy on you" y "Magic man".

En 1978 editaron Little queen, su obra cumbre. El simple "Barracuda" fue un gran éxito y el álbum vendió más de un millón de copias. Después de "Dog & Butterfly" de 1978, los romances entre las hermanas Wilson y los hermanos Fisher terminaron y Roger dejó el grupo. En 1980 sacaron Bebe le strange y a continuación se embarcaron en una larga gira estadounidense, Fossen y Derosier fueron desplazados del grupo y en su lugar ingresaron el bajista Mark Andeds y baterista Denny Carmassi.

En 1982 salió el álbum Private audition y fue seguido por Passionworks en 1983, luego de lo cual la banda pasó al sello Capitol Records. En 1985 editaron el disco titulado con su nombre que vendió más de cinco millones de copias. El exitoso regreso en los 80's continuó con Bad animals , cuyo simple "Alone" llegó al primer puesto del ranking en 1987. En 1990 salió Brigade que también aportó varias canciones a los Top 40 del chart. En esos primeros años de la década, las Wilson se tomaron unas vacaciones de "Heart" y formaron el cuarteto acústico "Lovemongers", con el que editaron un EP de cuatro temas, entre ellas una versión de "The Battle of Evermore", el clásico de Led Zeppelín.

Heart retornó en 1993 con el álbum Desire walks on, en el que aparecieron el bajista Fernando Saunders y el baterista Denny Fongheiser en lugar de Andes y Carmassi. En 1995 convocaron al ex bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones para que produjera un álbum acústico grabado en vivo recreando nuevas versiones de hits como "Dreamboat Annie", "Crazy on you" y "Barracuda".

Nuevamente, las hermanas Wison se tomaron otro descanso de la banda a fines de los años 90's, para concentrarse en los "Lovemongers", con los que editaron un par de álbumes: Whirlygig en 1997 y Here is Christmas de 1998. Pero "Heart" no permaneció completamente inactivo: se lanzaron sendos compilados de grandes éxitos y participaron de bandas de sonido como la de The virgin suicides, dirigida por Sofia Coppola. En 1999 Nancy Wilson editó su álbum solista debut: Live At McCabe's Guitar Shop y un año más tarde realizó la banda de sonido para el film "Almost famous", dirigido por su marido Cameron Crowe. Mientras, Ann Wilson continuó tocando con otros músicos.

Heart en D-audio >> Alone (1983) > Disco 4

Sinergias en los sistemas de audio

2009-03-09T01:08:00.005-02:00

Sinergia se define como la asociación de acciones para conseguir un efecto superior a la suma de los efectos de dichas acciones actuando aisladamente. Es un concepto lo suficientemente universal como para poderse aplicar a cualquier sistema sencillo o complejo creado por el ser humano con la única condición de que debe conseguir un fin. Cuando dicho fin se consigue plena y brillantemente, el sistema logrado es de alta sinergia, en caso contrario lo es de baja o nula. Un ejemplo de sistema de muy alta sinergia es el cuerpo humano, en donde coexisten diversas sinergias e incluso las sinergias de sinergias; todo un intríngulis de equilibrios y dependencias con un alto grado de interrelación y auto control (sinergia optimizada mediante "feed-backs").

En el caso del audio Hi-Fi y Hi-End dicho fin es emular a la sala de conciertos y engañar al oyente para que se crea que está en ella y en presencia de la orquesta de un modo "quasi real". El fin que se pretende es demasiado ambicioso, hasta el extremo de que a pesar de las decenas de años que se lleva intentando, aún no se ha conseguido. Uno de los aspectos en los que todos los profesionales están de acuerdo es en que se basa fundamentalmente en el equilibrio de los componentes, potenciándose las virtudes de unos con las de los otros, sin que aparezcan "cuellos de botella" ni "lupas electrónicas" que enmascaren o exageren aspectos puntuales del espectro sonoro en el que se engloban las notas musicales.

Asi, cuando el equilibrio es casi perfecto, decimos que el equipo tiene magia, en un intento de describir la emoción que nos embarga, sin duda producida por un sinfin de sinergias convergentes que determinan un alto grado de realismo, naturalidad y reconocimiento instrumental. El equilibrio de un sistema de audio requiere conocimientos muy profundos del concepto de sinergia de sistemas, implicando varias especialidades técnicas y musicales para tener la garantía necesaria de que los resultados no son alterados negativamente y dicho equilibrio no se rompa, siendo en algunos casos imposible su recuperación. No es cuestión de ir incrementando el nivel de precio de sus componentes de una manera anárquica, pretendiendo aumentar la calidad de la audición y así recuperar la emotividad musical y su sensación de realismo.

