Supertramp >> biografía

Formada en Londres en 1969, Supertramp se desarmó en 1971, se rearmó en 1973, se desarmó nuevamente en 1988 y se volvió a formar en 1997. Quizás es por ese ir y venir que Supertramp no ha tenido la permanencia en las listas que una banda de su talla merece.

Cuenta la historia que en 1969 Richard Davies conoció al millonario holandés Stanley August (comúnmente conocido como Sam) en Munich, Alemania, mientras tocaba en una banda llamada "The Joint". El millonario le ofreció a Davies su patrocinio a cambio de que formara una nueva agrupación, a lo que accedió con prontitud. Colocó entonces un anuncio en un diario de rock en busca de músicos.

El grupo iba a llevar el nombre de "Daddy", pero ante la sugerencia de uno de los nuevos integrantes se bautizó la banda inspirados en el título del libro de 1910 de W.H.Davies: "The Autobiography of a Supertramp". El primer álbum, "Supertramp", no tuvo mayor suceso cuando salió en 1970, ya que está repleto de solos larguísimos y aburridos.

La banda se reagrupó en 1971 con el ingreso de Currie y Farrel, y el bajista original Hodgson pasó a tocar la guitarra. El segundo disco, "Indelibly Tamped", tuvo la misma suerte que el anterior. El patrocinador pagó 60 mil libras esterlinas para cancelar las deudas de la agrupación y los miembros de la banda renunciaron. Davies y Hodgson quedaron frente a un proyecto que no parecía tener futuro.

En 1973 se forma entonces la banda por tercera vez. Ahora entran Helliweg, Thompson y Siebenberg. El sello grabador A&M instala la banda en una granja y les asigna al productor Ken Scott para orientar el trabajo. El resultado fue el LP "Crime Of The Century", un disco muy bien producido que los trasladó a los primeros planos de la industria musical.

En ese disco, además, se desarrolla el estilo de piano eléctrico de la agrupación, quizás donde más se aprecia este estilo es en la canción "Dreamer" de 1975 que llegó al puesto nº 13 de las listas de popularidad inglesas. Le siguió "Crisis? What Crisis?", que se colocó en el número 44 de las listas norteamericanas.

En 1977, Supertramp contrata al ingeniero de sonido de los Beatles, Geoff Emerick, para el LP "Even In The Quietest Moments". El disco produjo el éxito "Give a Little Bit" que llegó al número 20 en Estados Unidos y al número 29 en Inglaterra. La canción tiene un trabajo instrumental bastante peculiar que la hace moverse entre lo progresivo, lo melódico y el pop.

El 29 de marzo de 1979 lanzan "Breakfast in America", un disco que les daría 4 éxitos seguidos. El más sonado fue "The Logical Song", que llegó al número 6 en Estados Unidos, y una semana más tarde la canción "Breakfast in America" llegaba al noveno lugar de las listas inglesas. Ahora movían el mundo de la música, tanto que la revista Rolling Stone les dedicó su artículo principal en la edición del 12 de julio. Luego vino "Good Bye Stranger", que llegó al puesto nº 15 en la lista de Billboard y "Take The Long Way Home" que llegó al número 10 el 15 de diciembre.

En septiembre de 1980 lanzan un disco doble, en vivo: "Paris". La versión en vivo de "Dreamer" llega al número 15 en las listas y "Paris" llega al puesto nº 7 en Inglaterra. Este es el momento en que la banda declina y no logra repetir esta sucesión de éxitos porque no lee el cambio que venía en los ochenta con sonidos más electrónicos y sofisticados.

Sin embargo, sus experimentos mezclando ritmos con pasajes de archivos sonoros quizás marcó el inicio del "sampleo", esa costumbre posmoderna de despojar de sentido a las partes y construir un todo nuevo carente de fundamento y asidero en la realidad.

Para los años 90's, con algunos años encima y con cierta experiencia de vida, la banda se reunió para lanzar un disco de éxitos. Ese reencuentro llevó a la reformación definitiva en 1997. Como resultado está el disco "Slow Motion", que sin haber sido un éxito en ventas, es una experiencia sonora rica e interesante.

+ Supertramp en D-audio >> "Breakfast in America" (1979)

Carly Simon >> biografía

Carly Simon fue una de las artistas llamadas "confesionales", por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70's.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años 60's ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".

Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.

Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90's se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

No Secrets, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue Top Ten Hotcakes, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó "Haven't Got Time for the Pain" que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

Playing Possum de 1975 y Another Passenger de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. "Nobody Does It Better" vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.

Boys in the Trees, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos, Spy de 1979 y June de1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Óscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado My Romance. Seis meses después puso a la venta Have You Seen Me Lately? en el que todo el material era original.

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

Breves >> Marvin Gaye

Marvin Gaye fue un riguroso cronista social, adelantado a su época por hablar de ecología y otras cuestiones vitales para el planeta y sus habitantes, mientras sus colegas se acicalaban para ir a la discoteca, y fue también uno de los más grandes renovadores de la música negra y del rock en general. Gaye fue una de las principales figuras del sello Motown, donde comenzó su carrera como baterista y haciendo coros para otros artistas. En 1961 grabó su debut como solista, The soulful moods of Marvin Gaye, sin demasiada repercusión. No obstante, poco después llegarían los primeros éxitos. El álbum That stubborn kinda' fellow (1963) contenía tres de sus mejores canciones: la que da nombre al disco, "Hitch Hike" y "Pride And Joy".

Durante los años 60's grabó varios dúos junto a artistas femeninas de la Motown como Mary Wells, Kim Weston y, especialmente, Tammi Terrell. En 1968 lanzó el que sería el single más vendido del sello en la decada de los 60's, "I Heard It Through The Grapevine", con un sonido más duro que el de sus comienzos.

En los años 70's, Motown le dió una mayor autonomía creativa a algunos de sus artistas, entre ellos Marvin Gaye, quien se despachó con su obra cumbre: What's going on, de 1971. Con este disco, Gaye inauguró la era del soul político: en "Mercy Mercy Me (The Ecology)", por ejemplo, habló de ecología por primera vez en una canción de rock. Otros temas hacen referencia a la guerra de Vietnam, la corrupción y el abuso de drogas. Musicalmente, el álbum está lejos de la fresca simpleza que caracterizaba al sello, con un sonido oscuro, lánguido, jazzero y hasta influido por la música clásica. Muchos lo consideran el mejor álbum de soul de la historia.

