America >> biografía

Dewey Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley se conocieron a finales de los años 60's en Inglaterra mientras sus padres norteamericanos, que habían formado hogar con esposas inglesas, estaban estacionados en ese país como miembros de la Fuerza Aérea norteamericana. Los tres iban al “London Central High School” en donde integraron por separado dos bandas.

En 1969 Peek viajó a los Estados Unidos con el fin de empezar la universidad. El proyecto no funcionó y a su regreso a Inglaterra en 1970 los tres se reunieron con la idea de hacer música. Pidieron prestadas tres guitarras acústicas y desarrollaron un sonido basado en las armonías de sus voces apegándose al sonido de folk-rock de artistas como Crosby, Stills, Nash & Young.

El trío fue bautizado America en honor a su tierra de origen que apenas habían conocido. Sus primeras presentaciones fueron en bares de Londres como el circuito Roundhouse, en donde se presentó Pink Floyd a inicios de su carrera. Su presencia en la zona no pasó desapercibida y pronto Jeff Dexter los descubrió y los contrató para que abrieran las presentaciones de grupos más importantes. Poco tiempo después estaban firmando con Warner Brothers y a finales de 1970 grabaron su disco debut en los estudios Trident en Londres.

Su primer LP se llamó “America” y fue puesto a la venta en 1971 sin la pista de “A Horse With No Name”. Ian Samwell, un amigo de Dexter, se encargó de la producción del disco. Aunque los jóvenes querían irse por la onda del Club de los Corazones Solitarios de los Beatles, Samwell los convenció de desarrollar y usar su estilo acústico.

El éxito del disco fue apenas moderado. Samwell y Dexter los volvieron a llevar a un estudio, esta vez al Morgan en donde grabaron una serie de canciones adicionales, de las cuales una de ellas era “Desert Song” que fue rebautizada como “A Horse With No Name” debido al potencial que Samwell vió en ella. Empezando 1972 la canción estaba en la cima de todas las listas importantes del mundo. Esto obligó a relanzar el LP original de la banda, pero con la canción en ella, y llevó a que “I Need You” también trepara en las listas. Además, canciones como “Sandman”, “Riverside” y “Three Roses” pronto se convirtieron en favoritas de sus seguidores.

El éxito alcanzado con el disco hizo que el trío decidiera prescindir de Samwell y Dexter, además de mudarse a Los Ángeles en California emulando a The Eagles y Linda Ronstadt. La mudanza y una lesión en el brazo de Peek llevó a postergar la grabación del siguiente disco. La producción del LP la asumieron ellos mismos, orientándose más hacia el rock con la ayuda del baterista Hal Blaine y el bajista Joe Osborn, además de que Peek empezó a tocar la guitarra eléctrica en más pistas.

El segundo álbum se llamó “Homecoming” y fue puesto a la venta en noviembre de 1972. De él se extrajo el sencillo “Ventura Highway” que los volvió a colocar en lo alto de las listas. Su calidad musical y su popularidad fueron reconocidas con el Grammy al Mejor Artista Nuevo de 1972.

America empezó a sentir que tenía que seguir en esa senda de éxitos y de desarrollo de identidad musical. Un año después el grupo publica “Hat Trick”, un disco autoproducido en el que las cuerdas y la harmónica tenían el peso de la música. Resultó ser más ambicioso de lo que la gente estaba dispuesta a probar y solo una canción tuvo un poco de notoriedad.

El fracaso de “Hat Trick” los llevó a pedir ayuda para producir su cuarto LP. Apuntaron tan alto como se podía: George Martin, el sinónimo de la palabra producción en materia de rock, fue contratado por America por su probada capacidad con los Beatles.

Martin accedió en la medida en que el grupo volviera a grabar en Inglaterra. La demanda del ex productor de los Fab Four se basaba en que America tenía una bien ganada fama de tardar eternidades en las grabaciones, por lo que Martin no se podía dar el lujo de pasar mucho tiempo alejado de sus otros proyectos. El acuerdo permitió que Martin produjera el primero de siete discos para America.