Con el tiempo y el uso adecuado todos los equipos mejoran su rendimiento, pero en algunos casos desaparece el equilibrio y la sensación de magia sufre una disminución, siendo entonces el momento adecuado de intervenir profesionalmente en el sistema para recuperar la sinergia. En muchos casos esa sinergia no existía inicialmente, pero paulatinamente se va alcanzando durante el rodaje; esto es preferible a la situación contraria en la que cada día que pasa el equipo suena peor y más agresivo, perdiéndose la sensación de suavidad inicial.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Paul Simon >> "Graceland" (1986)

2009-03-07T21:37:00.006-02:00

Paul Simon puso fin a un período de silencio de tres años con Graceland, una interesante exploración de la música sudafricana y las cuestiones políticas. Grabado en Londres, Los Angeles, Johannesburgo y Nueva York, el álbum incluyó a artistas muy dispares, tanto geográficamente como a lo que al estilo se refiere, como Ladysmith Black Mambozo, Los Lobos y Everly Brothers.
Graceland fue el disco en solitario de Simon de mayor éxito de ventas y merecedor de un segundo premio Grammy al Album del Año. Nueve de sus once canciones arrancan del mbaqanga, un extendido estilo de música popular de Sudáfrica. Graceland abarcó también el zydeco y el rock & roll. Su sonido innovador e híbrido tuvo un gran éxito y popularidad, lo que lo impulsó al nº 1 en Inglaterra, una posición que mantuvo durante cinco semanas.
Aunque el álbum cosechó en su conjunto grandes éxitos, no llegó a tener ningún nº 1 en las listas de sencillos. "You Can Call Me Al", el sencillo que más se vendió, se colocó en el puesto nº 23 en EEUU.
Graceland se publicó en agosto de 1986 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 43 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Boy In The Bubble
2) Graceland
3) I Know What I Know
4) Gumboots
5) Diamonds On The Soles Of Her Shoes
6) You Can Call Me Al
7) Under African Skies
8) Homeless
9) Crazy Love Vol 2
10) That Was Your Mother
11) All Around The World Or The Myth Of Fingerprints

Trucos para equipos de audio >> parte 1

2009-03-06T08:09:00.008-02:00

Tal como lo había anticipado en entradas anteriores, aquí les dejo la primera parte de una serie de trucos para mejorar el sonido de los equipos de audio. Si tienen ideas similares, o si ya han experimentado soluciones alternativas a lo expuesto en el listado, los invito a compartirlas dejando un comentario.

Nivelación: Asegúrese que cada uno de los componentes de su equipo de audio estén nivelados. Repase esa nivelación con la ayuda de un nivel tórico. Esta comprobación es critica, por ejemplo, en los giradiscos, lectoras de CD's, etc. Pero también es aconsejable en los otros componentes, incluidas las cajas acústicas.

Cableado: Si los cables de los altavoces o de interconexión de su equipo corren cercanos a cables de corriente pueden producirse interferencias o ruidos indeseados. Vigile dónde estan situados los cables y si es posible aléjelos de esas fuentes de ruido. Use cables de altavoces y de interconexión de corto recorrido. Los cables de altavoces deben tener la misma longitud para las dos cajas. Si alguno es excesivamente largo, no lo enrolle. Mejor déjelo suelto por el suelo.

Soportes de altavoces: Si sus soportes para altavoces estan huecos es probable que vibren al son de la música. Si quiere acabar con ese ruido, llénelos con arena bien seca. Pruebe con diferentes cantidades hasta conseguir el sonido que desee. Otro solución, aunque ya con costo, es probar con bolas de plomo que puede encontrar en las armerias a un precio razonable.

Conectores: Limpie los conectores de su equipo para mantener la conductividad al máximo. No sólo los conectores de los componentes, sino también los de toma de corriente, incluso los fusibles. Use algún limpiametales o alcohol. Asegúrese de hacerlo con el equipo desconectado. Compruebe que todos ellos estén bien conectados y no se muevan.

Rodaje: Este de hecho más que un truco es una recomendación que los mismos fabricantes de audio hacen. Para que un equipo de audio suene bien, debe hacer un rodaje. Si tiene un equipo de audio nuevo y ve que no suena igual al que escuchó en la tienda, espere unos dias y verá como todo mejora. Esto es especialmente cierto en altavoces. En este caso puede acelerar el rodaje situando los altavoces uno frente a otro y conectando uno fuera de fase. Después los conecta y los hace sonar cubiertos con una manta o algo parecido.

Exceso de graves: Si tiene el suelo de su casa de madera quizás los graves suenen descontrolados. Puede controlar ese defecto colocando una alfombra gruesa en el suelo entre los altavoces y Ud. e incluso puede colgar alguna en la pared para mejorar la reflexión del sonido o los ecos.