En su siguiente trabajo, Let's get it on (1973), volvió a cambiar el rumbo, volcándose a la elegancia y la sensualidad. En tanto, Here my dear, de 1976, retrata con crudeza los pormenores de su malogrado matrimonio con Anna Gordy (hermana de Berry, propietario de Motown). Tan personal es el álbum que su ex esposa pensó en demandarlo por invadir su privacidad.

En los primeros años de la década de los 80's se radicó en Hawaii y luego en Europa. Allí grabó su último disco con Motown (In our lifetime, 1981) para luego firmar con Columbia Records y publicar Midnight love en 1982. Este último disco, y especialmente el tema "Sexual Healing", renovaron la popularidad de Gaye. No obstante, el artista pasaba momentos difíciles, producto de su adicción a la cocaína.

En 1984, intentando refugiarse de las drogas, se mudó a la casa de sus padres. Pero la idea resultó contraproducente: las discusiones con su padre eran constantes, hasta que éste, en medio de una disputa, le disparó en el corazón. Gaye murió en el acto, poco antes de cumplir 45 años.

Donna Summer >> biografía

Indiscutiblemente, Donna Summer es y será la reina del Disco. Lo positivo es que esto le ha dejado un lugar en la historia de la música pop, pero por otra parte eso mismo la convirtió en un símbolo de una era que ya pasó, lo que explica porqué sus múltiples proyectos extra-Disco nunca alcanzaron lugares importantes en las listas de popularidad o se convirtieron en éxitos descomunales de venta.

Nació bajo el nombre de Donna Gainnes en el poblado de Dorchester, en Massachussets (EEUU), el 31 de diciembre de 1948. De niña actuó en los coros de la iglesia y en 1967 debutó como cantante pop en el Boston's Psychedelic Supermarket en una banda de rock llamada The Crow.

Acto seguido, abandonó los estudios y viajó a Europa con la producción alemana de la ópera rock Hair, y en 1971 se casa en Austria con Helmut Sommer, de quien adopta su apellido con una pequeña variación. Ese mismo año graba su primer sencillo: "Sally Go 'Round The Roses".

En 1973 se encuentra con los productores Giorgio Moroder y Peter Mellote con quienes graba "The Hostage", su primer éxito en el viejo continente. Sería hasta 1975 con "Love To Love You Baby" que llegaría a las listas norteamericanas. Era una mezcla de disco y dance de 17 minutos en la que la cantante producía sonidos de claro contenido sexual.

A partir de ahí las cosas empezaron a despegar, y entre 1978 y 1980 logró colocar 8 canciones en el Top Ten de las listas norteamericanas. Con la salida del Disco de la moda, lamentablemente se fue el éxito de Donna Summer.

Luego de convertirse nuevamente al cristianismo logró un éxito con "The Wanderer" en 1980 y con "She Works Hard For The Money" en 1983. Sin embargo, tuvo que esperar hasta 1989 para volver a los primeros puestos de las listas, esta vez con "This Time I Know It's For Real".

Dentro de sus grandes logros figuran haber sido la primer artista femenina en tener tres discos en el primer lugar en un año (MacArthur Park, Hot Stuff y Bad Girls), y también ser la única artista en haber logrado que tres álbumes dobles fueran nº 1 en forma consecutiva (Live And More, Bad Girls y On The Radio), además de catorce canciones en el Top Ten, cuatro nº 1, tres discos de platino, cinco premios Grammy y doce nominaciones al mismo premio.

Otros logros incluyen el haber ganado el Óscar a la Mejor Canción con "Last Dance" en 1978, y lo mismo ocurrió con el Globo de Oro.

Donna Summer todavía tiene fervientes admiradores (conozco uno en Puerto Rico !!), aunque hay quienes la desvaloran como cantante porque la encasillan dentro de un género musical, al que hace mucho tiempo superó como lo muestran sus últimas grabaciones.

Señoras y señores, es una cantante, una verdadera artista, no una moda.

+ Donna Summer en D-audio >> Breakaway [remix] (1992)

The Beach Boys >> biografía

Los Beach Boys fueron quizás la primera banda de rock, ya que antes existían formaciones que acompañaban a solistas, y la más importante de las bandas en Estados Unidos antes de la llegada de los Beatles.

Brian Wilson fue el primer artista en tener control total de un estudio de grabación, a pesar de que apenas era un adolescente. Gracias a la influencia del primo de Brian, Mike Love, el grupo se convirtió en una suerte de clásico que es visto como la materialización de la nostalgia con canciones sobre autos, chicas y surf: la representación del sueño californiano. Su aparición, junto con la de Mamas and The Papas, implicó el desarrollo de un sonido diferente basado en coros y armonías que pronto fue bautizado como "el sonido de California".

La vocación de Wilson por la música era innata. Tarareaba antes de empezar a hablar. Tanto su madre como su padre lo llevaron por esa vía, y de hecho su padre era un compositor fracasado que empujó a sus hijos a estudiar música. La mayoría de la biografías, así como la película sobre la banda, presentan al padre como un obsesivo con la disciplina, de lo que devendría luego los problemas mentales de Brian.

Siendo aún niños, Brian juntaba a sus dos hermanos, Dennis y Carl, en torno al piano a cantar en coro: luego se unirían su primo Mike Love y un compañero de colegio (que luego sería sustituido por Al Jardine) y formarían la banda Pendeltones en 1960.

Dennis, el único de los hermanos que alguna vez surfeó, le pidió a Brian que escribiera una canción sobre el tema que estaba de moda entre la juventud californiana. La canción "Surfin'" se convirtió en un éxito gracias a un contrato que consiguió Murry Wilson con una disquera local. Sin embargo, decidido a lo grande, llevó al grupo ante Nic Venet de Capitol Records quien los contrató bajo el nombre de The Beach Boys.

Brian empezó a inclinarse por el rock and roll debido a la pasión de su hermano menor, Carl, por la música de Chuck Berry y otros clásicos. Así, Brian mezcló el sonido coral californiano con el rock, lo que produjo una forma de música fresca y original. Otra de las pasiones de Brian era el estilo de producción de Phil Spector (de hecho Wilson dijo que su canción favorita siempre fue "Be My Baby", producida por Spector), que intentó copiar en sus grabaciones al punto que usó la orquesta de Spector, "Wrecking Crew".

Gradualmente fue desarrollando su propio estilo, lo que permitió que mejorara la idea de la pared sonora de Spector en canciones como "I Get Around" y "Good Vibrations". Pero su sello personal se manifestó en "Surfer Girl", cuya simplicidad es a la vez una muestra de la complejidad de su poder creativo.