Como era de esperarse, Beckley, Bunnel y Peek entendieron el mensaje y llegaron con sus nuevas canciones muy ensayadas para impresionar a Martin, lo que llevó a que el disco se grabara en unas pocas semanas a inicios de 1974.

“Holiday” fue puesto a la venta en junio de 1974 con un sonido más consolidado en cuanto al uso de las voces y la guitarra, pero innovador en el acompañamiento de los metales y las cuerdas como aporte de George Martin.

El trío pronto vió los resultados: “Tin Man” estaba en el Top Ten y luego vendría “Lonely People” para hacer lo propio a inicios de 1975.

“Hearts” fue grabado en Sausalito, California, y puesto a la venta en marzo de 1975. El nuevo disco, también producido por Martin, produjo el segundo número uno para America: “Sister Golden Hair” en el que se escucha un acompañamiento de guitarra inspirado en “My Sweet Lord” de George Harrison. Dos canciones más salieron del álbum: “Daisy Jane” y “Woman Tonight”, un tema inspirado en el reggae.

Aprovechando la creciente popularidad de America, Warner aprovechó para lanzar un disco de grandes éxitos que también fue titulado con “H”, “History: America's Greatest Hits” que rápidamente se convirtió en disco de platino y que fue producido y remezclado por Martin.

“Hideaway” fue su sexto disco de estudio que salió a la venta en abril de 1976. Aunque no tuvo la suerte de “Hearts” o “Holiday”, produjo dos sencillos: “Today's the Day” y “Amber Cascades”.

Martin y America se fueron a Hawaii a finales de año para grabar el séptimo álbum de estudio. “Harbor” solamente confirmó la tendencia declinante del grupo y fue su primer disco en no llegar a oro o platino y, además, fue la primera vez que no lograron sacar un sencillo.

A inicios de 1977, Dan Peek dejó la banda. Recientemente se había acercado a la religión y eso entró en choque con el estilo de vida asociado a una banda de rock, no exento de drogas y locuras de todo tipo. Además, estaba buscando desarrollar un estilo musical que se separaba del de Beckley y Brunnel. Peek abrió camino para un nuevo tipo de música rock, la religiosa, e inclusive logró entrar a la lista Billboard con una de sus canciones.

Los otros dos integrantes de America decidieron seguir en el proyecto. Terminaron su contrato con Warner Brothers y lanzaron su primer disco en vivo a finales de 1977.

Después de casi dos años de no producir nada en los estudios, volvieron con una reinterpretación de “California Dreamin'” de The Mamas & The Papas. El tema se reeditó para una película que llevaba el mismo nombre y que fue un completo fracaso, aunque la canción logró llegar al número 56 de Billboard.

Capitol Records se convirtió en la nueva disquera del grupo y su siguiente disco fue “Silent Letter” que rompió la tradición de las “H” en sus nombres de LP. El álbum se grabó en la isla antillana de Montserrat con todos los músicos de las presentaciones en vivo. El disco implicó varios cambios en el quehacer del grupo: empezaron a usar material escrito por otros compositores y el sonido que buscaron era más vanguardista aunque dentro de los cánones de la música contemporánea. “Only Game in Town”, basado en el sonido de Fleetwood Mac, logró colarse en la listas, al igual que “All My Life” y “All Around”, en tanto el disco nunca llegó a superar el lugar 110 de la lista de álbumes, lo que le valió el apodo de “Silent Record” por parte de Bunnell.

