Dire Straits >> "Brothers in Arms" (1985)

Los Dire Straits estuvieron años construyendo su fama de músicos expertos, serios autores de canciones y soberbios artistas en el escenario. Pero todo ésto apenas sirvió para el impacto que produjo el disco "Brothers in Arms", tanto para la carrera de la banda como en lo referente a su consideración entre el público. Impulsado por el éxito del Top 40 "So Far Away", publicado anteriormente ese mismo año, el álbum fue platino en el Reino Unido y entró en las listas como el nº 1, una posición que mantuvo durante tres semanas.
Gran parte del éxito comercial del disco se puede atribuir a la canción "Money For Nothing", escrita por Mark Knopfler y Sting. Apoyado por un video de animación por computadora muy ingenioso, que garantizó su difusión masiva por los nuevos canales de música, el sencillo alcanzó el puesto nº 1 en EE.UU. y el nº 4 en el Reino Unido, ganó además un Grammy al Mejor Vídeo Musical y se convirtió en el sencillo de ventas millonarias del grupo.
Después vinieron otros éxitos, incluyendo "Walk of Life", que alcanzó el nº 7 en EE.UU. y el nº 2 en el Reino Unido. La canción "Brothers in Arms", si bien con menor éxito en las listas, es recordada como el primer sencillo en CD de distribución comercial. Liderado por Mark Knopfler, a quien personalmente considero el mejor guitarrista de todos los tiempos, Dire Straits hizo historia con su álbum más exitoso.
"Brothers in Arms" fue publicado en mayo de 1985 y vendió 13 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 9 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) So Far Away

2) Money for Nothing

3) Walk of Life

4) Your Latest Trick

5) Why Worry

6) Ride Across the River

7) The Man's Too Strong

8) One World

9) Brothers in Arms

+ Info >> Dire Straits > biografía

Supertramp >> biografía

Formada en Londres en 1969, Supertramp se desarmó en 1971, se rearmó en 1973, se desarmó nuevamente en 1988 y se volvió a formar en 1997. Quizás es por ese ir y venir que Supertramp no ha tenido la permanencia en las listas que una banda de su talla merece.

Cuenta la historia que en 1969 Richard Davies conoció al millonario holandés Stanley August (comúnmente conocido como Sam) en Munich, Alemania, mientras tocaba en una banda llamada "The Joint". El millonario le ofreció a Davies su patrocinio a cambio de que formara una nueva agrupación, a lo que accedió con prontitud. Colocó entonces un anuncio en un diario de rock en busca de músicos.

El grupo iba a llevar el nombre de "Daddy", pero ante la sugerencia de uno de los nuevos integrantes se bautizó la banda inspirados en el título del libro de 1910 de W.H.Davies: "The Autobiography of a Supertramp". El primer álbum, "Supertramp", no tuvo mayor suceso cuando salió en 1970, ya que está repleto de solos larguísimos y aburridos.

La banda se reagrupó en 1971 con el ingreso de Currie y Farrel, y el bajista original Hodgson pasó a tocar la guitarra. El segundo disco, "Indelibly Tamped", tuvo la misma suerte que el anterior. El patrocinador pagó 60 mil libras esterlinas para cancelar las deudas de la agrupación y los miembros de la banda renunciaron. Davies y Hodgson quedaron frente a un proyecto que no parecía tener futuro.

En 1973 se forma entonces la banda por tercera vez. Ahora entran Helliweg, Thompson y Siebenberg. El sello grabador A&M instala la banda en una granja y les asigna al productor Ken Scott para orientar el trabajo. El resultado fue el LP "Crime Of The Century", un disco muy bien producido que los trasladó a los primeros planos de la industria musical.

En ese disco, además, se desarrolla el estilo de piano eléctrico de la agrupación, quizás donde más se aprecia este estilo es en la canción "Dreamer" de 1975 que llegó al puesto nº 13 de las listas de popularidad inglesas. Le siguió "Crisis? What Crisis?", que se colocó en el número 44 de las listas norteamericanas.

En 1977, Supertramp contrata al ingeniero de sonido de los Beatles, Geoff Emerick, para el LP "Even In The Quietest Moments". El disco produjo el éxito "Give a Little Bit" que llegó al número 20 en Estados Unidos y al número 29 en Inglaterra. La canción tiene un trabajo instrumental bastante peculiar que la hace moverse entre lo progresivo, lo melódico y el pop.

El 29 de marzo de 1979 lanzan "Breakfast in America", un disco que les daría 4 éxitos seguidos. El más sonado fue "The Logical Song", que llegó al número 6 en Estados Unidos, y una semana más tarde la canción "Breakfast in America" llegaba al noveno lugar de las listas inglesas. Ahora movían el mundo de la música, tanto que la revista Rolling Stone les dedicó su artículo principal en la edición del 12 de julio. Luego vino "Good Bye Stranger", que llegó al puesto nº 15 en la lista de Billboard y "Take The Long Way Home" que llegó al número 10 el 15 de diciembre.