A pesar de este despliegue de creatividad, la música de la banda era considerada adolescente y ese mercado no era importante en aquella época, por lo que su padre y la disquera lo presionaron para que empezara a producir de forma industrial al punto que generaba dos álbumes al año. Esa presión creativa y de trabajo lo llevó a su primer colapso en 1966 mientras volaban a Europa para iniciar una gira. A partir de ese momento sus apariciones en el escenario siempre fueron esporádicas.

Esta caída le dió tiempo y distancia. Eso le permitió crear las canciones de su disco más importante: "Pet Sounds". Junto con Tony Asher compusieron letra y música del álbum a la espera de que la banda regresara. El disco fue un fracaso comercial por las luchas internas de la familia y la competencia de los Beatles.

Mientras trabajaba en un proyecto todavía más ambicioso, "Smile" (considerado aún hoy como una de las mayores pérdidas de la música rock), Brian empezó a perder contacto con la realidad empujado por su adicción a drogas psicodélicas. Las drogas lo postraron en la cama por varios años.

Ni las muertes de sus hermanos Dennis y Carl, ni el éxito de "Kokomo" en 1988, lo pudieron sacar de su frágil estado mental. Ha tenido momentos de lucidez en los que compuso y produjo. Su primer disco en solitario, "Brian Wilson" de 1988, fue un fracaso. Y su segundo disco fue rechazado por la disquera.

Desafortunado y precipitado, el final de los Beach Boys no terminó exactamente con un sonido agudo, coral y dulce que rememora alegría, sol y playa. Sin embargo, su música perdura en el tiempo y nadie puede negar la importancia que han tenido en la historia del rock.

Creedence Clearwater Revival >> biografía

Se puede decir que Creedence Clearwater Revival definió el espíritu del rock and roll norteamericano en su esencia. En 1958 el rock ya estaba en marcha y, prácticamente, en cada secundaria había una banda tocando una música sin buena reputación. Uno de esos casos era la Secundaria Potola Jr, del suburbio El Cerrito de San Francisco, California.

El grupo arranca como los Blue Velvets en 1959. La formación original estaba formada por John Fogerty en la guitarra, Stu Cook en el bajo y Doug Clifford en la batería. Se unieron por la pasión de Fogerty y Clifford por el blues y el rock and roll. John Fogerty compró una guitarra Sears Silverstone y su amplificador en U$S 80,00 con un préstamo firmado por su madre y que debió pagar repartiendo periódicos. Sin embargo, Fogerty no sabía tocar y aprendió por si mismo en el sótano de su casa durante largas horas de práctica. Por su parte, Doug consiguió un redoblante usado que tocaba con unos palillos hechos a partir de unos tacos de billar viejos.

El grupo solamente tocaba versiones instrumentales de temas populares de la época. Tocaban en ferias y fiestas. Lo hacían mientras iban a la secundaria en El Cerrito, San Francisco. A pesar de ser una de las pocas bandas adolescentes del área, nunca les faltó donde tocar. Ansiosos como estaban por tocar cada día mejor, empezaron a ir a los estudios de grabación y lograron tocar como grupo de soporte para otros artistas locales. En 1959 participaron en la primera grabación para Christy Records, fueron los músicos para un cantante negro llamado James Powell. En ese entonces los miembros de la banda estaban en tercer año de secundaria.

La entrada de Tom Fogerty a la banda se dió cuando su grupo, Spider Webb and The Insects, se separó en ese año. Consciente de que tenía fuuro como cantante, le pidió a su hermano menor y su amigos de que le apoyaran grabando un demo para Pat Boone. Aunque todos los del círculo íntimo coincidieron en que el tema era bueno, Boone lo rechazó y lo devolvió con muchas observaciones. Fue entonces cuando Tom convenció a los chicos que lo necesitaban para que cantara y dado que John aún no lo hacía y solamente tocaban temas musicales, la decisión se tomó rápido. Así, Tom Fogerty y los Blue Velvets, como se llamaban ahora, empezaron a tocar en cualquier lugar que se los permitiera. Inclusive en 1961 grabaron tres discos sencillos para Orchestra Records sin mayor éxito.

Cuando en 1960 se agregó el hermano mayor de Fogerty, Tom, en la guitarra rítmica y las voces el grupo pudo empezar a tocar en bailes, y en 1964 lograrían un contrato con Fantasy Records. Sin que la banda lo supiera, la disquera los rebautizó con el nombre de los Golliwogs para que sonaran más ingleses en medio de la invasión británica. Bajo ese nombre grabaron 7 canciones que no tuvieron mayor exposición ante la audiencia. Finalmente, en 1968, la disquera relanzó el último de los sencillos del grupo, "Porterville", bajo un nombre que había escogido la misma banda: Creedence Clearwater Revival.

El nombre fue en honor de un amigo de John de nombre Creedence. El cambio de nombre le sentó bien a la banda porque de hecho era el primero que realmente les daba una identidad. La disquera había cambiado de dueños justo cuando la banda estaba empezando a hacer ruido tocando en todo lugar que se pusiera al frente y cuando bandas como Grateful Death marcaban el ritmo de la música en la bahía.

Lo de Fantasy fue una casualidad interesante. Los hermanos Fogerty estaban viendo un especial de televisión llamado "Anatomía de un hit" y se dieron cuenta que la disquera del programa era Fantasy, que quedaba del otro lado de la bahía de San Francisco. Llegaron como un tornado y cargados de material a mostrar su trabajo. En la disquera quedaron tan impresionados por el entusiasmo de los muchachos que los contrataron casi de inmediato.

Siguieron tocando por todas partes, agregando las bases militares en su agenda, y en un momento en que no había mucho trabajo John aceptó un trabajo corto en otra banda en la que pudo cantar. Así, ganó confianza en su talento como cantante. Tenía que gritar para compensar los problemas técnicos de los equipos, eso fue lo que definió su estilo. Otro cambio fue el de Stu, que pasó del piano, instrumento que originalmente lo trajo al grupo, al bajo.

Sin embargo, la música no pagaba. Los hermanos Fogerty trabajaban para mantenerse, Tom en la empresa de electricidad y John como oficinista de Fantasy. Tom tenía que mantener a su esposa y a su hijo recién nacido. Mientras, los otros dos consiguieron trabajos para poder costearse sus estudios en una universidad local.

