BIENVENIDOS a D-audio !! En este blog podrán encontrar biografías, versiones extendidas, remixes, software, herramientas de audio, links a sitios de interés, notas y clásicos de la música de los años 60's, 70's, 80's y 90's. Un sitio para conocer y disfrutar de la mejor música de todos los tiempos.
En ocasión de que el blog ha superado recientemente las 50.000 visitas, un número que no imaginaba cuando inicié este viaje hace casi dos años, me ha parecido interesante hacer un recorrido por la diversidad de contenido del sitio y recordar el objetivo y la esencia de este espacio.
Tal vez debió haber sido éste el primer post del blog, un día como hoy pero de agosto de 2008. Se iniciaba un camino plagado de historias y buena música que duraría hasta junio de 2009, momento en que se abrió un largo paréntesis que hoy, un año después, finalmente se cierra.
Para tener una idea de la diversidad musical del blog, han pasado artistas y temas de géneros como el chillout, el country, el dance, la música disco, el folk, el jazz, el pop, el rock, el rap, el soft rock, el soul y el techno. La idea siempre fue y seguirá siendo conocer la historia detrás de cada artista y de cada canción (a través de las biografías), disfrutar de la mejor música de todos los tiempos (gracias a las listas de reproducción insertas en cada post) y compartir nuestros temas favoritos (por medio del e-mail o desde el foro de descargas).
Les agradezco infinitamente a todos aquellos que siguieron visitando este humilde espacio durante todo el tiempo en que me fue imposible actualizarlo, y los invito a continuar aportando a la causa dejando sus comentarios y proponiendo material para publicar. Como siempre, tratamos de ampliar las vías de comunicación para incentivar un intercambio de ideas y opiniones que ayude a mejorar el blog.
Seguiremos por este camino, conociendo, disfrutando y compartiendo con todos Uds. aquello que nos motiva y nos inspira a continuar el viaje: la música.
En medio de los festejos por las 20.000 visitas del blog, les presento el CD nº 2 de la colección D-audio, el cual ya pueden escucharlo on-line y descargar en su totalidad. Aunque todavía me falta agregar algunas biografías y publicar las letras de los temas, el disco ya está disponible para todos aquellos melómanos que disfrutan de las grandes baladas. Como siempre digo, si bien este es un proyecto personal, está abierto a la participación de los demás. Hay mucha gente que me ha ayudado, y que continúa ayudándome, a armar la colección. Si tienen algo de historia, datos curiosos, anécdotas o información poco conocida que piensen que puede ayudar a enriquecer lo ya publicado, el aporte será bienvenido !!!! También si ven que falta algo que quisieran agregar pueden sugerirlo. Recibo ideas, opiniones, criticas constructivas y sugerencias. Todo sirve :) Pueden dejar sus comentarios aquí en el blog, en el chatbox o bien por e-mail.
Demás está decir que las 20.000 visitas no hubieran sido posibles gracias a la compañía y a la ayuda de (espero no olvidarme de nadie) Heaven, Alfonso, Sergio, Alfredo, Fervox, MusicMan2, Toni, Her, Luis y David, y desde luego a todos quienes regularmente ingresan a este espacio para compartir sus conocimientos y su gusto por la buena música.
Una de las pocas exponentes de calidad de fines de los 90's y principios de la década actual es Dido. Dido Florian Cloud de Bounevialle Armstrong (tal su nombre completo) nació el 25 de diciembre de 1971 en Londres, Inglaterra. Su primer nombre, el cual eligió para darse a conocer como artista, proviene de una diosa de la mitología griega. Dido fue una niña prodigio: ingresó a la Guildhall School of Music de Londres con solo seis años, y en su adolescencia ya dominaba el piano y el violín. Inició su carrera profesional en 1995, colaborando con la banda de su hermano Rollo: Faithless. Después del primer disco del grupo, la cantante comenzó a trabajar en su primera producción como solista. Finalmente, en 1999 salió No angel, una exquisita combinación de pop acústico y electrónico, con cierto componente new age que recuerda a Sinead O' Connor. Las ventas de este álbum se dispararon dos años después, a partir de que Eminem sampleó una sección del tema "Thankyou" para su canción "Stan". Luego, los hits propios fueron cayendo uno a uno: "Hunter", "Here with me", "All you want", etc. Conclusión: No angel fue el disco más vendido de 2001 en Gran Bretaña. En septiembre de 2003 salió su segundo álbum, Life for rent, una obra más madura y orientada a los sonidos lánguidos de la new age. Después de cinco años de silencio discográfico, la cantante regresó en el 2008 con Safe trip home, un álbum que mantiene el matiz intimista, cálido y acústico de sus producciones anteriores.
El debut de Tracy Chapman con su álbum epónimo tenía tal poder emotivo que no solamente arrasó en las listas a ambos lados del Atlántico, sino que volvió a poner el centro de atención en el trabajo de los cantautores como nunca desde la década de los 70's. El disco reunió en un mismo trabajo arreglos con reminiscencias del folk bostoniano y juegos de palabras sinceros y llenos de fuerza. Al tiempo que muchos artistas de la época estaban obsesionados por crear una glamurosa imagen, la música de Chapman se concentraba en melodías sencillas y en una lírica políticamente correcta y emotiva. Aunque el álbum encontró la aclamación de la crítica, las ventas del disco no fueron espectaculares hasta que la artista no realizó un concierto en el que se celebraba el 70º aniversario de Nelson Mandela, que fue transmitido en todo el mundo. Publicado poco después, el sencillo "Fast Car" alcanzó el nº 5 en Inglaterra y el nº 6 en EEUU. Los sencillos que siguieron, "Talkin' 'bout A Revolution" y "Baby Can I Hold You", tuvieron peor suerte, con un nº 75 en EEUU y un nº 48 en Inglaterra. El álbum consiguió subir hasta el nº 2 en el Billboard Top 200. En febrero de 1989, Chapman recibió tres premios Grammy, incluyendo uno a la Mejor Interpretación Vocal Femenina de Pop por el tema "Fast Car". Tracy Chapman fue publicado en abril de 1988 y vendió más de 7 millones de copias. Está ubicado en puesto nº 35 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.