Vibraciones: Las tapas de algunos componentes como lectoras de CD's y amplificadores vibran indeseadamente. Es posible eliminar esa vibración aislando la tapa por su interior con algún material tipo fieltro. También se puede aislar por el exterior colocando sobre la tapa alguna cosa pesada.

Plataformas de aislamiento: Si necesita una plataforma de aislamiento para alguno de sus componentes, pruebe con dos planchas de madera entre las cuales colocar una cámara pequeña de bicicleta. La cámara actuará como colchón de aire y podrá variar su capacidad de aislamiento hinchándola más o menos. También puede probar con una bolsa gruesa llena de arena y que esté bien cerrada. La pone plana sobre una de las bandejas del mueble de su equipo y sobre ella la plancha de madera. Asegúrese que el mueble soporte el peso.

Control de graves: Si dispone de unos altavoces con puerto bass-reflex quizás note un exceso de graves. Puede atenuar esos graves introduciendo en el puerto bass-reflex una esponja. Pruebe con diferentes tipos de esponjas para ver qué es lo que sucede.

Conectar y desconectar el equipo: Desconecte los cables de alimentación de su equipo de vez en cuando, para luego volver a conectarlos. Se trata de mantener los contactos limpios y bien hechos. Haga girar también el control de volumen y otros controles de su amplificador u otros componentes. Así evita que se acumule polvo en la zona de la pista del potenciómetro que habitualmente no usa. Hágalo con el equipo apagado.

Mejorar los graves: Puede colocar sus altavoces (en su soporte, claro está) sobre una plataforma de cemento. No es muy decorativo, pero funciona.

Oscuridad: Apague las luces para escuchar música o cierre los ojos. Estudios psicológicos han demostrado que en la oscuridad es posible obtener una mejor concentración en los sonidos.

Próximamente, la segunda parte con más trucos !

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

REO Speedwagon >> "Hi Infidelity" (1980)

2009-03-05T21:02:00.003-02:00

Después de haberse mantenido dentro del circuito de conciertos en directo durante diez años, REO Speedwagon dió por fin el golpe definitivo con su noveno álbum de estudio a finales de 1980. "Hi Infidelity" es la quintaesencia de los álbumes de 1980, salpicado de baladas románticas.
Arrancando con una gira como acto inaugural para dar soporte al álbum, el grupo pronto comprobó que su fortuna había cambiado. El verano de 1981 los sorprendió encabezando conciertos por toda América del Norte. El álbum catapultó a la banda a conseguir un multiplatino, a los puestos más altos de las listas de EEUU y a llegar al puesto nº 5 en Inglaterra.
"Hi Infidelity" fue grabado en una sesión de una semana en el estudio de grabación Crystal, en Hollywood. Durante este período el vocalista principal Kevin Cronin seleccionó el tema "Don't Let Me Down", una canción escrita por el guitarrista Gary Richrath, refinó su sonido y la rebautizó. El resultado fue "Take It On The Run", una amarga balada que alcanzaría el nº 5 en las listas de EEUU y que conseguiría llegar al nº 17 en Inglaterra.
Sin embargo, gran parte del éxito comercial del álbum se debió a su primer sencillo, "Keep On Loving You", que pasó a ser nº 1 en la lista de sencillos de EEUU y le otorgó a la banda el único éxito de Top Ten en Inglaterra llegando al nº 7.
"Hi Infidelity" se publicó en diciembre de 1980 y vendió más de 9 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 24 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) Don't Let Him Go
2) Keep On Loving You
3) Follow My Heart
4) In Your Letter
5) Take It On The Run
6) Tough Guys
7) Out Of Season
8) Shakin' It Loose
9) Someone Tonight
10) I Wish I Were There

Racks de audio

2009-03-04T21:25:00.007-02:00

¿Porqué los RACKS de audio son tan importantes? Un RACK es un sistema de muebles, bases y soportes encargado de aislar los equipos de audio para librar a todos los componentes de vibraciones indeseadas.

A pesar de que viene apoyado por la lógica, el aislamiento mecanoacústico de los equipos de audio sólo es practicado por una minoría de audiófilos: los que tienen claro que el ajuste de una instalación es, casi siempre, tan importante como la selección de los componentes. El origen de muchas distorsiones puede estar en el propio lugar en el que se sitúa el equipo de sonido.

El mueble más indicado será aquel en el que todos los elementos se encuentran perfectamente aislados entre sí. A su vez, todo el conjunto tendrá que estar separado del suelo mediante, por ejemplo, puntos de desacoplo o tacos de goma.