En septiembre de 1980 lanzan un disco doble, en vivo: "Paris". La versión en vivo de "Dreamer" llega al número 15 en las listas y "Paris" llega al puesto nº 7 en Inglaterra. Este es el momento en que la banda declina y no logra repetir esta sucesión de éxitos porque no lee el cambio que venía en los ochenta con sonidos más electrónicos y sofisticados.

Sin embargo, sus experimentos mezclando ritmos con pasajes de archivos sonoros quizás marcó el inicio del "sampleo", esa costumbre posmoderna de despojar de sentido a las partes y construir un todo nuevo carente de fundamento y asidero en la realidad.

Para los años 90's, con algunos años encima y con cierta experiencia de vida, la banda se reunió para lanzar un disco de éxitos. Ese reencuentro llevó a la reformación definitiva en 1997. Como resultado está el disco "Slow Motion", que sin haber sido un éxito en ventas, es una experiencia sonora rica e interesante.

+ Supertramp en D-audio >> "Breakfast in America" (1979)

Sheryl Crow >> biografía

A diferencia de muchos artistas que conocen el éxito de frente, Sheryl Crow tuvo que verlo de lado y a la sombra durante muchos años. Como cantante de respaldo para famosos como Eric Clapton, Don Henley, Michael Jackson y Rod Stewart, estuvo en la parte menos glamorosa del negocio del espectáculo durante los años 80's y parte de los 90's.

Nacida el 11 de febrero de 1962 en Kennett, EEUU, su música nunca ha sido para oyentes flojos. Por el contrario, sus letras no siempre son simétricas y tienden a ser muy pensadas. Aunque la música puede ser pegajosa, los temas siempre son directos y están trabajados para que queden grabados en la mente.

Los padres de Sheryl también se dedicaron a la música en su tiempo libre, aunque su padre fue un abogado liberal que combatió los abusos del Ku Klux Klan y se dedicó a defender las libertades básicas en muchos casos. Tanto él como su madre formaron parte de bandas de swing en las que ella cantaba y él tocaba la trompeta. Así las cosas, Sheryl creció en una atmósfera musical aromatizada por los Beatles, Bob Dylan, James Taylor y los Rolling Stones.

En 1986 se fue a Los Ángeles desde San Luis con 10.000 dólares de sus ahorros, con el corazón roto por su novio y llena de determinación por convertirse en músico profesional. La acompañaba un título de la Universidad Estatal de Missouri que la acreditaba en música clásica y la experiencia de haber cantado con una banda durante su época universitaria. Aunque eso ayudaba, los ahorros se fueron rápido y sus oportunidades salieron exclusivamente para cantante de respaldo en sesiones de estudio.

Pronto se convirtió en una de las cantantes de respaldo más respetadas en Los Ángeles y trabajó con Bob Dylan, Eric Clapton, Stevie Wonder, George Don Henley, John Hiatt, Joe Cocker y Sinead O'Connor. También Bette Midler grabó canciones suyas.

Le tomó más de cinco años alcanzar ese nivel, luego de haberse liberado de la desesperación y la autocomplacencia que la invadió al final de los 80's. Esta crisis vino después de su primer gran trabajo. Luego de 18 meses de cantar como respaldo para Michael Jackson en la gira de Bad, vestirse en cueros negros y actuar con él en el escenario "I Just Can't Stop Loving You", las puertas empezaron a abrirse de par en par. Sin embargo, eran puertas del estilo pop que hacía Jackson. Crow tuvo la fuerza para resistirse a esas tentaciones porque lo suyo era otra cosa. Así, las puertas empezaron a cerrarse y quedó sola y encerrada en su cuarto por seis meses. Después, con un poco de ayuda y voluntad salió a la calle y entró al mundo de las sesiones de grabación.

Su carrera como solista es también bastante extraña. El productor Bill Bottrell manejaba un estudio en Pasadena en el que Crow y otros músicos se reunían para tocar todas las semanas. Entonces adoptaron un club llamado Tuesday Night Music como su refugio. La experiencia le dió la fuerza para su disco debut.

La inspiración, fortuita, era necesitada desesperadamente. Había gastado ya un cuarto de millón de dólares grabando su primer disco, al que canceló por considerarlo demasiado pulido y poco representativo como para ser presentado a la gente. Ella había firmado con A&M Records apoyada por el productor de Sting, Hugh Padgham, con quien había hecho algunos trabajos. Él había producido su primer intento y, aunque su relación personal fue buena, no lograron desarrollarse creativamente.

Afortunadamente, la casa disquera pensó mucho en el talento de Crow y decidió esperar a que se generara un material alternativo. El resultado fue "Tuesday Night Music Club", grabado con muchos músicos que conocía del estudio de Bill Brotell, y que quedó adormecido cuando salió en 1993. El disco necesitó de un año para lograr empezar a moverse y lo logró con dos éxitos menores: "Run Baby Run" y "Leaving Las Vegas".