Estando John Fogerty consolidado como guitarrista, cantante, compositor y productor, Creedence despegó con la versión neopsicodélica del tema de Dale Hawkins "Suzie Q". La canción empezó a sonar antes de que el álbum que la contenía apareciera. Los DJ de KMPX la programaron sin parar como una retribución a una de las pocas bandas que apoyó un concierto para reivindicar una huelga de programadores de radio. Bill Drake un asesor de programación de California escuchó la canción y la recomendó a todas las estaciones a las que atendía.

De ahí en adelante los éxitos se sucedieron uno tras otro mientras se formaron 6 álbumes del rock más puro entre 1968 y 1970: "Creedence Clearwater Revival" que fuera número 52, "Bayou Country" que fue número 7 empujado por "Proud Mary" (luego interpretado por Tina Turner), "Green River" también fue nº 7 apoyado por el número 2 de "Green River". Luego siguieron "Willie and the Poorboys" (nº 3), "Cosmo's Factory", su único número 1 en los álbumes, y "Péndulo". Diez de sus canciones llegaron al Top Ten, aunque ninguna fue número 1. A pesar de que el grupo no tenía un perfil político, algunas de sus canciones representaron el pensamiento de la época y la percepción sobre la guerra de Vietnam, por ejemplo "Fortunate Son" y "Who'll Stop the Rain", que aún hoy siguen representando esos ideales.

Su participación en Woodstock en 1969 vino empujada por sus primeros tres discos. La presentación no fue memorable porque tocaron después de Grateful Death a las 3 de la mañana, cuando todo el mundo dormía. Se sintieron tan incómodos con su actuación que pidieron no aparecer en la película.

Pero fue ese rol protagónico de John Fogerty el que sembró la semilla de la separación. Su hermano mayor se marchó porque no lograba congeniar con el estilo de música y porque sentía que no estaba dando todo lo que podía. Siguieron como trío pero funcionando como una democracia. Sin embargo, ese término es bastante ambiguo cuando hay tres concepciones. El resultado fue "Mardi Gras", probablemente, el peor disco grabado por una banda de la importancia de Creedence.

Creedence Clearwater Revival se separó el 16 de octubre de 1972. Fue una banda progresiva y anacrónica al mismo tiempo. Como un monumento a la era dorada del rock and roll, rompieron las filas del movimiento psicodélico de San Francisco. Su perspectiva era muy básica y sin compromisos, aferrada únicamente a los orígenes de clase trabajadora de las familias de sus integrantes. El término "Rock de Raíz" aún no había sido denotado cuando entraron en escena, pero en términos generales ellos lo definieron de la misma manera que Little Richard, Hank Williams, Elvis Presley y Chuck Berry.

Rod Stewart >> biografía

Rod Stewart nació bajo el nombre de Roderick David Stewart el 10 de enero de 1945 en Highgate, Londres, Inglaterra.

Probablemente su nacimiento fue un presagio del impacto de su vida en la cultura pop, ya que ocurrió cuando faltaban 6 meses para el final de la Segunda Guerra Mundial. Media hora después de ver la luz, un cohete V2 alemán se estrelló a unos metros de su casa destruyendo el cuartel de policía de la localidad.

La verdadera pasión de Rod Stewart era el fútbol, y empujado por su padre empezó a practicarlo con la mira fija en llegar a ser una gran estrella. Estuvo jugando en las categorías inferiores del club Brentford, pero esta afición se fue apagando al ver que no le llegaban contratos profesionales, así que a inicios de los años 60's se dedicó a recorrer Europa con su amigo Wizz Jones y una guitarra.

Sin embargo, el viaje terminó en 1963 en la costa francesa de St. Tropez, cuando lo arrestan por vago y el cónsul británico lo envía de regreso a Inglaterra. Nuevamente en Londres y con la suerte maltrecha decide armar su propia banda, que finalmente se convertirían en varias.

Durante un año estuvo rodando de una ciudad a otra mientras se presentaba con bandas de poca monta y cantaba Rhythm and Blues. En ellas se topó con personajes que más tarde se convertirían en leyendas como John Paul Jones (de Led Zeppelin) o Mick Fleetwood (de Fleetwood Mac). Pasó por los “Jimmy Powell & The Five Dimensions”, “Southampton”, “Shotgun Express” y por los “Hoochie Coochie Men”. En este último grupo John Baldry, su líder, lo contrata para que cante con él y toque la harmónica. Recibía 35 libras esterlinas por semana.

En el interin Stewart firmó un contrato con Decca Records para lanzarse en solitario. Sin embargo, la aventura no tuvo mayor éxito.

Promediaba 1965 y el promotor de Baldry decide formar el grupo "The Steampacket" en el que aparecían, además de él, Rod Stewart y Julie Driscoll. La banda era un rejuntado de "Long John Baldry & The Hoochie Coochie Men" y "Brian Auger's Trynity". Tuvieron un gran inicio porque sirvieron de banda de apoyo de los Rolling Stones y los Animals, pero terminando la gira decidieron separarse porque cada uno quería seguir caminos diferentes en lo artístico.

En menos de un año Rod Stewart ya formaba parte de la banda de Jeff Beck. El grupo tocaba un blues pesado y eso encajó con el gusto de la época. En esta formación hizo de cantante principal y estaba acompañado por Jeff Beck y el que sería guitarrista de los Stones, Ron Wood.

Las primeras actuaciones fueron un desastre y eso estuvo a punto estuvo de deshacer el grupo. De alguna manera Beck trasmitía que el resto del grupo era inexperto y eso costaba caro a lo interno y a lo externo. Aun así siguieron tocando por Europa y Estados Unidos. En 1968 se editó en plena gira americana el primer álbum: "Truth", y meses más tarde se editó el segundo: "Beck-Ola". Después del segundo álbum el grupo tenía proyectos por separado: Beck quería seguir profundizando en la música, mientras que Rod Stewart y Ron Wood estaban a un paso de integrarse a los "Small Faces". En 1969 el grupo se separó.

Lo que quedó del "Jeff Beck Group" y los "Small Faces" sirvió para formar una de las bandas más importantes de finales de los sesenta: The Faces. El grupo quedó integrado por Rod Stewart como cantante, Ron Wood en la guitarra, Ian McLagan al teclado, Kenny Jones en la batería y Ronnie Lane en el bajo. En total produjeron 5 álbumes ("First Step", "Long Player", "A Nod's As Good As A Wink", "Oh La La" y "Coast To Coast"), y un disco de grandes éxitos.