Para un grupo folk-rock era muy difícil encontrar espacio entre el disco, el punk y el new wave. Sin embargo, el sonido de la banda siguió evolucionando durante los años 80's y para el LP “Alibi” decidieron traer talento adicional desde afuera. El disco contó con la producción de Matthew McCauley y Fred Mollin. A su vez ellos trajeron músicos de apoyo como Tomoty Schmit, Leland Sklar y Steve Lukather de los Eagles. “Alibi” abandonó el sonido armonioso de las cuerdas y los vientos de Martin, por un sonido pop-rock más puro. A pesar de todo eso, el disco no logró, por tercera vez consecutiva, colocar un sencillo en Estados Unidos, aunque si tuvo algo de movimiento en Italia.

“View From The Ground” de 1982 fue el disco más exitoso de America para Capitol Records. Puesto a la venta en julio de 1982 por fin sirvió para que Beckley y Bunnell probaran por sí solos el éxito comercial nuevamente. Aunque este disco fue producido por ellos mismos, contaron con la ayuda de Carl Wilson de los Beach Boys, Jeff Porcaro de Toto, Christopher Cross, Dean Parks y Russ Ballard quien fue el que más aportó al grupo. Fue él quien prácticamente grabó “You Can Do Magic”, la canción que se convertiría en el éxito más importante de America en 7 años al llegar al número 8 de Billboard.

Detrás de ese sencillo vino “Right Before Your Eyes” que fue un homenaje al cine mudo. El LP apenas llegó a la casilla 41 de los álbumes, pero fue una mejora importante si se toma en cuenta la caída en picada que llevaba el grupo en los años anteriores.

Producto del éxito alcanzado, Beckley y Bunnell le pidieron a Ballard que produjera completamente su siguiente disco: “Your Move”. Al final Ballard terminó escribiendo prácticamente todas las canciones e interpretando todos los instrumentos, además de producir el disco en sí mismo. Beckley y Bunnell se dedicaron a cantar todo aquello que Ballard les armó.

Una de las pistas fue modificada por Bunnell, quien la reescribió y rebautizó como "Border", además de ponerle de respaldo a la Real Orquesta Filarmónica. El sencillo fue número 33 y el disco llegó al puesto 81.

Algo que permitió mantener vigente al grupo es que en muchas películas se usaba su música, además de que eran llamados para componer canciones para cine.

La pausa en la producción de álbumes terminó en septiembre de 1984 cuando lanzaron “Perspective”. Ballard ya no estaba en la nómina, pero sí los sintetizadores y los tambores eléctricos. Varios productores ayudaron a crear un sonido bastante mecánico (propio de la época) que se vio en “Special Girl”, un verdadero fracaso comercial. La otra canción que sacaron del disco fue “Can't Fall Asleep to a Lullaby” en la que participaron Steve Perry de Journey, Romert Maimer y Bill Mumy. Ambas canciones aparecieron en el circuito adulto contemporáneo brevemente, pero el disco apenas llegó al puesto 185.

“In Concert” fue el último disco para Capitol y fue su primer disco en no entrar a la lista de álbumes.

El final de la década de los 80's encontró a America trabajando en mejorar permanentemente su espectáculo que era presentado unas 100 veces al año en todo el mundo. A pesar de su popularidad en las salas de concierto, las disqueras no se peleaban por contratarlos.

Con la popularidad del disco compacto a inicios de los años 90's, muchos de los grupos clásicos del rock encontraron la posibilidad de reaparecer con nuevas colecciones o con discos reeditados.

En 1991 America volvió a grabar sus grandes éxitos y agregaron cuatro nuevas pistas para Rhino Records. “Hourglass”, de 1994, fue su primer disco de estudio en una década y fue puesto a la venta por American Gramaphone. La disquera se interesó en el dúo una vez que vió el impacto que tuvo su disco de éxitos. Dentro del disco estaban canciones muy pulidas y maduras como “Young Moon” y “Greenhouse”, además de nuevas versiones de “You Can Do Magic” y “Everyone I Meet Is From California”. Las críticas fueron muy buenas, las ventas no.