Contenido del disco:
1) Talkin' 'bout A Revolution 2) Fast Car 3) Across The Lines 4) Behind The Wall 5) Baby Can I Hold You 6) Mountain O' Things 7) She's Got Her Ticket 8) Why 9) For My Lover 10) If Not Now... 11) For You
Janet Jackson esperó cuatro años tras el lanzamiento de Rhythm Nation 1814 antes de lanzar el que sería su disco de mayor éxito hasta la fecha bajo el sencillo título de "Janet" en el sello Virgin. Los productores Jimmy Jam y Terry Lewis le dieron a las canciones un aire más cálido que en anteriores ocasiones, incorporando sonidos pregrabados y una amplia variedad de estilos musicales. Como en sus dos trabajos previos, "Janet" llegó al nº 1 en las listas norteamericanas e incluso batió el registro de su hermano Michael durante la primer semana en el mercado hasta alcanzar las 350.000 copias vendidas. El disco dió origen a siete sencillos en EEUU y a seis en Reino Unido. Mi canción preferida de este álbum es la balada "Again", que fuera nº 1 en las listas de sencillos, y que incluí en el sexto disco de mi colección de lentos. "Janet" se publicó en mayo de 1993 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 83 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.
Contenido del disco:
1) Morning 2) That's The Way Love Goes 3) You Know... 4) You Want This 5) Be A Good Boy 6) If 7) Back 8) This Time 9) Go On Miss Janet 10) Throb 11) What'll I Do 12) Lounge 13) Funky Big Band 14) Racism 15) New Agenda 16) Love (2) 17) Because Of Love 18) Wind 19) Again 20) Another Lover 21) Where Are You Now 22) Hold On Baby 23) Body That Loves You 24) Rain 25) Anytime Anyplace 26) Are You Still Up 27) Sweet Dreams
Publicado a la vez que empezaba la primera gira de Lilith Fair, Surfacing fue el primer gran éxito de la cantante y compositora de Vancouver Sarah McLachlan. Como organizadora del evento, McLachlan se convirtó en portada de un gran número de revistas en EEUU. En medio de esta corriente de apariciones en la prensa, Surfacing, su quinto álbum, alcanzó el nº 2 de las listas norteamericanas, 48 puestos por encima que su anterior disco. El trabajo fue apoyado en toda su elaboración por Pierre Marchand, protegido del famoso Daniel Lanois, que ayudó a que Sarah McLachlan mostrase su faceta más madura. Con una voz insuperable y más versátil que nunca, la cantante busca el lado más oscuro de la humanidad en Surfacing, con un trabajo introspectivo y evocador lleno de delicada belleza. Varias son las canciones que llegaron al público de manera más directa, como la pastoral "Sweet Surrender", la balada "I Love You" y la increíble "Angel", que llegó al nº 4 del Top 100 de Billboard, puesto que fue superado poco después por "Adia". McLachlan ganó dos premios Grammy en 1997, uno como Mejor Interpretación Vocal Femenina de Pop por el sencillo "Building A Mystery", y otro por Mejor Interpretación Instrumental de Pop por "Last Dance". Mi tema preferido es "Angel", una canción que integra la banda de sonido de la película "City of Angels" de 1998. Surfacing se publicó en julio de 1997 y vendió 8 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 58 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.
Contenido del disco:
1) Building A Mystery 2) I Love You 3) Sweet Surrender 4) Adia 5) Do What You Have To Do 6) Witness 7) Angel 8) Black & White 9) Full Of Grace 10) Last Dance
Nancy y Ann Wilson fueron el cerebro y el corazón creativo detrás de Heart, una popular banda de hard rock de los años 70's que tuvo un suceso mayor al regresar en la década siguiente. Hijas de un capitán de marina, las hermanas crecieron en el sur de California y en Taiwán antes de que la familia se estableciera en Seattle, Washington (EEUU). En sus años de formación ambas se interesaron en el folk y la música pop. Mientras Ann nunca tomó lecciones formales de música mientras fue chica, Nancy aprendió guitarra y flauta. Después de pasar algún tiempo en el colegio, las Wilson decidieron intentar hacer música profesionalmente.
Ann se unió a un grupo vocal masculino llamado "Heart", mientras Nancy intentaba como una cantante folk. "Heart" era una banda de Vancouver formada en 1963 e integrada por el bajista Steve Fossen y los hermanos guitarristas Roger y Mike Fisher. Al comienzo se llamaron "The Army", luego "White Heart" y luego, a comienzos de los 70's, llegaron a su nombre definitivo. Cuando Ann ingresó al grupo comenzó una relación amorosa con Mike Fisher, y cuando su hermana Nancy entró en 1974, ocurrió lo mismo con Roger Fisher. Tras la llegada de Nancy, Mike Fisher dejó el grupo para dedicarse a ser su ingeniero de sonido. Después de ganarse un cierto prestigio en Vancouver, "Heart" fue abordado por el productor Shelly Siegel, el dueño del sello canadiense Mushroom. La banda se completó con el tecladista Howard Leese y el baterista Michael Derosier para registrar su primer álbum Dreamboat Annie en 1975. Después de vender más de 30.000 discos, Mushroom lanzó el álbum en los Estados Unidos, donde alcanzó la categoría de Disco de Platino gracias al suceso de los simples "Crazy on you" y "Magic man".
En 1978 editaron Little queen, su obra cumbre. El simple "Barracuda" fue un gran éxito y el álbum vendió más de un millón de copias. Después de "Dog & Butterfly" de 1978, los romances entre las hermanas Wilson y los hermanos Fisher terminaron y Roger dejó el grupo. En 1980 sacaron Bebe le strange y a continuación se embarcaron en una larga gira estadounidense, Fossen y Derosier fueron desplazados del grupo y en su lugar ingresaron el bajista Mark Andeds y baterista Denny Carmassi.
En 1982 salió el álbum Private audition y fue seguido por Passionworks en 1983, luego de lo cual la banda pasó al sello Capitol Records. En 1985 editaron el disco titulado con su nombre que vendió más de cinco millones de copias. El exitoso regreso en los 80's continuó con Bad animals , cuyo simple "Alone" llegó al primer puesto del ranking en 1987. En 1990 salió Brigade que también aportó varias canciones a los Top 40 del chart. En esos primeros años de la década, las Wilson se tomaron unas vacaciones de "Heart" y formaron el cuarteto acústico "Lovemongers", con el que editaron un EP de cuatro temas, entre ellas una versión de "The Battle of Evermore", el clásico de Led Zeppelín.
Heart retornó en 1993 con el álbum Desire walks on, en el que aparecieron el bajista Fernando Saunders y el baterista Denny Fongheiser en lugar de Andes y Carmassi. En 1995 convocaron al ex bajista de Led Zeppelin, John Paul Jones para que produjera un álbum acústico grabado en vivo recreando nuevas versiones de hits como "Dreamboat Annie", "Crazy on you" y "Barracuda".