En próximas entradas les comentaré algunos trucos para conseguir mejorar el sonido de los componentes de un sistema de audio.

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Jude Cole >> "Time for Letting Go" (1990)

2009-03-03T00:13:00.004-02:00

Sin despegarnos de la década pasada les presento a Jude Cole, un cantante, compositor, guitarrista, pianista, productor y actor estadounidense nacido el 18 de junio de 1960, mejor conocido por sus singles de 1990: "Baby, It's Tonight", que llegó al Top 20 de Billboard, y "Time for Letting Go", un hit que estuvo en los 40 principales y que se incluyó en su segundo álbum de estudio A View from 3rd Street.
Publicado tres años después de su disco debut, Cole no sólo aportó su talentosa voz, sino que además se ocupó de tocar las guitarras (eléctrica y acústica), el bajo y el piano en varios de los temas. Además, contó con la colaboración del productor David Tyson que en 1991 ganó el premio "Productor del año" por su trabajo en el disco de Cole.

Reproductores de audio >> AIMP

2009-03-02T22:54:00.007-02:00

La encuesta de este mes se refiere a las mejores opciones en reproductores de audio. En mi caso, siempre busqué alternativas a Winamp. Comencé utilizando Quintessential Media Player y VuPlayer, dos excelentes programas, y desde hace unos meses me quedé con AIMP, un software ruso que se ha convertido en la mejor opción del momento para escuchar archivos MP3 en nuestra PC.
De entrada, AIMP sorprende por su capacidad para brindar una gran calidad de sonido sin necesidad de ecualizaciones especiales o la incorporación de plugins externos, como suele ocurrir con Winamp. El programa cuenta con una interfaz bien organizada, con la opción de mostrar en español o, si se quiere, en otros idiomas. Además soporta skins (pieles) de excelente calidad para cambiar su apariencia. También ofrece la posibilidad de realizar fundidos entre canciones (crossfade) o normalizar el volumen en tiempo real para que todos los archivos suenen igual.
La interfaz es adaptable, de manera que podemos desplegar herramientas en la medida que las necesitemos, para aprovechar mejor el espacio en el escritorio. Entre otras, se puede acceder a un ecualizador y un administrador de listas de reproducción.
Una de las cosas más destacables de AIMP es que incorpora módulos adicionales para realizar tareas que normalmente no podríamos hacer con un software de este tipo. Por ejemplo, es posible grabar un archivo de audio a partir de cualquier fuente de sonido conectada a la PC, o convertir archivos entre un formato y otro. Como si fuera poco, también podemos desplegar un administrador musical para ordenar nuestra colección de música por artistas o álbumes.
AIMP es gratuito y compatible con los formatos OGG, WAV, WMA y MP3.
A votar en la encuesta !!

Descargar >> AIMP

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End

Katrina and The Waves >> "Love shine a light" (1997)

2009-03-02T22:00:00.004-02:00

Continuamos en 1997. Katrina and The Waves fue una banda inglesa de pop rock mejor conocida por su hit de 1985 "Walking on Sunshine", que llegó hasta el puesto nº 8 en el Reino Unido y al nº 9 en EEUU. Obtuvieron una nominación al premio Grammy como Mejor Artista Nuevo. Tuvieron mucho éxito en la década de los 80's y en los 90's practicamente desaparecieron.
Sin embargo, el 3 de mayo de 1997 ganan el Festival de Eurovisión con la canción "Love shine a light", que se convirtió en el mayor éxito de la banda en Inglaterra llegando hasta el puesto nº 3 en las listas de ventas.
"Love shine a light" está incluída en el álbum "Walk on water" de ese mismo año. En 1998, Katrina Leskanich (cantante y guitarrista) deja la banda debido a sus serios desacuerdos con los demás integrantes, quienes luego de la separación continuaron sus carreras individuales.

The Brand New Heavies >> "You are the Universe" (1997)

2009-03-02T08:19:00.004-02:00

The Brand New Heavies (BNH) es un grupo británico de acid jazz y hip hop alternativo, fundado el 1985 a Ealing, en los suburbios de Londres. Originalmente un grupo instrumental de rare groove, The Brand New Heavies adquirió gran reputación en la escena de los clubes londineses y muy pronto firmaron con Cooltempo en el momento en que el acid house comienza a substituir al rare groove en las salas de música.

Los miembros principales del grupo son Jan Kincaid, N´Dea Davenport, Simon Bartholomew y Andrew Levy. The Brand New Heavies escogió su nombre después de la firma de su primer contrato de registro, inspirándose en la carátula de un single de James Brown, donde está escrito: "Minister of New Super Heavy Funk".

"You are the Universe" es uno de mis temas preferidos y está incluído en el álbum "Shelter" de 1997.