En 1998 volvieron a sacar un disco, esta vez bajo el sello Oxygen: “Human Nature”. El disco produjo dos sencillos, “From A Moving Train” y “Wednesday Morning”, que tuvieron éxito en las radios, pero no en las tiendas. Esto acabó con las expectativas de Oxygen y America, una vez más, se quedó sin casa disquera.

A inicios de este siglo, America se dedicó a reciclar su música a través de discos de grandes éxitos, un disco de Navidad y un disco en vivo. Sin embargo, Beckley y Bunnell se han enfocado en sus presentaciones en vivo, que son significativamente más lucrativas que cualquier esfuerzo de grabación.

Después de casi veinte años de estar al márgen de la industria musical, America volvió a intentarlo en enero de 2007 con “Here and Now”, un disco que cuenta con la colaboración de Adam Schlesinger, y tiene algunas pistas en vivo de la época de oro de America.

Milli Vanilli >> biografía

La sola mención del nombre de este dúo del pop todavía provoca reacciones fuertes entre quienes creyeron que lo que oían y veían era exactamente lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido desde su desaparición, Milli Vanilli sigue siendo sinónimo de farza, fraude y estafa.

Rob Pilatus y Fabrice Morvan, las caras del dúo, resultaron ser modelos que se limitaban a mover los labios mientras sonaba una pista interpretada por cantantes profesionales de estudio. Fue por eso que se convirtieron en los primeros artistas en ser despojados de un Grammy y se llevaron consigo a muchos otros artistas del dance pop que, involuntariamente, quedaron bajo la sombra de la duda.

El dance pop quedó revelado como un género superficial, mecánico y artificial que se construía para satisfacer necesidades de mercado basadas estrictamente en la apariencia. En realidad, esta percepción no está muy lejos de la realidad en tanto que muchos artistas reducen su talento a una cara bonita.

Sin embargo, Milli Vanilli no fue el único grupo que usó esa técnica de mercado propia de finales de los ochenta, mucho menos el único grupo europeo que lo hacía, pero sí fue el que se convirtió en el más importante y notorio de todos los que salieron y quizás los que mejor hicieron el truco.

El tema de doblar la voz nunca fue extraño a la música pop. De hecho hay antecedentes que datan de la época de la música chicle de los años 60's y los combos de los 50's. Lo que pasó es que Milli Vanilli se ganó un nombre, se creó una fama, se convirtió en un fenómeno y no hubo un solo medio de comunicación que tolerara aceptar que lo habían engañado tan inteligentemente como lo hicieron Rob y Fabrice junto a sus productores.

La historia terminó mal en todo sentido. Luego de la desaparición de la banda Rob Pilatus entró en una profunda depresión que terminó con su muerte por sobredosis en 1998, diez años después del debut del dúo.

A pesar de todo lo anterior, el dúo vendió más de 30 millones de sencillos, 14 millones de álbumes y fue uno de los espectáculos más importantes de finales de los 80's e inicios de los 90's.

Milli Vanilli fue el producto de una idea del productor alemán Frank Farian, quien antes produjo al grupo de disco europeo Boney M. La idea de Farian era unir elementos del dance pop europeo con otros del rap norteamericano. Para ello armó un grupo de músicos de estudio y cantantes que incluyó al rapero Charles Shaw y a dos jóvenes cantantes norteamericanos que radicaban en Alemania, Johnny Davis y Brad Howell; junto a ellos estaban las mellizas Jodie y Linda Rocco. Lo que le hacía falta era imagen, de manera que la gente se enamorara del proyecto. Fue entonces cuando decidió contratar a dos antiguos bailarines de Breakdance: Rob Pilatus y Fabrice Morvan, que harían de “grupo” en los videos, conciertos, entrevistas y demás presentaciones públicas.

Pilatus nació en Nueva York en 1965 pero creció en un orfanato de Munich luego de que sus padres (un soldado norteamericano y una nudista alemana) lo dieran en adopción. Por su parte, Morvan nació en 1966 en la isla de Guadalupe, vivió un tiempo en Miami y luego se mudó con su madre a París. Ambos eran grandes bailarines y su apariencia exótica con largas extensiones era exactamente lo que Farian estaba buscando para su proyecto.