Sheryl Crow creía que el disco ya había alcanzado su máximo y que iba para el almacén de los recuerdos, por lo que empezó a pensar en su próximo álbum. Sin embargo, la disquera sugirió que lanzaran "All I Wanna Do", pensando que no había nada que perder. El tema se convirtió en uno de los éxitos más importantes de 1994, llegó al número 2 de las listas en Estados Unidos, fue nº4 en Inglaterra y alcanzó la estatura de un multiplatino en materia de ventas.

La canción que se convierte en un éxito repentino trata de dos desesperanzados que dejan que el tiempo se vaya entre sus manos mientras se consienten con una cerveza tempranera y esperan en vano tener algo de diversión. La métrica de los versos y el estilo conversado chocan con la melodía suave de la canción. Mientras, sus versos e imágenes se contrastan con una música que sube en fuerza, que fue lo que enganchó a la audiencia. La gente también quedó prendida con "Strong Enough", "What Can Ido For You" y "The Na-Na Song".

En noviembre de 1994, Crow cantó a dúo con Mick Jagger "Under My Thumb" mientras los Stones tocaban frente a 65 mil personas. Ese mismo año fue uno de los dos actos femeninos del poco agraciado Woodstock 2, aunque frente a 300.000 almas. En 1995 abrió para la gira de regreso de los Eagles, además de hacer giras propias y con Joe Cocker.

Con un calendario tan apretado, encontrar tiempo para grabar su nuevo disco fue bastante difícil, pero a finales de 1996 sacó un disco bajo su propio nombre que se llevó el Grammy como mejor álbum de rock en 1997. Ya en esta década, el álbum "C'mon, C'mon", de 2002, es un poco más suelto y va directo al rock & roll que es lo que a ella realmente le gusta. "Soak Up The Sun" mantiene ese estilo suave y melódico, pero lleva detrás la fuerza coral e instrumental de quien quiere el rock. Crow dijo que ese disco pretendió tener el sabor de los clásicos del rock de los 70's y 80's. En el tema que le da nombre al disco canta acompañada por Stevie Nicks, solista y vocalista de Fleetwood Mac.

Luego de haber trabajado con tantos artistas reconocidos, Sheryl Crow finalmente pudo ver el éxito de frente.

Inxs >> "Kick" (1987)

Después de haberse columpiado en el borde del estrellato a mediados de 1980, el grupo australiano INXS saltó directamente a la superliga del pop con el álbum Kick en 1987. Con su híbrido disco-rock frío y dolorido, INXS despegó con cuatro sencillos de enorme éxito que tuvieron el respaldo de la difusión de unos videos en MTV muy simpáticos, en los que aparecía la imagen de Michael Hutchense, el líder del grupo, en su característico traje de cuero.
Kick elevó a INXS, que llevaba trabajando ya nueve años, a la cima de su carrera, con una mezcla de cierto atractivo visual y reflexiones políticas, aderezada con un funk-rock muy pulido y palpitante que les hizo ganarse la fama de llenar los estadios en los conciertos y sirvió para que se los pusiera a la altura de los gigantes del pop, como REM y U2.
Además del único sencillo nº 1 del grupo, "Need You Tonight", las canciones "New Sensation", "Devil Inside" y la emotiva balada "Never Tear Us Apart" encontraron un puesto en la lista de sencillos del Top Ten de Billboard. Sin embargo, no fueron los sencillos los que hicieron de Kick un disco atractivo que los distinguía de los primeros álbumes del grupo, sino que se debió, más bien, a la clara ausencia de rellenos. Prácticamente todas las canciones presentaban una calidad similar.
De esa manera, el disco se convirtió en un éxito con ventas millonarias, como nunca volvería a experimentar INXS. El álbum alcanzó el nº 3 en el Billboard 200.
Kick fue publicado en enero de 1987 y vendió 7 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80´s.


Contenido del disco:

1) Guns In The Sky
2) New Sensation
3) Devil Inside
4) Need You Tonight
5) Mediate
6) Loved One
7) Wild Life
8) Never Tear Us Apart
9) Mystify
10) Kick
11) Calling All Nations
12) Tiny Daggers


+ Info >> Biografía de INXS

Breves >> Midnight Oil

Midnight Oil saltó a la fama en el año 1987, gracias a su hit global, "Beds Are Burning", un llamado de atención al mundo por la usurpación, por parte de diversas compañías, de tierras pertenecientes a los aborígenes australianos. Fue uno de los grandes temas de la década de los 80's y una de las pocas canciones con temática política que también se podía bailar.

La carrera de Midnight Oil arranca en 1971, cuando algunos estudiantes se disponen a hacer ruido sin demasiado sentido. El hobby dura cuatro años bajo el nombre de Farm, hasta que conocen a Peter Garrett, un extraño cantante, muy alto y con la cabeza rapada, quien les propone un curso de acción más interesante. El grupo cambia su nombre, pasa a llamarse Midnight Oil, y busca, sin suerte, un contrato profesional. Como les iba bien en los shows en vivo, editan su primer álbum en 1978 de manera independiente.