De manera simultánea, Stewart tenía una carrera en solitario. Eso ayudaba a la banda porque la gente también lo iba a ver a él. Su primer disco fue bajo el sello Phonogram y se tituló "An old raincoat will never let you down". Su banda de apoyo estuvo compuesta por Ron Wood, Mick Waller y Martin Quittenton, lo que le dió solidez al sonido blues que hacía de base de "Cindy Lament", "Blind Prayer", "Dirty old town" y "Handbags & gladrags". El disco no fue lo que se esperaba en lo comercial, pero la crítica lo trató bien.

Su segundo disco, "Gasoline Alley", tuvo más aplomo que el anterior y eso sirvió para que mejoraran las ventas y la popularidad del cantante.

Su siguiente sencillo vino a ser su primer número uno: “Maggie May”, que en 1971 llegó a la cima de la popularidad en Inglaterra y Estados Unidos. Lo curioso es que el tema era el lado de B de “Reason To Believe”. El tema impulsó las ventas del disco "Every Picture Tells a Story ".

Para entonces, la popularidad de Rod Stewart se empieza a convertir en un problema para la disquera de The Faces, Warner, porque era evidente que estaba perdiendo dinero. Con la salida de los subsiguientes discos vino una batalla legal entre Warner y Phonogram sobre quién era el dueño sobre los derechos de la voz de Stewart. Inusitadamente, el pleito se resuelve a favor de la Warner, y Phonogram se queda con los temas grabados hasta el disco “Smiler”. La relación de Rod Stewart con la Warner dura hasta hoy.

Como todo artista inglés exitoso, en 1975 Stewart se traslada a Estados Unidos huyendo de los impuestos de su país.

En ese tiempo los Faces estaban diezmados por el éxito de Rod Stewart. Pero la gota que colmó el vaso fue la oferta de Ron Wood para unirse a los Rolling Stones. Eso hizo que la banda se separara, y aunque hubo colaboraciones entre los miembros cuando grababan discos en solitario no se volvieron a unir hasta más adelante y para colaborar en una caridad.

Stewart vivía ahora una vida de lujo a la que no estuvo acostumbrado, pero que de alguna manera era la evolución lógica para un hijo de la posguerra. Sin embargo, esto trajo una nueva sensibilidad que se materializó en su LP "Atlantic Crossing" de 1975. En este disco esta la pegadiza "Sailing", que se convertiría en el himno de la armada de su país. Para este disco Rod se acompañó de músicos del Soul del calibre de Steve Cropper y Donald “Duck” Dunn, y puso como productor a Tom Dowd.

En 1976 vendría el LP "A night on the town" en el que se venía una canción de Cat Stevens: "The First Cut is The Deepest", y "The Killing of Georgie", una canción que compuso para un amigo homosexual asesinado en Nueva York, eso levantó sospechas sobre la supuesta homosexualidad de Stewart.

A partir de ese momento dejó sus raíces olvidadas y se pasó a la música comercial y de discoteca. A finales de los 70's y durante los años 80's "Hot Legs", "Da ya think I'm Sexy?", “Tonight I'm Yours” y "Passion", marcarían su paso por la cima de las listas y lo definirían como compositor.

Probablemente el tema que lo lanzó definitivamente a la fama fue "Da ya think I'm Sexy?" (“¿Crees que soy sexy?”), que no solo estaba influenciado por el estilo musical disco, sino por su misma forma de vida de sexo y drogas a granel. Por ese mismo tema, fue demandado por plagio por el cantante brasileño Jorge Ben, proceso del que salió bien librado.

En 1979 se casa con Alana Hamilton y con ella empieza una cadena de tres matrimonios que terminan en fracaso y una seguidilla de modelos que no dejan de encontrarle algún atractivo físico.

Durante los 80's sigue en sintonía con la audiencia joven y salen discos como “Young Hearts” y “Tonight I'm Yours” que se convierten en éxitos instantáneos. Además, se reúne con los Faces para cantar en Wembley en honor a su ex-compañero de grupo Ronnie Lane, fallecido de esclerosis múltiple.

A fines de los años 80's vendrían grabaciones con Tina Turner ("It takes two"), Ron Isley ("This old heart of mine"), Glass Tiger ("My town"), Bryan Adams y Sting ("All for love") y participa en discos homenaje como el de Carole King ("So far away") y Elton John ("Your song"). En ese mismo período su producción personal es pobre y sus conciertos se vienen a menos en 1991 cuando por una infección en la garganta debe dejar los escenarios.

En 1993 graba uno de sus discos más aclamados por la forma en que se compilan sus éxitos: "MTV Unplugged... And Seated”. En él se reúne nuevamente con Ron Wood y producen un buen sonido, profundo y maduro, algo que solo puede venir con los años.

A mediados de los 90's publica “Spanner in the Works"(1995) y "When We Were the New Boys"(1998). Son discos que se esperaban y que estaban hechos a su medida. Tras esos lanzamientos se realizaron giras americanas y europeas donde en todos los conciertos se colgaba el cartel de "no hay entradas". Stewart había vuelto a sus raíces melódicas.

También, los años 90's sirvieron para que sentara cabeza. A la salida de un hotel, en Londres, se acercó Penny Lancaster a pedirle un autógrafo. Parece que Stewart la invitó a pasar unas vacaciones juntos... que aún no han terminado.

En el año 2000 se operó de la garganta por un cáncer en las cuerdas vocales. Repuesto de la operación vino “Human” en donde asume la pose de galán maduro que mantiene hasta “Reason To Believe”.

Sin duda, la energía escénica de Rod Stewart y su adaptabilidad a los ritmos lo hicieron un fenómeno de masas. Hoy en día es un músico maduro, que se da el lujo de hacer álbumes más profundos y pausados, pero no por eso carentes de sintonía con su audiencia.

Rod Stewart en D-audio >> Have I told you lately (1993) > Disco 6

The Archies >> biografía

Fueron creados para el consumo en masa en medio de la fiebre de la música chicle. Sacados directamente de una historieta y llevados a la pantalla de la televisión, se convirtieron en un fenómeno de la música pop de fines de los años 60's e inicios de los 70's.

La mayoría de los “grupos de chicle” no tenían un rostro real, eran producidos por músicos profesionales contratados a tal efecto. A los Archies nunca se les pretendió vender como una banda real, sobre todo porque su música, incluido su gran éxito “Sugar, Sugar”, era interpretada por un grupo de adolescentes retratados en dibujos animados sacados directamente de la historieta. En realidad eran una creación de estudio dentro de la que destacaba el cantante Ron Dante.

Los personajes de los Archies eran: “Archie” Andrews, el guitarrista principal, “Reggie” Mantle en el bajo, “Torombolo” Jones en la batería, “Betty” Cooper en la pandereta y la percusión, “Verónica” Jones en teclados, y Hot Dog como la mascota.