Nuevamente, las hermanas Wison se tomaron otro descanso de la banda a fines de los años 90's, para concentrarse en los "Lovemongers", con los que editaron un par de álbumes: Whirlygig en 1997 y Here is Christmas de 1998. Pero "Heart" no permaneció completamente inactivo: se lanzaron sendos compilados de grandes éxitos y participaron de bandas de sonido como la de The virgin suicides, dirigida por Sofia Coppola. En 1999 Nancy Wilson editó su álbum solista debut: Live At McCabe's Guitar Shop y un año más tarde realizó la banda de sonido para el film "Almost famous", dirigido por su marido Cameron Crowe. Mientras, Ann Wilson continuó tocando con otros músicos.
Nacida en 1951 en Gales, Reino Unido, bajo el nombre de Gaynor Hopkins, creció en un hogar de clase trabajadora de seis hermanos. Es hija de un padre minero y de una madre amante de la ópera que le transmitió su amor por la música. Desde chica escuchó a Janis Joplin y a Tina Turner, a quienes encontró como sus referencias.
Cuando tenía 17 años, en 1970, siendo Gaynor Hopkins entró a un concurso de talentos y cantó una canción que había sido interpretada años antes por una artista del mismo apellido, Mary Hopkins. Cantó “Those Were The Days” y quedó en segundo lugar, detrás de una cantante profesional. Esto le valió un premio de una libra esterlina.
Sus primeros pasos como cantante fueron en un grupo llamado Bobby Wayne and the Dixies del que formó parte dos años. luego de ser escogida en una audición. Después se iría para formar su propio grupo : Imagination, con el que se dedicaría a cantar por los bares del sur de Gales por casi 10 años.
En 1975 cambió su nombre artístico por Bonnie Tyler y grabó su primer sencillo para RCA llamado “My My Honeycomb” que no logró llegar a las listas. La canción nunca fue de agrado de la artista y aunque muchos de sus admiradores buscan el maxi para escucharla antes de su operación de garganta, la tarea se ha hecho imposible.
Su segundo sencillo, “Lost in France” (1976), demostró como una letra casi sin sentido podía tener un poder increíble interpretada por la voz correcta. La canción fue nº 10 en las listas británicas y cuando entró a Europa la popularidad del tema no hizo más que aumentar al punto que hoy es uno de sus clásicos.
Las presentaciones en los bares ingleses le trajeron mucha suerte a Tyler. Fue allí donde conoció a su marido, con quien aún está casada, y fue en uno de ellos también donde la vieron los productores Roonnie Scott y Steve Wolfe, quienes asumieron su representación durante seis años y actuaron como sus compositores y productores entre 1976 y 1981.
En 1976 Tyler tuvo que someterse a una operación de garganta para eliminar unos nódulos que ya le impedían cantar. El resultado de la intervención tuvo un impacto serio en su carrera en la medida en que su voz se volvió más tosca y se acercó al tono de artistas como Tina Turner o Kim Carnes, con quien permanentemente era comparada, además de recibir el apodo de la “Rod Stewart femenina”.
El éxito alcanzado con "Lost in France" le permitió a Tyler grabar su primer LP en 1977. El álbum, “The World Starts Tonight”, apenas tuvo un éxito moderado, pero facilitó las cosas para una gira europea.
Su nueva voz carrasposa le daba la sensación de que su carrera se había terminado, pero su siguiente sencillo “It's a Heartache” le probó lo equivocada que estaba. Contenido en su segundo LP llamado “Natural Face”, el tema llegó al puesto nº 4 en Inglaterra, nº 5 en Estados Unidos y nº 1 en el resto de Europa. Esto le abrió el mercado norteamericano de par en par. El disco llegó a vender más de seis millones de copias y es, hasta la fecha, el más importante de su carrera.
Más aún, la canción “Sitting on the Edge of the Ocean”, escrita también por Scott y Wolfe, la llevó a ganar el premio Yamaha en Tokio, Japón. Ahora estaba en todas las listas y era una artista de la que se esperaba sólo lo mejor. Sin embargo, las cosas no marchaban como ella quería. Su siguiente maxi fue “Married Man”, que apenas llegó al nº 35 en las listas inglesas y era resultado de una aparición en una película.
Sus dos últimos discos para RCA, “Diamond Cut” y “Goodbye to The Island”, eran más discos de country que de una artista cuyas referentes eran Janis Joplin y Tina Turner. Estaba a punto de firmar su segundo contrato con Scott y Wolfe cuando se dió cuenta de que las cosas no marchaban en la dirección que ella quería y en ese momento su carrera tuvo un giro importante justo antes de enterrarse más en el country.
En 1982 firmó con CBS. Como resultado vino su disco “Faster Than the Speed of Night”, escrito por Jim Steinman (quien produce a Meat Loaf), y que estuvo en la cima de las listas de todo el mundo por semanas. De hecho Bonnie Tyler se convirtió en la primera mujer en lograr que un álbum llegara directamente al primer lugar en el Reino Unido.
El disco es reconocido por los conocedores del rock como una obra maestra con claras influencias clásicas. Por un lado el canto era casi de ópera, en tanto que en lo musical su explosividad recordaba a Tchaikovsky. “Total Eclipse of The Heart” le valió la nominación al Grammy como mejor cantante femenina y el disco al de mejor álbum, y ambos premios fueron para ella.
La canción en cuestión de semanas había subido a la cima de la popularidad desplazando a “Billie Jean” de Michael Jackson. Durante las cuatro semanas que estuvo en el primer lugar bloqueó a "Making Love Out Of Nothing At All" de Air Supply y no la dejó pasar del segundo lugar. Lo irónico es que ambas canciones habían sido compuestas por Jim Steinman. El disco vendió 5 millones de copias.
En 1984 actuó en la ceremonia de los Grammy interpretando la canción que el año anterior la había hecho famosa, mientras era nominada por “Here She Comes”, un tema que formaba parte de la banda de sonido del clásico del cine Metrópolis, que había sido restaurada. Ese mismo año alcanzó otro éxito mayúsculo con el sencillo “Holding Out for a Hero”, de la banda de sonido de la película Footloose.
En 1985 vino “Making Love of Nothing at All”. El sencillo fue lanzado en Inglaterra a través de una presentación durante la transmisión de la lotería nacional. La aceptación de la gente fue maravillosa, pero a la hora de ir a las tiendas a conseguir los discos se habían agotado. El resultado fue que la canción no entró en el Top 40 y por ende no tuvo la atención ni la rotación que merecía en las radios.
Le siguieron los álbumes “Secret Dreams and Forbidden Fire” y “Hide Youtr Heart”, cuyos resultados no fueron necesariamente los mejores. En 1990 Bonnie Tyler grabó el disco “Bitterblue” que fue un éxito en Europa. Le siguieron “Angel Heart” y "Silhouette in Red" de 1993, que barrieron por toda Europa.