Tres años más tarde y con sus trabajos vendiendo de manera consistente, atraen la atención de Columbia Records que los ficha y los proyecta internacionalmente. En 1984 editan Red Sails in the Sunset, álbum con el que logran un éxito menor en el terreno internacional gracias al hit "When The Generals Talk". En ese mismo momento, INXS abre una ventana para la música australiana con su éxito internacional, y Midnight Oil supo aprovechar el hueco con Diesel And Dust, de 1987, al tiempo que su tema "Beds Are Burning" alcanza el Top 20 en Estados Unidos. "The Dead Heart", si bien logró un reconocimiento menor, sirvió también para cimentar su éxito.

Peter Garrett, en ese entonces, era un conocido líder ecológico en su tierra natal, y casi gana un lugar en el senado. El disco de 1990 Blue Sky Mining continuó con la temática ambientalista, oponiéndose a las minas en cielo abierto. El reconocimiento mundial seguía firme. La presentación del grupo frente a las oficinas de la petrolera Exxon en Nueva York, para protestar por el derrame de petróleo en las costas de Alaska, llamó la atención mundial.

Earth And Sun And Moon (1993) fue uno de los mejores álbumes de la carrera de Midnight Oil, pero las ventas no fueron las mismas. Algo parecido sucedió con el álbum posterior, Breathe (1996). Su momento parecía haber pasado. Eso y el creciente interés de Peter Garrett por la política hicieron que Midnight Oil se separara en 2002.

Se volvieron a juntar en 2005 para un show benéfico, pero tras el mismo decidieron que la banda había cumplido su ciclo.

Adam Ant >> biografía

Adam Ant es uno de esos fenómenos de la música que llegan y salen con la fuerza de un huracán. Una canción basta para que en dos semanas la gente se vuelva loca y con la misma velocidad la olvide. Inicialmente, Adam Ant se basó en el uso intenso de la guitarra propio del post-punk, más tarde pasó al pop y luego retornó como un cantante para el público adulto. Sus grabaciones, más que influyentes, eran una muestra de los movimientos en los que se inscribió.

Stuart Leslie Goddard (Adam Ant), nació en londres el 3 de noviembre de1954. Hijo único de una familia de trabajadores, tuvo las oportunidades básicas de estudio de un chico de su generación.

Terminada su secundaria, a inicios de los setenta, se enroló en Bazooka Joe, una banda con la que estuvo hasta 1975 cuando se marchó para formar su propio grupo: The B-Sides. Al mismo tiempo cambió su nombre a Adam Ant y su esposa se lo cambió a Eva.

Para 1977 se había divorciado y abandonó la universidad para dedicarse enteramente a la música. Entonces formó un grupo post-punk llamado Adam and the Ants en el que estaba el guitarrista Lester Square, el bajista Andy Warren y el baterista Paul Flanagan. Envueltos en vendas, se convirtieron en un éxito local y tuvieron algunas apariciones nacionales. El grupo era más teatral que los demás grupos punk e incluían objetos e imágenes sadomasoquistas.

Ansioso por alcanzar la fama y un contrato con algún estudio de grabación, el grupo reclutó al antiguo manager de los Sex Pistols, Malcom McLaren. A finales de 1979 ya habían grabado su primer álbum: "Dirk Wears White Sox". La contratación de McLaren trajo consigo un cambio de imágen y de estilo musical. Por una parte el grupo empezó a vestirse como piratas y por otro lado su música se volvió más pop.

Desafortunadamente, después de la salida del disco, McLaren convenció a las hormigas (Ants) de dejar a Adam y convertirse en el grupo de rock Bow Wow Wow.

Inmediatamente Adam rearmó la banda con el guitarrista Marco Pirroni, el bajista Kevin Mooney y los bateristas Terry Le Miall y Chris "Merrick" Huges. Bautizaron su ritmo como Antmusic, aunque los especialistas lo llamaron New Wave. Su primer LP fue "Kings of the Wild Frontier" que alcanzó un éxito comercial impresionante con tres canciones que llegaron al Top Ten inglés: "Dog Eat Dog", "Antmusic" y el tema homónimo del disco. Los temas venían acompañados de videos cargados de maquillaje que llamaban la atención de todo el mundo y explotaban la figura estilizada de Adam Ant.

Sin embargo, con el éxito llamando a las puertas, la banda se volvió a separar después de la salida de "Prince Charming", el LP de 1981. A pesar de ello, Ant continuó su relación musical con Marco Porroni y, a partir de ello, lanzó su carrera en solitario con el disco de 1982 "Friend or Foe". El álbum fue un éxito en Estados Unidos obteniendo un disco de oro y llevando al sencillo "Goody Two Shoes" al número 1. También se extrajeron "Friend or Foe" y "Hello, I Love You".