Los Archies fueron creados por el promotor Don Kirshner en 1967. Krishner tenía todas las credenciales para el puesto dado su éxito como creador de los Monkees. A finales de ese año Krishner fue llamado por la CBS para que se encargara de la parte musical de su nueva serie de dibujos animados: Los Archies. La serie implicaba el reto de tener un tema musical nuevo en cada episodio semanal.

Entonces trajo a los productores Jeff Barry y Ellie Greenwich quienes habían sido el núcleo creativo de varios grupos femeninos de la época, incluso Greenwich interpreta varias de las canciones de los Archies.

Inicialmente, Kirshner había escogido a Kenny Karen como la voz principal del grupo, pero Barry trajo a Ron Dante, un cantante de sesión con más experiencia que ya había cantado con los Detergents, y a quien conocía de algunas sesiones de grabación de Neil Diamond.

Mientras Dante hacía la voz masculina, Jeannie Thomas se convirtió en la cantante femenina. Cuando el programa por fin se estrenó fue un éxito inmediato y su primer sencillo “Bang Shang-a-Lang” casi entra a las 20 canciones más populares a finales de 1968. Poco después, Barry contrató al compositor y cantante de respaldo Andy Kim y reemplazó a Thomas con Toni White como voz femenina. Los coros eran interpretados por Jeff Barry, Susan Morse, Joey Levine, Maeretha Stewart, Ellie Greenwich, Bobby Bloom y Leslie Miller.

Barry y Kim escribieron “Sugar, Sugar” que se convertiría en el éxito más importante de los Archies y del año 1969. Estuvo cuatro semanas encabezando la lista de las canciones más populares en Estados Unidos, dos meses lo hizo en Inglaterra, vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos y fue declarada la canción del año por la revista Billboard.

Al mismo tiempo, el programa de televisión se expandió a una hora, mientras Dante se colaba en el top ten cantando “Tracy” en un grupo llamado The Cufflinks. El siguiente sencillo (“Jingle Jangle”) llegó a colocarse en el top ten, pero a partir de ahí la presencia de los Archies en las listas empezó a desmejorar.

Su último éxito en entrar al Top 40 fue “Who's Your Baby?" a inicios de 1970. Luego Toni White sería reemplazada por Donna Marie, quien a su vez sería sustituida por Merle Miller. Sin embargo, a finales de 1970 el productor Jeff Barry dejó el proyecto de los Archies tratando de desarrollar otros nuevos. Siempre se ha dicho que esta salida fue la que terminó con la serie.

El último sencillo producido por Barry fue lanzado en 1971, se titulaba “A Summer Prayer for Peace” y era una clara crítica a la guerra de Vietnam. Irónicamente el tema fue un éxito en Sudáfrica.

Después de la separación, Ron Dante se dedicó a una corta carrera en solitario que no prosperó. Entonces se dedicó a la producción musical, trabando una muy buena relación con Barry Manilow, que produjo entre otras canciones "Copacabana". Ha producido a artistas tales como Dionne Warwick, Pat Benatar, Irene Cara, Ray Charles y John Denver. Al mismo tiempo se ha hecho famoso cantando canciones comerciales para reconocidas marcas.

Bee Gees >> biografía

Pocas bandas a lo largo de la historia experimentaron tantos cambios de estilo y tuvieron éxito en cada uno de ellos como los Bee Gees. Tampoco son muchos los grupos que, como ellos, se mantuvieron vigentes y populares del principio al fin de su carrera, pese a las duras críticas y hasta burlas que recibieron de ciertos sectores.

Maurice, Robin y Barry Gibb, tres hermanos de Brisbane, Australia, formaron el grupo siendo muy jóvenes, en 1958. En su país adoptivo (en realidad nacieron en Manchester, Inglaterra) lanzaron un LP, The Bee Gees sing and play 14 Barry Gibb songs, pero el éxito no fue el esperado. Ante ese panorama, decidieron retornar a Gran Bretaña.

Una vez en el Reino Unido, sumaron al grupo al guitarrista Vince Melouney y al baterista Colin Petersen. Con su primer single británico ("New York mining disaster 1941") se inició la que podría llamarse su primera faceta musical: canciones melódicas con toques de soul y country, e influenciadas por las armonías beatles. "Massachusetts" es otro ejemplo de esta temprana encarnación Bee Gees.

Con Odessa, su álbum de 1969, su período simple y bucólico dió paso a un sonido más complejo. Ni Odessa ni ninguno de los álbumes que la banda realizó en su etapa de pop-progresivo (entre el 1969 y 1974) tuvieron éxito comercial ni buenas reseñas de la crítica.

Entonces los Bee Gees mutaron una vez más, en esta ocasión tomando el rumbo que los haría famosos en el mundo entero.
En Main course, de 1975, dieron sus primeros pasos en la música disco, desarrollando un estilo que se volvería su marca registrada. “Jive talkin'" fue el gran hit del álbum. Children of the world, el disco del año siguiente, siguió explotando la misma veta, con temas como "You should be dancing" y "Love so right". Y luego, en 1977, la explosión: la banda de sonido de la película Saturday night fever. De la mano de "Stayin' alive", "How deep is your love", "Night fever" y otros, se pusieron a la cabeza de la legión de bandas de rock que incursionaron en la música disco. ¿Exito comercial? Llegaron a vender más que los Beatles.

Spirits having flown, de 1979, siguió en la misma línea sonora, pero los tiempos habían cambiado: la disco agonizaba, víctima del heavy metal y el punk. El fracaso de su siguiente álbum Living eyes (1981) le firmó el certificado de defunción a la música para llenar las pistas. Los primeros años de los 80's fueron épocas de desconcierto. Los tres emprendieron sus proyectos solistas, con resultados poco satisfactorios. Luego se reunieron para producir y componer para artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick, Kenny Rogers y Dolly Parton. E.S.P., de 1987, fue su disco de regreso. El álbum fue bien recibido, al igual que su sucesor One (1989). De allí en más, sus trabajos se hicieron más y más esporádicos, pero su popularidad no decayó: Still waters, su disco de 1997, fue doble platino.

Su último disco fue This is where I came in (2001). Dos años después, Maurice falleció mientras era operado por una obstrucción intestinal. Sus dos hermanos, pese a que pensaban seguir escribiendo canciones, ya no se presentarían con el nombre de Bee Gees...