El álbum debut de Milli Vanilli fue “All Or Nothing” y se puso a la venta a mediados de 1988, con Rob y Fabrice al frente y sin una sola mención de quienes eran los cantantes. El disco tuvo un éxito inmediato y llamó la atención de Arista Records que firmó al grupo, remezcló algunas de las pistas, agregó otras, rebautizó al LP como “Girl You Know It's True” y lo puso a la venta en Estados Unidos a inicos de 1989.

La canción que le daba el nombre al álbum llegó a ser número 2 dentro de las 100 mejores y fue certificada como platino. Pero mayor fue el éxito de los tres sencillos que le siguieron: "Baby Don't Forget My Number", "I'm Gonna Miss You" y "Blame It On The Rain". Todos fueron número 1. Después vino “All or Nothing” que estuvo entre las cinco primeras a inicios de 1990.

El pico de popularidad de Milli Vanilli terminó con el premio Grammy al mejor artista en febrero de 1990.

El éxito y la fama se le empezó a subir a la cabeza al dúo, particularmente a Pilatus, quien empezó a tener fuertes cambios de carácter y un comportamiento errático, además de volverse adicto a la cocaína. En una entrevista con la revista Time comparó a Milli Vanilli y particularmente a él con Bob Dylan, Elvis Presley, Paul McCartney y Mick Jagger, lo que le valió todo tipo de burlas.

Ese mismo año, durante un concierto que fue grabado por MTV, la pista musical de “Girl, You Know It's True” se trabó y empezó a repetir "Girl, you know it's..." una y otra vez. En realidad a la gente que estaba ahí ni le importó, pero la gente de la prensa empezó a cuestionar a Rob y a Fabrice en las críticas a su presentación.

Para agravar las cosas, el disco lanzado en Estados Unidos sí le daba los créditos de la voz a Morvan y a Pilatus, lo que generaba más presión dentro del grupo, sobre todo por parte de Rob y Fabrice que querían cantar en el próximo disco. Eso le llenó la paciencia a Farian.

La presión interna y externa fue tal que Farian le confesó a la prensa el 12 de noviembre de 1990 que Morvan y Pilatus no eran los cantantes de las canciones que los habían hecho famosos. La prensa reaccionó con una dureza implacable que provocó que el Comité de los Grammys decidiera retirar el premio. El premio que no fue retirado fue el de los “American Music Awards” debido a que los organizadores estimaron que ellos habían ganado por decisión de los consumidores.

De la misma manera, Arista Records canceló el contrato y borró el disco y sus cintas master de su catálogo, además de cancelar cualquier otra publicación del LP.

A raíz del escándalo, en Estados Unidos se presentaron 26 demandas contra Pilatus, Morvan y Arista. Al final, lo que obtuvo la gente no fue dinero en efectivo sino crédito para comprar otros discos de la casa grabadora.

El segundo disco de Milli Vanilli estaba listo para salir cuando estalló el escándalo. Fue entonces cuando Farian decidió cambiar las fotos de las portadas por las de los verdaderos cantantes. De paso, le cambió el nombre al dúo como “The Real Milli Vanilli” (Los Verdaderos Milli Vanilli). Sin embargo, dado que el cambio se hizo muy sobre la hora, el diseñador gráfico olvidó cambiar el nombre de los artistas en el lomo del disco y aún en él puede leerse el nombre viejo.

En Estados Unidos el disco se llamó “Keep On Running” (igual que el sencillo que se usaría para promoverlo) y en Europa fue “The Moment of Truth”. Aunque se extrajeron tres sencillos, el disco fue un fracaso.

El grupo fue reformado incluyendo a Horton como la cara más visible y en 1992 RCA firmó un contrato con un grupo llamado Try'N'B. El disco incluyó canciones de The Real Milli Vanilli y vendió bastante mejor bajo el nombre de este grupo que del anterior.