Después de estos éxitos sus conciertos han seguido congregando grandes cantidades de seguidores, pero sus discos han tenido una respuesta limitada. En 2006 Bonnie Tyler celebró 30 años de trabajo en la música con una gira llamada “Celebrate”, un sencillo llamado “Louise” y un DVD con sus presentaciones en vivo.
Les presento el CD nº 1 de la colección D-audio, el cual ya pueden escucharlo on-line y descargar en su totalidad. Aunque todavía me falta agregar algunas biografías y publicar las letras de los temas, es el primero en estar disponible. Como siempre digo, si bien este es un proyecto personal, está abierto a la participación de los demás. Hay mucha gente que me ha ayudado, y que continúa ayudándome, a armar la colección. Si tienen algo de historia, datos curiosos, anécdotas o información poco conocida que piensen que puede ayudar a enriquecer lo ya publicado, el aporte será bienvenido !!!! También si ven que falta algo que quisieran agregar pueden sugerirlo. Recibo ideas, opiniones, criticas constructivas y sugerencias. Todo sirve :) Pueden dejar sus comentarios aquí en el blog, en el chatbox o bien por e-mail.
Amigas y amigos, el blog se toma vacaciones (al igual que yo). Estaré ausente aproximadamente un mes, así que les deseo un excelente verano (para quienes están de este lado del hemisferio), cuídense, disfruten y nos vemos a la vuelta !
Rod Stewart nació bajo el nombre de Roderick David Stewart el 10 de enero de 1945 en Highgate, Londres, Inglaterra.
Probablemente su nacimiento fue un presagio del impacto de su vida en la cultura pop, ya que ocurrió cuando faltaban 6 meses para el final de la Segunda Guerra Mundial. Media hora después de ver la luz, un cohete V2 alemán se estrelló a unos metros de su casa destruyendo el cuartel de policía de la localidad.
La verdadera pasión de Rod Stewart era el fútbol, y empujado por su padre empezó a practicarlo con la mira fija en llegar a ser una gran estrella. Estuvo jugando en las categorías inferiores del club Brentford, pero esta afición se fue apagando al ver que no le llegaban contratos profesionales, así que a inicios de los años 60's se dedicó a recorrer Europa con su amigo Wizz Jones y una guitarra.
Sin embargo, el viaje terminó en 1963 en la costa francesa de St. Tropez, cuando lo arrestan por vago y el cónsul británico lo envía de regreso a Inglaterra. Nuevamente en Londres y con la suerte maltrecha decide armar su propia banda, que finalmente se convertirían en varias.
Durante un año estuvo rodando de una ciudad a otra mientras se presentaba con bandas de poca monta y cantaba Rhythm and Blues. En ellas se topó con personajes que más tarde se convertirían en leyendas como John Paul Jones (de Led Zeppelin) o Mick Fleetwood (de Fleetwood Mac). Pasó por los “Jimmy Powell & The Five Dimensions”, “Southampton”, “Shotgun Express” y por los “Hoochie Coochie Men”. En este último grupo John Baldry, su líder, lo contrata para que cante con él y toque la harmónica. Recibía 35 libras esterlinas por semana.
En el interin Stewart firmó un contrato con Decca Records para lanzarse en solitario. Sin embargo, la aventura no tuvo mayor éxito.
Promediaba 1965 y el promotor de Baldry decide formar el grupo "The Steampacket" en el que aparecían, además de él, Rod Stewart y Julie Driscoll. La banda era un rejuntado de "Long John Baldry & The Hoochie Coochie Men" y "Brian Auger's Trynity". Tuvieron un gran inicio porque sirvieron de banda de apoyo de los Rolling Stones y los Animals, pero terminando la gira decidieron separarse porque cada uno quería seguir caminos diferentes en lo artístico.
En menos de un año Rod Stewart ya formaba parte de la banda de Jeff Beck. El grupo tocaba un blues pesado y eso encajó con el gusto de la época. En esta formación hizo de cantante principal y estaba acompañado por Jeff Beck y el que sería guitarrista de los Stones, Ron Wood.
Las primeras actuaciones fueron un desastre y eso estuvo a punto estuvo de deshacer el grupo. De alguna manera Beck trasmitía que el resto del grupo era inexperto y eso costaba caro a lo interno y a lo externo. Aun así siguieron tocando por Europa y Estados Unidos. En 1968 se editó en plena gira americana el primer álbum: "Truth", y meses más tarde se editó el segundo: "Beck-Ola". Después del segundo álbum el grupo tenía proyectos por separado: Beck quería seguir profundizando en la música, mientras que Rod Stewart y Ron Wood estaban a un paso de integrarse a los "Small Faces". En 1969 el grupo se separó.
Lo que quedó del "Jeff Beck Group" y los "Small Faces" sirvió para formar una de las bandas más importantes de finales de los sesenta: The Faces. El grupo quedó integrado por Rod Stewart como cantante, Ron Wood en la guitarra, Ian McLagan al teclado, Kenny Jones en la batería y Ronnie Lane en el bajo. En total produjeron 5 álbumes ("First Step", "Long Player", "A Nod's As Good As A Wink", "Oh La La" y "Coast To Coast"), y un disco de grandes éxitos.
De manera simultánea, Stewart tenía una carrera en solitario. Eso ayudaba a la banda porque la gente también lo iba a ver a él. Su primer disco fue bajo el sello Phonogram y se tituló "An old raincoat will never let you down". Su banda de apoyo estuvo compuesta por Ron Wood, Mick Waller y Martin Quittenton, lo que le dió solidez al sonido blues que hacía de base de "Cindy Lament", "Blind Prayer", "Dirty old town" y "Handbags & gladrags". El disco no fue lo que se esperaba en lo comercial, pero la crítica lo trató bien.
Su segundo disco, "Gasoline Alley", tuvo más aplomo que el anterior y eso sirvió para que mejoraran las ventas y la popularidad del cantante.
Su siguiente sencillo vino a ser su primer número uno: “Maggie May”, que en 1971 llegó a la cima de la popularidad en Inglaterra y Estados Unidos. Lo curioso es que el tema era el lado de B de “Reason To Believe”. El tema impulsó las ventas del disco "Every Picture Tells a Story ".
Para entonces, la popularidad de Rod Stewart se empieza a convertir en un problema para la disquera de The Faces, Warner, porque era evidente que estaba perdiendo dinero. Con la salida de los subsiguientes discos vino una batalla legal entre Warner y Phonogram sobre quién era el dueño sobre los derechos de la voz de Stewart. Inusitadamente, el pleito se resuelve a favor de la Warner, y Phonogram se queda con los temas grabados hasta el disco “Smiler”. La relación de Rod Stewart con la Warner dura hasta hoy.