Bee Gees en D-audio >> How deep is your love (1977) > Disco 2

Paul McCartney >> biografía

Como solista, Paul McCartney más de una vez necesitó que alguien lo empujara hasta terrenos algo más aventurados (tanto como John Lennon necesitó que le indicaran cuando se pasaba de ácido y vanguardista). Vista a través de las de opiniones de la crítica (que nunca terminó de aceptarlo), su producción individual aparece como irregular. Sin embargo, los músicos responden con canciones: desde “Maybe I’m amazed” (McCartney, 1970) hasta “From a lover to a friend” (Driving rain, 2001) demuestran que nadie cómo Paul para hacer lo que él mismo llamó –usando la ironía contra quienes lo defenestraban por su simpleza– “tontas canciones de amor”. Quizás no tenga el carisma de su socio, pero si a alguien le cabe el calificativo de genio en el mundo de la música es a Sir James Paul McCartney.

Su primer trabajo por fuera de los Beatles fue la banda de sonido de la película The family way, en 1966. Pero su autotitulado debut en solitario fue editado dos semanas antes del lanzamiento de Let it be, en 1970. Pese a que la prensa lo castigó atribuyéndole la separación de los Fab Four, el disco –intimista, casero, artesanal– fue un éxito a ambos lados del Atlántico. En la misma línea se inscribió su segundo álbum: Ram (1971), otra colección de temas hechos en colaboración con su esposa Linda. Ese mismo año decidió que quería volver a estar en una banda de rock y formó Wings junto a Linda, el guitarrista Denny Laine y el baterista Denny Seiwell. Wild life (1971), debut de Wings, no atrajo al público, aunque los siguientes singles sí lo hicieron: "Give Ireland back to the Irish", "Mary had a little lamb" y "Hi hi hi".

Red Rose Speedway (1973) presentó una vez más la dicotomía críticas débiles / ventas masivas. En tanto, el tema de McCartney para la película de James Bond Live and let die fue un hit en Gran Bretaña y Estados Unidos. Ese mismo año los Wings partieron a Nigeria a grabar un nuevo álbum, que sería editado meses más tarde: Band on the run. No sólo fue triple platino en EEUU sino que obtuvo las mejores reseñas de la carrera de Paul. Discos como Venus and Mars (1975), At the speed of sound (1976), el triple en vivo Wings over America (1976) y London Town (1978) confirmaron la popularidad de la banda. En el medio, editaron "Mull of Kintyre", el single más vendido de la historia británica. En cambio, Back to the egg (1979) no produjo grandes hits (aunque también fue disco de platino).

En 1980 Paul disolvió Wings y retomó su carrera como solista con McCartney II, en el cual grabó todos los instrumentos como en su debut, una década atrás. Dos años más tarde convocó al productor de los Beatles George Martín para grabar Tug of war, su trabajo mejor recibido desde Band on the run. Pipes of peace (1983), en cambio, no fue un gran logro artístico.

Durante el resto de la década Paul no tuvo la regularidad de sus inicios, pero produjo algunas cosas más que interesantes como el tema de 1984 “No more lonely nights" (una de las mejores baladas de la historia) o el álbum Flowers in the dirt (1989), coescrito junto a Elvis Costello.

En los años 90's se mostró más artísticamente inquieto que nunca: editó un unplugged para la MTV (1991), dos obras de música clásica (Liverpool Oratorio, de 1991, y The leaf, de 1995), un álbum de tecno ambient bajo el seudónimo de The Fireman, la "Anthology" de los Beatles, un disco de covers de rock n’ roll (Run devil run, 1999) y un LP pop propiamente dicho: Flaming pie (1997).

En 1998 Paul perdió a Linda, su compañera de toda la vida, víctima del cáncer. Una vez superado el mal trance contrajo matrimonio con la ex modelo Heather Mills y editó un gran álbum titulado Driving rain (2001). Con Chaos and creation in the backyard, lanzado en septiembre de 2005, rompió un silencio discográfico de cuatro años, sólo interrumpido por el doble en vivo Back in the US (2002).

Paul McCartney en D-audio >> No more lonely nights (1984) > Disco 1

John Lennon >> biografía

Quizás se deba a su lamentable brevedad, pero la carrera solista de John Lennon –aun con sus lógicos altibajos– fue la más regular de las de los cuatro ex Beatles. En poco más de una década (de la cual pasó buena parte retirado) alternó himnos pacifistas, declaraciones de amor a su esposa y virulentos ataques a Paul McCartney. Hasta que un demente nos robó la posibilidad de saber qué rumbos habría de seguir este eterno vanguardista.

Lennon comenzó a hacer música cuando todavía era un Fab Four: a fines de los 60's editó sendos collages experimentales llamados Unfinished music, N°. 1: two virgins (en cuya portada John y Yoko aparecen desnudos), Unfinished Music, No. 2: life with the lions y The wedding album. También grabó algunos singles como “Give peace a chance" y “Cold turkey”, en este último ya secundado por la Plastic Ono Band (Eric Clapton en guitarra, Klaus Voormann en bajo, Alan White en batería y Yoko en teclados –algunas veces John se los desenchufaba en los recitales– y chillidos). Finalmente lanzó el single "Instant karma", en 1969.

Luego de la separación de los Beatles, en 1970, salió a la calle John Lennon/Plastic Ono Band, un álbum desgarradoramente crudo y confesional basado en la terapia del grito primal que la pareja estaba siguiendo por aquel entonces. Con la producción de Phil Spector, en 1971 grabó su álbum más exitoso: Imagine. El tema que da nombre a la placa, un himno del pacifismo, contiene declaraciones de extrema seriedad (propone un mundo sin posesiones ni religión, por ejemplo) que no escandalizaron por su “cobertura de azúcar”, como John mismo dijo. Con la canción "Power to the people", de 1972, Lennon se metió de lleno en el activismo político, dirección que confirmó en Sometime in New York City (1972), enteramente compuesto de temas de protesta. Luego de Mind games (1973), la vida personal de Lennon entró en un torbellino de drogas, problemas con la ley, peleas con su esposa y fiestas descontroladas con Elton John, Harry Nilsson, Keith Moon, David Bowie, Ringo Starr y cuanto desaforado se le cruzara. Esos dos años de desenfreno se conocen como el “fin de semana perdido”. Pero aún en medio de esa vorágine editó dos álbumes: Walls and bridges, en 1974, y Rock n’ roll, una colección de oldies de los años 50's, en 1975.