En 1983 volvió con "Strip", un disco que fracasó en Estados Unidos pero que incluía el sencillo "Puss 'n' Boots" producido por Phil Collins y que llegó al Top Ten inglés.

Justo después de ese éxito parcial vino el álbum "Vive Le Rock", que hacía referencia al rock de los años 50's y que fue producido por Tony Visconti, el mismo que produjo a los T-Rex y a David Bowie. Luego vendría su presentación en Live Aid y con ella una pausa en su carrera musical para dedicarse de lleno a la actuación.

En 1990, Adam Ant regresó con el disco "Manners and Physique", un proyecto cargado a lo electrónico y producido por el ex bajista de Prince, Andre Cymone. Con ese disco, Ant volvió a las listas con "Room at the Top". A ese álbum le siguió "Persuasion", pero la disquera MCA decidió no publicarlo y Ant volvió a las pantallas.

Cinco años más tarde regresaría con "Wonderful", un disco basado en la música de los Beatles, usando guitarra y el tradicional apoyo del sintetizador. Desafortunadamente, el disco empezó a despegar con el tema que le daba nombre al disco cuando Ant cayó enfermo y eso lo forzó a no llevar a cabo una gira mundial.

De alguna manera, su estilo musical aún se puede escuchar en el trabajo de Elastica, Nine Inch Nails y Suede.

Queen >> biografía

La década de los ochenta fue el período en el que el cuarteto británico Queen produjo música que fue de lo mitológico a lo desenfrenado. Pero los invito a conocer la historia desde el principio...

En 1968 Brian May y Tim Staffell, ambos estudiantes del Colegio Imperial, decidieron formar un grupo de rock. Brian colocó un anuncio en el periódico del colegio solicitando un baterista tipo Ginger Baker. El llamado fue respondido por Roger Taylor, quien finalmente obtuvo el puesto. Así nació Smile, que en 1969 obtuvo un contrato de grabación con Mercury Records.

Tim Staffell estudiaba en el Colegio Ealin de Artes. Fue allí donde conoció a Freddie Bulsara y lo llevó a conocer a la banda. Bulsara era originario de la isla Zanzíbar en el Océano Índico (hoy parte de Tanzania) y había llegado a Inglaterra junto a sus padres. Desde entonces Freddie se convirtió en admirador del grupo. En 1970 la banda se separa y Tim busca un camino propio, mientras que Freddie Bulsara abandona el grupo del que formaba parte, Wreckage, y se une a Taylor y May.

En ese momento Bulsara se convierte en Freddie Mercury, la banda es rebautizada como Queen y le piden a John Deacon que toque el bajo de forma permanente para el grupo, ya que anteriormente habían tenido tres bajistas temporales.

Empezaron entonces ensayos extenuantes y presentaciones para amigos del Colegio Imperial, mientras les ofrecieron probar el equipo de un nuevo estudio a cambio de producir cintas de demostración (demos) en las que nadie se interesó. Finalmente, en 1972, el estudio Trident mostró interés en ellos y los puso a grabar su primer disco, pero en los horarios vacíos de la casa, además de pagarles 60 libras esterlinas por semana.

En 1973 Trident firma un acuerdo con EMI para que Queen pueda producir y publicar su disco en julio. Para promover el álbum los pusieron como teloneros en la gira del grupo Mott The Hoople. Sin embargo, la sensación general era que el grupo era mucho más que eso.

"Queen II", la segunda placa, salió en marzo del 1974, luego de que la banda insistiera que se arreglara la portada por un defecto de impresión. Nuevamente, acompañando a Mott The Hoople, Queen se embarca en una gira que los lleva a Estados Unidos, pero que tiene que ser suspendida cuando Brian May se desmaya producto de la hepatitis. Ese mismo año, en noviembre, lanzan otro disco ("Sheer Heart Attack!") que se convierte en un éxito de ventas tanto en Inglaterra como en Estados Unidos.

Al año siguiente inician una gira por EEUU. La venta de entradas para los conciertos fue tan buena que en algunas localidades tuvieron que presentarse dos veces el mismo día. Esa misma razón hizo que Mercury enfermara de la garganta y algunas presentaciones tuvieran que ser canceladas.
Así empezaba 1975 cuando contrataron a Jim Beach, un abogado especializado en asuntos de la industria musical, a quien encargaron cerrar la relación con Trident. El sello no ofrecía el apoyo de antes y eso los tenía molestos. Ese mismo año implicó visitas a Canadá y Japón.

En junio empiezan a grabar un nuevo disco mientras se separaban de Trident. En ese disco venía "Rapsodia Bohemia". Nadie creía que esa canción pudiera tener éxito, más si se tenía en cuenta que duraba casi 6 minutos. Mercury le entregó una copia de la canción a un programador amigo en Londres para que nada más la escuchara. El amigo desobedeció y la puso al aire catorce veces en dos días. A partir de ahí, no hubo una radio que se preciara de ser seria que no quisiera poner la canción en toda su extensión. De hecho, el video que se produjo para ese tema fue pensado en términos de aumentar el impacto del disco.