Como todo artista inglés exitoso, en 1975 Stewart se traslada a Estados Unidos huyendo de los impuestos de su país.
En ese tiempo los Faces estaban diezmados por el éxito de Rod Stewart. Pero la gota que colmó el vaso fue la oferta de Ron Wood para unirse a los Rolling Stones. Eso hizo que la banda se separara, y aunque hubo colaboraciones entre los miembros cuando grababan discos en solitario no se volvieron a unir hasta más adelante y para colaborar en una caridad.
Stewart vivía ahora una vida de lujo a la que no estuvo acostumbrado, pero que de alguna manera era la evolución lógica para un hijo de la posguerra. Sin embargo, esto trajo una nueva sensibilidad que se materializó en su LP "Atlantic Crossing" de 1975. En este disco esta la pegadiza "Sailing", que se convertiría en el himno de la armada de su país. Para este disco Rod se acompañó de músicos del Soul del calibre de Steve Cropper y Donald “Duck” Dunn, y puso como productor a Tom Dowd.
En 1976 vendría el LP "A night on the town" en el que se venía una canción de Cat Stevens: "The First Cut is The Deepest", y "The Killing of Georgie", una canción que compuso para un amigo homosexual asesinado en Nueva York, eso levantó sospechas sobre la supuesta homosexualidad de Stewart.
A partir de ese momento dejó sus raíces olvidadas y se pasó a la música comercial y de discoteca. A finales de los 70's y durante los años 80's "Hot Legs", "Da ya think I'm Sexy?", “Tonight I'm Yours” y "Passion", marcarían su paso por la cima de las listas y lo definirían como compositor.
Probablemente el tema que lo lanzó definitivamente a la fama fue "Da ya think I'm Sexy?" (“¿Crees que soy sexy?”), que no solo estaba influenciado por el estilo musical disco, sino por su misma forma de vida de sexo y drogas a granel. Por ese mismo tema, fue demandado por plagio por el cantante brasileño Jorge Ben, proceso del que salió bien librado.
En 1979 se casa con Alana Hamilton y con ella empieza una cadena de tres matrimonios que terminan en fracaso y una seguidilla de modelos que no dejan de encontrarle algún atractivo físico.
Durante los 80's sigue en sintonía con la audiencia joven y salen discos como “Young Hearts” y “Tonight I'm Yours” que se convierten en éxitos instantáneos. Además, se reúne con los Faces para cantar en Wembley en honor a su ex-compañero de grupo Ronnie Lane, fallecido de esclerosis múltiple.
A fines de los años 80's vendrían grabaciones con Tina Turner ("It takes two"), Ron Isley ("This old heart of mine"), Glass Tiger ("My town"), Bryan Adams y Sting ("All for love") y participa en discos homenaje como el de Carole King ("So far away") y Elton John ("Your song"). En ese mismo período su producción personal es pobre y sus conciertos se vienen a menos en 1991 cuando por una infección en la garganta debe dejar los escenarios.
En 1993 graba uno de sus discos más aclamados por la forma en que se compilan sus éxitos: "MTV Unplugged... And Seated”. En él se reúne nuevamente con Ron Wood y producen un buen sonido, profundo y maduro, algo que solo puede venir con los años.
A mediados de los 90's publica “Spanner in the Works"(1995) y "When We Were the New Boys"(1998). Son discos que se esperaban y que estaban hechos a su medida. Tras esos lanzamientos se realizaron giras americanas y europeas donde en todos los conciertos se colgaba el cartel de "no hay entradas". Stewart había vuelto a sus raíces melódicas.
También, los años 90's sirvieron para que sentara cabeza. A la salida de un hotel, en Londres, se acercó Penny Lancaster a pedirle un autógrafo. Parece que Stewart la invitó a pasar unas vacaciones juntos... que aún no han terminado.
En el año 2000 se operó de la garganta por un cáncer en las cuerdas vocales. Repuesto de la operación vino “Human” en donde asume la pose de galán maduro que mantiene hasta “Reason To Believe”.
Sin duda, la energía escénica de Rod Stewart y su adaptabilidad a los ritmos lo hicieron un fenómeno de masas. Hoy en día es un músico maduro, que se da el lujo de hacer álbumes más profundos y pausados, pero no por eso carentes de sintonía con su audiencia.
Pocas bandas a lo largo de la historia experimentaron tantos cambios de estilo y tuvieron éxito en cada uno de ellos como los Bee Gees. Tampoco son muchos los grupos que, como ellos, se mantuvieron vigentes y populares del principio al fin de su carrera, pese a las duras críticas y hasta burlas que recibieron de ciertos sectores.
Maurice, Robin y Barry Gibb, tres hermanos de Brisbane, Australia, formaron el grupo siendo muy jóvenes, en 1958. En su país adoptivo (en realidad nacieron en Manchester, Inglaterra) lanzaron un LP, The Bee Gees sing and play 14 Barry Gibb songs, pero el éxito no fue el esperado. Ante ese panorama, decidieron retornar a Gran Bretaña.
Una vez en el Reino Unido, sumaron al grupo al guitarrista Vince Melouney y al baterista Colin Petersen. Con su primer single británico ("New York mining disaster 1941") se inició la que podría llamarse su primera faceta musical: canciones melódicas con toques de soul y country, e influenciadas por las armonías beatles. "Massachusetts" es otro ejemplo de esta temprana encarnación Bee Gees.
Con Odessa, su álbum de 1969, su período simple y bucólico dió paso a un sonido más complejo. Ni Odessa ni ninguno de los álbumes que la banda realizó en su etapa de pop-progresivo (entre el 1969 y 1974) tuvieron éxito comercial ni buenas reseñas de la crítica.
Entonces los Bee Gees mutaron una vez más, en esta ocasión tomando el rumbo que los haría famosos en el mundo entero. En Main course, de 1975, dieron sus primeros pasos en la música disco, desarrollando un estilo que se volvería su marca registrada. “Jive talkin'" fue el gran hit del álbum. Children of the world, el disco del año siguiente, siguió explotando la misma veta, con temas como "You should be dancing" y "Love so right". Y luego, en 1977, la explosión: la banda de sonido de la película Saturday night fever. De la mano de "Stayin' alive", "How deep is your love", "Night fever" y otros, se pusieron a la cabeza de la legión de bandas de rock que incursionaron en la música disco. ¿Exito comercial? Llegaron a vender más que los Beatles.