Ese mismo año nació Sean, el segundo hijo de John. Luego de componer la canción “Fame” junto a David Bowie, el ex Beatle decidió retirarse de la música para dedicarse a la crianza de su hijo. Así pasó los siguientes cinco años. Recién en 1980 volvió para grabar, a medias con Yoko, Double fantasy. El disco fue editado en noviembre de ese año y contenía la (a mi criterio) mejor canción de Lennon: "Woman", una exquisita balada; apenas días después, el 8 de diciembre, John Lennon fue asesinado cuando entraba a su departamento en Nueva York. Millones de fans en todo el mundo participaron de una vigilia de diez minutos de silencio en su nombre.

Varias recopilaciones de temas inéditos se editaron después de su muerte, destacándose Milk and honey (1984) y la antología Wonsaponatime (1998). También se produjeron interesantes re-masterizaciones de sus álbumes, como Acoustic, que rescata versiones acústicas de varios de sus temas.


John Lennon en D-audio >> Woman (1980) > disco 2

Mamas and the Papas >> biografía

Los Mamas and the Papas fueron parte del sonido del sur de California a mediados de los años sesenta. Junto con los Byrds, los Beach Boys, los Turtles y The Association llenaron las listas con canciones cargadas de coros armónicos montados en pistas folk-pop. El sello de la agrupación fue la mezcla de voces masculinas (John Phillips, Denny Doherty) y femeninas (Cass Elliot, Michelle Phillips). Combinaron letras sólidas con arreglos de los mejores músicos que tenía Los Ángeles.

Los arreglos hechos por John Phillips eran interpretados por la voz dulce de Michelle, su esposa, Denny Doherty que hacía las veces de tenor y el poder de Cass Elliot que en muchos casos grabó solos.

Antes de formar el grupo, los miembros se cruzaron en el camino mientras tocaban en Nueva York dentro del movimiento folk de los años sesenta. En la medida en que el movimiento se fue abriendo a sonidos eléctricos, John, Michelle y Danny (que en esa época tenían el grupo "The Journymen") se fueron a descansar a las Islas Vírgenes con el propósito de salirse del ritmo de la gran ciudad y encontrar nuevas fuentes de inspiración. Mientras tanto Cass los siguió hasta St. Thomas para unirse a ellos, pero con la resistencia de John Phillips que se cuestionaba la habilidad de Elliot de ajustarse al estilo que habían amoldado.

Fue en la Isla donde los cuatro cantaron juntos por primera vez y donde fundaron los sonidos armónicos que los caracterizaron. La experiencia sirvió para que John Phillips pasara del folk al folk-pop. En ese momento, Cass se marchó para California y el resto del grupo a Nueva York, no tanto por quererlo, sino porque el Gobernador de las Islas encontraba molesta su presencia. En la Gran Manzana se dieron cuenta que el trío no tenía espacio en ninguna parte y que era mejor buscar nuevos espacios. Siguieron a Cass hasta California y lograron, a través de ella, una audición con el productor Lou Adler.

Adler inmediatamente les ofreció un contrato con el sello Dunhill. Esto trajo la estabilidad que necesitaban para solidificar su estilo. Ahora sólo hacía falta un nombre. Éste vino, como ocurre en estos casos, de la casualidad. Michelle y Cass miraban televisión y notaron que la pandilla de motociclistas "Hell's Angels" le decían a sus mujeres "mamas". De ahí vino el bautizo a los varones como "papas".

Su primera grabación fue como coro para Barry McGuire. En ese disco se incluyó "California Dreamin'", que luego grabaron como un sencillo de la agrupación. La canción llegó al número cuatro de las listas a finales de 1965. En enero de 1966 lanzaron el que fue su primer número uno: "Monday, Monday", que luego fue incluído en su primer álbum "If You Can Believe Your Eyes and Ears".

La forma de cantar del grupo fue bautizada como "el mejor invento" desde los Beatles por la revista Life. Su estilo respondía a sus individualidades, ropas de muchos colores, alegría, seriedad.

Sin embargo, y a pesar del éxito, el grupo se movía a partir de las grandes diferencias internas. A pesar de que John y Michelle estaban casados, ella y Denny se sentían mutuamente atraídos, lo que desembocó en una relación de la que John apenas sospechaba. Por otra parte, Cass estaba enamorada de Denny y eso provocaba celos con Michelle. Toda esa presión y desconfianza aparecieron con letra y música en "I Saw Her Again, Last Night".

A pesar de todo esto lograron grabar un nuevo disco que llevó como título el nombre del grupo en agosto de 1966 y en las que se incluían muchas canciones escritas por John Phillips. Pronto, los problemas entre John y Michelle se hicieron tan evidentes y presentes que John usó su liderazgo sobre el grupo para despedirla. Fue reemplazada por Jill Gibson, la novia del productor Lou Adler, con la que prepararon una nueva portada para el disco. Pero después de unos días de gira era evidente que los admiradores no aceptaban el cambio. Michelle, entonces, regresó al grupo al final de ese año.

A pesar de las tensiones el grupo volvió a grabar, y en febrero de 1967 sacaron "Deliver" en el que se incluía el éxito "Creeque Alley" donde cuentan sus inicios. Luego del disco vino el Festival de Monterrey, una idea que armó John Phillips con varios amigos de la industria. En él estuvieron Simon and Garfunkel, Jefferson Airplane, Jimi Hendrix, Otis Redding, The Who y muchos otros.

El grupo estaba al borde del rompimiento porque no lograban superar sus diferencias. Entonces, John tuvo la idea de ganar tiempo produciendo un disco de grandes éxitos "Farewell to the First Golden Era". De esa manera, tendrían espacio para recomponerse. Sin embargo, el descanso sirvió para que fueran arrestados por consumo de drogas y otros delitos, además de aumentar las tensiones.

Regresaron al estudio a grabar su último disco llamado "The Papas and the Mamas" en abril de 1968, momento en que el grupo decidió separarse. El sello grabador decidió intentar alargar el éxito lanzando "Midnight Voyage" y "Dream a Little Dream of Me" en junio con el nombre de Mama Cass & Mamas and the Papas para lograr disparar la carrera en solitario de Elliot.

Aunque la separación parecía definitiva, el hecho de que su casa disquera pasara a la ABC, los obligó a reunirse nuevamente para grabar un disco debido a que el contrato así lo exigía. Efectivamente se reunieron, pero trabajaron a desgano y produjeron su último disco oficial que se llamó "People Like Us" y salió en octubre de 1971.

En 1970 Michelle y John se divorciaron, 4 años después Mama Cass falleció de un ataque al corazón, y lo mismo sucedió con John Phillips en el 2001. En 1986 entraron al Salón de la Fama del Rock & Roll.