La popularidad del grupo fue tal que en una ocasión sus admiradores fueron llamados a la filmación de uno de sus videos: "We Are The Champions". Dentro del nuevo Teatro de Londres filmaron una y otra vez las escenas con un público complaciente y obediente. En agradecimiento, la banda improvisó un concierto para sus fans.

Pero el atractivo del grupo era el cantante Freddie Mercury, quien conocía bien la historia musical británica, además de la música popular de la época. Su versatilidad era tal que pasó de lo más clásico del blues al rock más divertido en "Crazy Little Thing Called Love". Durante los años setenta ese estilo los convirtió en uno de los espectáculos que debían ser vistos. En los ochenta, al fundirse con estilos más funk, entraron en metamorfosis creativa, aunque no de ventas.

Fue así como en el disco "The Game" (1980) se incluyeron sintetizadores, en contraste con "Rapsodia Bohemia". De la mano de "Another One Bites The Dust" el álbum se convirtió en un éxito de ventas que sólo en Canadá fue cinco veces platino. En Estados Unidos estuvo en la cima de tres listas a la vez (Disco, Soul y Rock) y se llevó el premio respectivo de Billboard. Su gira de 1981 los trae a latinoamérica acompañados de 45 millones de discos vendidos. Llenaron estadios en Buenos Aires, Río de Janeiro y Sao Paulo.

También en los años ochenta vinieron las carreras en solitario, que salvo por Deacon, el resto se dedicó a aprovechar con bastante éxito. Lo significativo es que nunca descuidaron al grupo que les dió fama y reconocimiento. En 1984 con la salida de la placa "The Works" el grupo empieza a experimentar con sonidos más electrónicos. Del disco se extrajeron "Radio Ga Ga" y "I Want To Break Free". La primera es un canto melancólico a la radio, y la segunda una suerte de liberación creativa expresada en el video, que no fue puesto al aire por MTV.

Para entonces el reconocimiento de su trabajo era tal que en el concierto "Live Aid" fueron considerados por la prensa y el público como los destacados del show. La banda entró en una fase más madura produciendo obras en conjunto y por separado que recogían lo mejor de los setenta y los ochenta, no sólo en los éxitos, sino también en la calidad de su producción. La muestra del nivel de trabajo fue "Barcelona", que cantó Freddie Mercury con Montserrat Caballé en 1988.

En 1989 lanzan "The Miracle" y en 1991 "Innuendo", el último disco de la banda antes de la muerte de Freddie Mercury a causa del SIDA ocurrida el 24 de noviembre de ese año. Ambos contenian éxitos como "I Want It All", "The Invisible Man" y "The Show Must Go On".
Finalmente, en 1995, la banda lanza su último disco: "Made in Heaven", un álbum reflexivo, introspectivo y una despedida de quien sabía que era hora de cerrar un círculo para comenzar una nueva etapa.

The Beach Boys >> biografía

Los Beach Boys fueron quizás la primera banda de rock, ya que antes existían formaciones que acompañaban a solistas, y la más importante de las bandas en Estados Unidos antes de la llegada de los Beatles.

Brian Wilson fue el primer artista en tener control total de un estudio de grabación, a pesar de que apenas era un adolescente. Gracias a la influencia del primo de Brian, Mike Love, el grupo se convirtió en una suerte de clásico que es visto como la materialización de la nostalgia con canciones sobre autos, chicas y surf: la representación del sueño californiano. Su aparición, junto con la de Mamas and The Papas, implicó el desarrollo de un sonido diferente basado en coros y armonías que pronto fue bautizado como "el sonido de California".

La vocación de Wilson por la música era innata. Tarareaba antes de empezar a hablar. Tanto su madre como su padre lo llevaron por esa vía, y de hecho su padre era un compositor fracasado que empujó a sus hijos a estudiar música. La mayoría de la biografías, así como la película sobre la banda, presentan al padre como un obsesivo con la disciplina, de lo que devendría luego los problemas mentales de Brian.

Siendo aún niños, Brian juntaba a sus dos hermanos, Dennis y Carl, en torno al piano a cantar en coro: luego se unirían su primo Mike Love y un compañero de colegio (que luego sería sustituido por Al Jardine) y formarían la banda Pendeltones en 1960.

Dennis, el único de los hermanos que alguna vez surfeó, le pidió a Brian que escribiera una canción sobre el tema que estaba de moda entre la juventud californiana. La canción "Surfin'" se convirtió en un éxito gracias a un contrato que consiguió Murry Wilson con una disquera local. Sin embargo, decidido a lo grande, llevó al grupo ante Nic Venet de Capitol Records quien los contrató bajo el nombre de The Beach Boys.