Spirits having flown, de 1979, siguió en la misma línea sonora, pero los tiempos habían cambiado: la disco agonizaba, víctima del heavy metal y el punk. El fracaso de su siguiente álbum Living eyes (1981) le firmó el certificado de defunción a la música para llenar las pistas. Los primeros años de los 80's fueron épocas de desconcierto. Los tres emprendieron sus proyectos solistas, con resultados poco satisfactorios. Luego se reunieron para producir y componer para artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick, Kenny Rogers y Dolly Parton. E.S.P., de 1987, fue su disco de regreso. El álbum fue bien recibido, al igual que su sucesor One (1989). De allí en más, sus trabajos se hicieron más y más esporádicos, pero su popularidad no decayó: Still waters, su disco de 1997, fue doble platino.
Su último disco fue This is where I came in (2001). Dos años después, Maurice falleció mientras era operado por una obstrucción intestinal. Sus dos hermanos, pese a que pensaban seguir escribiendo canciones, ya no se presentarían con el nombre de Bee Gees...
Hace mucho que Australia dejó su huella en la música pop internacional y entre los que hicieron esa marca sin duda tiene un lugar de privilegio Crowded House. La banda fue una institución en su país, tuvo dos éxitos enormes en Estados Unidos y durante más de la mitad de su existencia fueron estrellas en Europa. Crowded House grabó una buena parte de la mejor música pop que se produjo a fines de los 80's y comienzos de los 90's. Su líder, Neil Finn, se reveló como un consumado compositor, con letras inspiradas y un sentido único por la melodía.
Crowded House se formó en 1985 en Australia cuando Neil Finn disolvió su grupo Split Enz. Finn armó la nueva banda con el ex baterista de Split EnzPaul Hester, el bajista Nick Seymour y el guitarrista Craig Hooper. Inicialmente se llamaron The Mullanes. Con ese nombre hicieron algunas giras, hasta que en junio de 1985 viajaron a Los Angeles buscando un contrato de grabación. Lo consiguieron con el sello Capitol, que les sugirió el cambio de nombre.
Inspirados por el lugar donde vivían en Los Angeles, se les ocurrió Crowded House. Empezaron a trabajar para su álbum debut con el productor Michael Froom. Pronto el productor y el grupo desarrollaron una intensa relación, producto de las mutuas necesidades profesionales.
El disco debut de Crowded House fue editado en 1986 y en el momento de su salida no despertó gran interés, debido a la escasa promoción que le dió el sello. Concientes de que estaban solos para triunfar, empezaron una serie de actuaciones a lo largo y a lo ancho de Estados Unidos, visitando cada local de venta de discos y tocando en formato acústico. El trabajo rindió sus frutos y en febrero de 1987 el álbum había entrado en el Top 40 del ranking estadounidense. Cuando salió "Don't dream it's over", esta irresistible melodía alcanzó la cima de los charts.
Le siguió "Something so strong", que llegó al puesto nº 7, mientras en Australia y Nueva Zelanda el álbum se convirtió en multiplatino. Después de un éxito tan contundente, el segundo disco de Crowded House debió enfrentar las enormes expectativas de la crítica y la audiencia. Editado en 1988, "Temple of low men"refinaba el estilo compositivo de Neil Finn, pero cierta complejidad de las canciones y en general el clima oscuro del álbum conspiraron para que no fuera aceptado con la misma facilidad que el anterior. El álbum estuvo muy lejos del suceso esperado y eso desanimó a los músicos y la compañía grabadora, al punto de abandonar los planes de hacer una gran gira por Estados Unidos. La banda recibió una inyección de optimismo por el cálido recibimiento que tuvieron en sus presentaciones en Canadá y Australia, pero no alcanzó para superar la crisis y a mediados de 1989 Crowded House se disolvió.
A fines de 1989, Neil se reunió con su hermano Tim y juntos empezaron a componer canciones para un posible álbum conjunto. La colaboración fue un éxito y rápidamente los hermanos Finn compusieron 14 canciones. Después de las primeras sesiones con Tim, Neil también se puso a componer material para un eventual disco de Crowded House, pero el resultado final no lo conformó. Entonces decidió combinar los mejores temas que había compuesto con su hermano con los más logrados que tenía para la banda, y además incorporó a Tim como el nuevo miembro de Crowded House.
Finalmente, el tercer disco de Crowded House fue lanzado en 1991 bajo el título "Woodface". Nuevamente el álbum incluía las más refinadas composiciones de la factoría Finn, pero la elección de los simples no fue la adecuada para la audiencia norteamericana y malogró las chances de éxito en ese país. Sin embargo, en Europa (y particularmente en Inglaterra) descubrieron a la banda: después de seis meses de calma, sus temas empezaron a escalar el chart británico y pronto se expandieron por el resto del continente europeo. En Inglaterra "Woodface" certificó Disco de Platino.
Tim Finn fue uno de los responsables directos de ese suceso, pero nunca se sintió cómodo con la banda en escena. Así fue como en medio de la gira de 1991 dejó el grupo. A comienzos de 1993 Crowded House se reagrupó para grabar un cuarto disco, sumando al guitarrista norteamericano Mark Hart a la banda. También cambiaron al productor Froom por Youth, ex integrante de Killing Joke.
El álbum "Together alone"fue lanzado en octubre de 1993 en Europa y al año siguiente en Estados Unidos. El disco tuvo unánimes criticas positivas y sólidas ventas en todo el mundo excepto Estados Unidos. La banda se embarcó en una exitosa gira europea y cuando estaban iniciando el tour por Norteamérica, Paul Hester dejó el grupo. Sobre el final de 1994, Neil Finn decidió dejar las giras y concentrarse en otros proyectos, entre los cuales estaba la edición del disco con su hermano. Finalmente el álbum de los Finn salió a fines de 1995. En junio del año siguiente Neil Finn comunicó oficialmente la separación –ahora sí definitiva– de Crowded House.
Casi de manera simultánea se editó el compilado "Recurring dream: the very best of Crowded House", que ingresó en el primer puesto de los rankings de Inglaterra y Australia. Luego de una prolongada gira de despedida, en noviembre de 1996 Crowded House dio su último concierto en el Sydney Opera House de Australia ante más de 100.000 fervorosos fans.
En 2007, como comenté en la primera entrada de este blog, Crowded House regresa luego de 11 años con el álbum "Time on Earth".
Celebrando el post nº 50 del blog quiero darles las gracias a todos aquellos que visitan regularme este humilde sitio, y también a quienes llegan por primera vez. Sin la participación de Uds. este trabajo no tendría sentido. Gracias, entonces, a Alfonso, Sergio, Alfredo, Carlos, Pedro y Mario por sus comentarios y por estar siempre pendientes del contenido publicado. En este mes y medio de vida del blog hemos conocido la historia de artistas y bandas que han dejado su huella marcada a fuego en el mundo de la música, hemos repasado algunos de los discos más vendidos de todos los tiempos, y compartido grandes canciones. Seguiremos por ese camino, recordando y disfrutando de la mejor música.
En el futuro inmediato agregaré links a sitios de utilidad con una breve reseña de los mismos, análisis de herramientas de audio (software), y adelantos de lo que será el CD 7 de la colección que ya está en su etapa final de armado. Además, iré incorporando mayor variedad musical al contenido con material que no tenga que ver directamente con la colección. Saludos !!
Como solista, Paul McCartney más de una vez necesitó que alguien lo empujara hasta terrenos algo más aventurados (tanto como John Lennon necesitó que le indicaran cuando se pasaba de ácido y vanguardista). Vista a través de las de opiniones de la crítica (que nunca terminó de aceptarlo), su producción individual aparece como irregular. Sin embargo, los músicos responden con canciones: desde “Maybe I’m amazed” (McCartney, 1970) hasta “From a lover to a friend” (Driving rain, 2001) demuestran que nadie cómo Paul para hacer lo que él mismo llamó –usando la ironía contra quienes lo defenestraban por su simpleza– “tontas canciones de amor”. Quizás no tenga el carisma de su socio, pero si a alguien le cabe el calificativo de genio en el mundo de la música es a Sir James Paul McCartney.
Su primer trabajo por fuera de los Beatles fue la banda de sonido de la película The family way, en 1966. Pero su autotitulado debut en solitario fue editado dos semanas antes del lanzamiento de Let it be, en 1970. Pese a que la prensa lo castigó atribuyéndole la separación de los Fab Four, el disco –intimista, casero, artesanal– fue un éxito a ambos lados del Atlántico. En la misma línea se inscribió su segundo álbum: Ram (1971), otra colección de temas hechos en colaboración con su esposa Linda. Ese mismo año decidió que quería volver a estar en una banda de rock y formó Wings junto a Linda, el guitarrista Denny Laine y el baterista Denny Seiwell. Wild life (1971), debut de Wings, no atrajo al público, aunque los siguientes singles sí lo hicieron: "Give Ireland back to the Irish", "Mary had a little lamb" y "Hi hi hi".
Red Rose Speedway (1973) presentó una vez más la dicotomía críticas débiles / ventas masivas. En tanto, el tema de McCartney para la película de James Bond Live and let die fue un hit en Gran Bretaña y Estados Unidos. Ese mismo año los Wings partieron a Nigeria a grabar un nuevo álbum, que sería editado meses más tarde: Band on the run. No sólo fue triple platino en EEUU sino que obtuvo las mejores reseñas de la carrera de Paul. Discos como Venus and Mars (1975), At the speed of sound (1976), el triple en vivo Wings over America (1976) y London Town (1978) confirmaron la popularidad de la banda. En el medio, editaron "Mull of Kintyre", el single más vendido de la historia británica. En cambio, Back to the egg (1979) no produjo grandes hits (aunque también fue disco de platino).
En 1980 Paul disolvió Wings y retomó su carrera como solista con McCartney II, en el cual grabó todos los instrumentos como en su debut, una década atrás. Dos años más tarde convocó al productor de los Beatles George Martín para grabar Tug of war, su trabajo mejor recibido desde Band on the run. Pipes of peace (1983), en cambio, no fue un gran logro artístico.
Durante el resto de la década Paul no tuvo la regularidad de sus inicios, pero produjo algunas cosas más que interesantes como el tema de 1984 “No more lonely nights" (una de las mejores baladas de la historia) o el álbum Flowers in the dirt (1989), coescrito junto a Elvis Costello.
En los años 90's se mostró más artísticamente inquieto que nunca: editó un unplugged para la MTV (1991), dos obras de música clásica (Liverpool Oratorio, de 1991, y The leaf, de 1995), un álbum de tecno ambient bajo el seudónimo de The Fireman, la "Anthology" de los Beatles, un disco de covers de rock n’ roll (Run devil run, 1999) y un LP pop propiamente dicho: Flaming pie (1997).
En 1998 Paul perdió a Linda, su compañera de toda la vida, víctima del cáncer. Una vez superado el mal trance contrajo matrimonio con la ex modelo Heather Mills y editó un gran álbum titulado Driving rain (2001). Con Chaos and creation in the backyard, lanzado en septiembre de 2005, rompió un silencio discográfico de cuatro años, sólo interrumpido por el doble en vivo Back in the US (2002).
Quizás se deba a su lamentable brevedad, pero la carrera solista de John Lennon –aun con sus lógicos altibajos– fue la más regular de las de los cuatro ex Beatles. En poco más de una década (de la cual pasó buena parte retirado) alternó himnos pacifistas, declaraciones de amor a su esposa y virulentos ataques a Paul McCartney. Hasta que un demente nos robó la posibilidad de saber qué rumbos habría de seguir este eterno vanguardista.
Lennon comenzó a hacer música cuando todavía era un Fab Four: a fines de los 60's editó sendos collages experimentales llamados Unfinished music, N°. 1: two virgins (en cuya portada John y Yoko aparecen desnudos), Unfinished Music, No. 2: life with the lions y The wedding album. También grabó algunos singles como “Give peace a chance" y “Cold turkey”, en este último ya secundado por la Plastic Ono Band (Eric Clapton en guitarra, Klaus Voormann en bajo, Alan White en batería y Yoko en teclados –algunas veces John se los desenchufaba en los recitales– y chillidos). Finalmente lanzó el single "Instant karma", en 1969.
Luego de la separación de los Beatles, en 1970, salió a la calle John Lennon/Plastic Ono Band, un álbum desgarradoramente crudo y confesional basado en la terapia del grito primal que la pareja estaba siguiendo por aquel entonces. Con la producción de Phil Spector, en 1971 grabó su álbum más exitoso: Imagine. El tema que da nombre a la placa, un himno del pacifismo, contiene declaraciones de extrema seriedad (propone un mundo sin posesiones ni religión, por ejemplo) que no escandalizaron por su “cobertura de azúcar”, como John mismo dijo. Con la canción "Power to the people", de 1972, Lennon se metió de lleno en el activismo político, dirección que confirmó en Sometime in New York City (1972), enteramente compuesto de temas de protesta. Luego de Mind games (1973), la vida personal de Lennon entró en un torbellino de drogas, problemas con la ley, peleas con su esposa y fiestas descontroladas con Elton John, Harry Nilsson, Keith Moon, David Bowie, Ringo Starr y cuanto desaforado se le cruzara. Esos dos años de desenfreno se conocen como el “fin de semana perdido”. Pero aún en medio de esa vorágine editó dos álbumes: Walls and bridges, en 1974, y Rock n’ roll, una colección de oldies de los años 50's, en 1975.