Brian empezó a inclinarse por el rock and roll debido a la pasión de su hermano menor, Carl, por la música de Chuck Berry y otros clásicos. Así, Brian mezcló el sonido coral californiano con el rock, lo que produjo una forma de música fresca y original. Otra de las pasiones de Brian era el estilo de producción de Phil Spector (de hecho Wilson dijo que su canción favorita siempre fue "Be My Baby", producida por Spector), que intentó copiar en sus grabaciones al punto que usó la orquesta de Spector, "Wrecking Crew".

Gradualmente fue desarrollando su propio estilo, lo que permitió que mejorara la idea de la pared sonora de Spector en canciones como "I Get Around" y "Good Vibrations". Pero su sello personal se manifestó en "Surfer Girl", cuya simplicidad es a la vez una muestra de la complejidad de su poder creativo.

A pesar de este despliegue de creatividad, la música de la banda era considerada adolescente y ese mercado no era importante en aquella época, por lo que su padre y la disquera lo presionaron para que empezara a producir de forma industrial al punto que generaba dos álbumes al año. Esa presión creativa y de trabajo lo llevó a su primer colapso en 1966 mientras volaban a Europa para iniciar una gira. A partir de ese momento sus apariciones en el escenario siempre fueron esporádicas.

Esta caída le dió tiempo y distancia. Eso le permitió crear las canciones de su disco más importante: "Pet Sounds". Junto con Tony Asher compusieron letra y música del álbum a la espera de que la banda regresara. El disco fue un fracaso comercial por las luchas internas de la familia y la competencia de los Beatles.

Mientras trabajaba en un proyecto todavía más ambicioso, "Smile" (considerado aún hoy como una de las mayores pérdidas de la música rock), Brian empezó a perder contacto con la realidad empujado por su adicción a drogas psicodélicas. Las drogas lo postraron en la cama por varios años.

Ni las muertes de sus hermanos Dennis y Carl, ni el éxito de "Kokomo" en 1988, lo pudieron sacar de su frágil estado mental. Ha tenido momentos de lucidez en los que compuso y produjo. Su primer disco en solitario, "Brian Wilson" de 1988, fue un fracaso. Y su segundo disco fue rechazado por la disquera.

Desafortunado y precipitado, el final de los Beach Boys no terminó exactamente con un sonido agudo, coral y dulce que rememora alegría, sol y playa. Sin embargo, su música perdura en el tiempo y nadie puede negar la importancia que han tenido en la historia del rock.

Creedence Clearwater Revival >> biografía

Se puede decir que Creedence Clearwater Revival definió el espíritu del rock and roll norteamericano en su esencia. En 1958 el rock ya estaba en marcha y, prácticamente, en cada secundaria había una banda tocando una música sin buena reputación. Uno de esos casos era la Secundaria Potola Jr, del suburbio El Cerrito de San Francisco, California.

El grupo arranca como los Blue Velvets en 1959. La formación original estaba formada por John Fogerty en la guitarra, Stu Cook en el bajo y Doug Clifford en la batería. Se unieron por la pasión de Fogerty y Clifford por el blues y el rock and roll. John Fogerty compró una guitarra Sears Silverstone y su amplificador en U$S 80,00 con un préstamo firmado por su madre y que debió pagar repartiendo periódicos. Sin embargo, Fogerty no sabía tocar y aprendió por si mismo en el sótano de su casa durante largas horas de práctica. Por su parte, Doug consiguió un redoblante usado que tocaba con unos palillos hechos a partir de unos tacos de billar viejos.

El grupo solamente tocaba versiones instrumentales de temas populares de la época. Tocaban en ferias y fiestas. Lo hacían mientras iban a la secundaria en El Cerrito, San Francisco. A pesar de ser una de las pocas bandas adolescentes del área, nunca les faltó donde tocar. Ansiosos como estaban por tocar cada día mejor, empezaron a ir a los estudios de grabación y lograron tocar como grupo de soporte para otros artistas locales. En 1959 participaron en la primera grabación para Christy Records, fueron los músicos para un cantante negro llamado James Powell. En ese entonces los miembros de la banda estaban en tercer año de secundaria.

La entrada de Tom Fogerty a la banda se dió cuando su grupo, Spider Webb and The Insects, se separó en ese año. Consciente de que tenía fuuro como cantante, le pidió a su hermano menor y su amigos de que le apoyaran grabando un demo para Pat Boone. Aunque todos los del círculo íntimo coincidieron en que el tema era bueno, Boone lo rechazó y lo devolvió con muchas observaciones. Fue entonces cuando Tom convenció a los chicos que lo necesitaban para que cantara y dado que John aún no lo hacía y solamente tocaban temas musicales, la decisión se tomó rápido. Así, Tom Fogerty y los Blue Velvets, como se llamaban ahora, empezaron a tocar en cualquier lugar que se los permitiera. Inclusive en 1961 grabaron tres discos sencillos para Orchestra Records sin mayor éxito.