Ese mismo año nació Sean, el segundo hijo de John. Luego de componer la canción “Fame” junto a David Bowie, el ex Beatle decidió retirarse de la música para dedicarse a la crianza de su hijo. Así pasó los siguientes cinco años. Recién en 1980 volvió para grabar, a medias con Yoko, Double fantasy. El disco fue editado en noviembre de ese año y contenía la (a mi criterio) mejor canción de Lennon: "Woman", una exquisita balada; apenas días después, el 8 de diciembre, John Lennon fue asesinado cuando entraba a su departamento en Nueva York. Millones de fans en todo el mundo participaron de una vigilia de diez minutos de silencio en su nombre.
Varias recopilaciones de temas inéditos se editaron después de su muerte, destacándose Milk and honey (1984) y la antología Wonsaponatime (1998). También se produjeron interesantes re-masterizaciones de sus álbumes, como Acoustic, que rescata versiones acústicas de varios de sus temas.
Louis Armstrong es probablemente la figura más reverenciada del jazz, tanto por músicos interesados por sus contribuciones al lenguaje musical, como por el gran público, deseoso de ídolos y entretenimiento.
Armstrong fue uno de los primeros solistas importantes del jazz. Algunos lo consideran el inventor del swing, aquel ingrediente necesario sin el cual el jazz no significa nada. Su estilo en la trompeta fue un punto de partida para toda una evolución posterior, no sólo en su instrumento, sino también en el lenguaje musical y en lo expresivo. Poseedor de una personalidad enormemente magnética, de una de las voces más personales jamás oídas y una sonrisa tan amplia como su corazón, Armstrong se transformó en un ícono del afecto popular.
Louis Armstrong nació el 4 de agosto de 1901 en Nueva Orleáns, en una familia extremadamente pobre. Su padre abandonó a la familia poco después de su nacimiento y fue criado por su madre, Mary, y su abuela materna. Tuvo que trabajar desde muy pequeño para ayudar en la economía familiar, vendiendo carbón, como diariero o changarín, o en un depósito de chatarra. Fue precisamente el dueño de ese depósito quien le ayudó a comprarse una corneta, a la cual comenzó a arrancarle sonidos sin maestro alguno.
A los doce años fue enviado al reformatorio Colored Waif's Home for Boys, por disparar una pistola al aire en una fiesta de año nuevo. En esa escuela tuvo su primera educación musical. A los dos años salió y comenzó a cantar y tocar en la calle por monedas y luego en los locales de diversión nocturna de Storyville, el barrio del placer de Nueva Orleáns. Sus movimientos por la ciudad le hicieron empaparse de la música que se tocaba en bares y en las bandas de vientos que acompañaban desfiles y funerales.
Pronto comenzó a hacerse notar como prodigio por su destreza con la trompeta y con la voz, y a captar la atención de otros músicos mayores que veían en él un potencial fuera de lo común. Fue Joe "King" Oliver, uno de los más destacados trompetistas de la ciudad, solista de la orquesta de Kid Ory, quien lo tomó como protegido. También entonces adquirió su sobrenombre "Satchmo" proveniente de "satchel mouth" (algo así como "boca en forma de bolsa"). Cuando en 1918 Oliver formó su propia banda y se mudó a Chicago, la ciudad que entonces comenzaba a magnetizar a los músicos de jazz, el joven Armstrong se transformó en uno de los solistas-estrella de la orquesta de Ory. Fue en esa banda que Armstrong comenzó a formarse como profesional, a leer música y a tocar con otros músicos destacados, desarrollando y enriqueciendo sus habilidades.
En 1922 King Oliver lo llamó para integrar su orquesta en Chicago, con lo cual la banda pasó a tener dos trompetistas-estrella. En 1924 se mudó a Nueva York para tocar en la orquesta de Fletcher Henderson, realizando también grabaciones con Sidney Bechet y Bessie Smith. En 1925 regresó a Chicago y comenzó a realizar grabaciones como líder con sus Hot Five y Hot Seven en el legendario sello Okeh (hoy en el catálogo de Sony), para luego ingresar en los primeros lugares de venta de discos con temas como "Big Butter and Egg Man", "Hotter than That" y "West End Blues", y a aparecer como figura en musicales como Hot Chocolate, en su interpretación de "Ain't Misbehavin'", cuya grabación también subió a los primeros puestos. A partir de allí transformó su carrera en un desfile de éxitos: "All of Me", "Body and Soul", "I'm in the Mood for Love", "When the Saints Go Marching in", todos presentados en giras por EE.UU. y Europa.
Luego de la Segunda Guerra, cuando el formato de orquesta comenzó a decaer a favor de grupos más pequeños, formó sus All-Star y, si bien no se plegó a las nueva tendencia del be-bop, continuó con sus éxitos dentro de un numeroso público que tampoco era muy afecto a los nuevos experimentos, forjándose a partir de aquí su imagen mítica.
En los años 50 realizó grabaciones con Ella Fitzgerald que se convirtieron en clásicos. A principios de los 60 grabó dos álbumes con Duke Ellington y en 1964, en medio del aluvión rockero, logró un resonante éxito con "Hello Dolly", que se convirtió en Nº 1 de los charts de venta, llevando al oro al álbum que lo contenía y valiéndole un premio Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina. Cuatro años más tarde volvió al éxito con "What a Wonderful World", tema que tuvo un resurgimiento post mortem en 1987, al aparecer en el film Good Morning Vietnam. En 1969 apareció en la película Hello Dolly, interpretando el tema a dúo junto a Barbra Streisand. Comenzó a presentarse menos frecuentemente debido a su delicada salud. Murió en Nueva York el 6 de julio de 1971.
Los teóricos del jazz afirman que su aporte sólo ahora comienza a ser entendido como vital dentro del desarrollo del lenguaje. En relación a su instrumento, los trompetistas que lo precedieron tendían a improvisar en frases cortas, dividiendo el compás con notas rápidas. Él comenzó a tocar melodías de un mayor lirismo, estirando algunas notas por encima de dos o más compases, repitiendo otras insistentemente, incorporando el lenguaje del blues en una forma que preanunció los fraseos del be-bop que surgiría recién 20 años después.
En relación a su voz, la mejor referencia sin duda es escucharlo, porque la originalidad de su tono ronco y grave ha sido tan grande, que casi no tuvo imitadores.
Earth, Wind & Fire | System of Survival [1987]
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