Cuando en 1960 se agregó el hermano mayor de Fogerty, Tom, en la guitarra rítmica y las voces el grupo pudo empezar a tocar en bailes, y en 1964 lograrían un contrato con Fantasy Records. Sin que la banda lo supiera, la disquera los rebautizó con el nombre de los Golliwogs para que sonaran más ingleses en medio de la invasión británica. Bajo ese nombre grabaron 7 canciones que no tuvieron mayor exposición ante la audiencia. Finalmente, en 1968, la disquera relanzó el último de los sencillos del grupo, "Porterville", bajo un nombre que había escogido la misma banda: Creedence Clearwater Revival.

El nombre fue en honor de un amigo de John de nombre Creedence. El cambio de nombre le sentó bien a la banda porque de hecho era el primero que realmente les daba una identidad. La disquera había cambiado de dueños justo cuando la banda estaba empezando a hacer ruido tocando en todo lugar que se pusiera al frente y cuando bandas como Grateful Death marcaban el ritmo de la música en la bahía.

Lo de Fantasy fue una casualidad interesante. Los hermanos Fogerty estaban viendo un especial de televisión llamado "Anatomía de un hit" y se dieron cuenta que la disquera del programa era Fantasy, que quedaba del otro lado de la bahía de San Francisco. Llegaron como un tornado y cargados de material a mostrar su trabajo. En la disquera quedaron tan impresionados por el entusiasmo de los muchachos que los contrataron casi de inmediato.

Siguieron tocando por todas partes, agregando las bases militares en su agenda, y en un momento en que no había mucho trabajo John aceptó un trabajo corto en otra banda en la que pudo cantar. Así, ganó confianza en su talento como cantante. Tenía que gritar para compensar los problemas técnicos de los equipos, eso fue lo que definió su estilo. Otro cambio fue el de Stu, que pasó del piano, instrumento que originalmente lo trajo al grupo, al bajo.

Sin embargo, la música no pagaba. Los hermanos Fogerty trabajaban para mantenerse, Tom en la empresa de electricidad y John como oficinista de Fantasy. Tom tenía que mantener a su esposa y a su hijo recién nacido. Mientras, los otros dos consiguieron trabajos para poder costearse sus estudios en una universidad local.

Estando John Fogerty consolidado como guitarrista, cantante, compositor y productor, Creedence despegó con la versión neopsicodélica del tema de Dale Hawkins "Suzie Q". La canción empezó a sonar antes de que el álbum que la contenía apareciera. Los DJ de KMPX la programaron sin parar como una retribución a una de las pocas bandas que apoyó un concierto para reivindicar una huelga de programadores de radio. Bill Drake un asesor de programación de California escuchó la canción y la recomendó a todas las estaciones a las que atendía.

De ahí en adelante los éxitos se sucedieron uno tras otro mientras se formaron 6 álbumes del rock más puro entre 1968 y 1970: "Creedence Clearwater Revival" que fuera número 52, "Bayou Country" que fue número 7 empujado por "Proud Mary" (luego interpretado por Tina Turner), "Green River" también fue nº 7 apoyado por el número 2 de "Green River". Luego siguieron "Willie and the Poorboys" (nº 3), "Cosmo's Factory", su único número 1 en los álbumes, y "Péndulo". Diez de sus canciones llegaron al Top Ten, aunque ninguna fue número 1. A pesar de que el grupo no tenía un perfil político, algunas de sus canciones representaron el pensamiento de la época y la percepción sobre la guerra de Vietnam, por ejemplo "Fortunate Son" y "Who'll Stop the Rain", que aún hoy siguen representando esos ideales.

Su participación en Woodstock en 1969 vino empujada por sus primeros tres discos. La presentación no fue memorable porque tocaron después de Grateful Death a las 3 de la mañana, cuando todo el mundo dormía. Se sintieron tan incómodos con su actuación que pidieron no aparecer en la película.

Pero fue ese rol protagónico de John Fogerty el que sembró la semilla de la separación. Su hermano mayor se marchó porque no lograba congeniar con el estilo de música y porque sentía que no estaba dando todo lo que podía. Siguieron como trío pero funcionando como una democracia. Sin embargo, ese término es bastante ambiguo cuando hay tres concepciones. El resultado fue "Mardi Gras", probablemente, el peor disco grabado por una banda de la importancia de Creedence.

Creedence Clearwater Revival se separó el 16 de octubre de 1972. Fue una banda progresiva y anacrónica al mismo tiempo. Como un monumento a la era dorada del rock and roll, rompieron las filas del movimiento psicodélico de San Francisco. Su perspectiva era muy básica y sin compromisos, aferrada únicamente a los orígenes de clase trabajadora de las familias de sus integrantes. El término "Rock de Raíz" aún no había sido denotado cuando entraron en escena, pero en términos generales ellos lo definieron de la misma manera que Little Richard, Hank Williams, Elvis Presley y Chuck Berry.