Por su parte Morvan y Pilatus se mudaron a Los Ángeles y firmaron con Joss Etertainment Group para grabar un disco bajo el nombre de Rob & Fab. Casi todas las canciones del disco fueron escritas por Kenny Taylor y Fabrice Morvan, mientras los dos ex Milli Vanilli cantaban. La disquera no tenía la capacidad para sacar el disco fuera de Estados Unidos, el mercado más ácido para el grupo. Sumado a eso la falta de publicidad, mala distribución y el arrastre del escándalo, terminaron de hundir al disco.

Con los años pasó mucha agua debajo del puente y Farian también tuvo que pagar su cuota de fracasos. En 1997 se puso de acuerdo con Morvan y Pilatus para producir un disco de Milli Vanilli en los que ellos serían las voces. “Back and in Attack” contó con el apoyo de los cantantes originales con el fin de ayudar a recapturar la fama tan rápidamente perdida.

Sin embargo, Pilatus se enfrentó a muchos problemas durante la producción. Nuevamente volvió a las drogas, robó y fue a parar a la cárcel por tres meses. Farian pagó para que Pilatus fuera seis meses a una clínica a desintoxicarse y a rehabilitarse, además de un intento de regreso a Alemania.

Justo antes de la gira de promoción del disco, Pilatus fue encontrado muerto en un hotel de Frankfurt luego de intoxicarse con píldoras y alcohol.

Desde entonces Morvan se dedicó a la música, además de ser presentador de radio y de haber lanzado en 2003 su disco “Love Revolution”.

Reflexionando sobre la muerte de Rob, Fabrice dice en su sitio web: “Milli Vanilli no fue una desgracia, la única desgracia fue la forma en que murió Rob: sólo, destruído internamente por un rápido ascenso y una caída precipitada”. Y termina diciendo: “Siento un gran dolor al escuchar la noticia sobre mi amigo y hermano Rob. Siempre será una parte de mí . Crecimos juntos luchando y triunfando. Lo único que queríamos era una oportunidad para cantar y actuar".

Saquen Uds. sus propias conclusiones.

Savage Garden >> "Savage Garden" (1997)

Tras la publicación del álbum debut con su mismo nombre, el dúo de Brisbane fue el primer grupo australiano en alcanzar lo más alto de las listas de sencillos y álbums en su propio país. Con sus himnos de pop con sintetizadores de aire retro, Savage Garden no tardó en llegar al éxito internacional gracias, en parte, a una extraordinaria difusión radiofónica.
Comparado con Roxette y Duran Duran, Savage Garden no obtuvo el beneplácito de la crítica tras la publicación de su primer disco. No obstante, el grupo se hizo con una amplia base de seguidores gracias a muy buenos temas como "To The Moon and Back" y el nº 1 en EEUU "Truly Madly Deeply".
Al mes siguiente de la publicación del disco, las ventas empezaron a dispararse gracias a que Rosie O'Donnell empezó a poner el tema "I Want You" en su programa de televisión, para poco después invitar al dúo para una actuación acústica.
Con un carácter de pop melódico con ritmos pegadizos, Savage Garden tenía el atractivo de la pasión vocal de su cantante Darren Hayes y la limpia producción de Charles Fisher, que ya había trabajado con Air Supply. "Savage Garden" fue muy popular en EEUU y en el Reino Unido, pero lo fue aún más en Australia, donde permaneció durante 19 semanas seguidas en lo más alto de las listas de éxitos.
"Savage Garden" se publicó en abril de 1997 y vendió casi 8 millones de copias. Está en el puesto nº 64 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) To the Moon & Back
2) I Want You
3) Truly Madly Deeply
4) Tears of Pearls
5) Universe
6) Carry on Dancing
7) Violet
8) Break Me Shake Me
9) A Thousand Words
10) Promises
11) Santa Monica

Zucchero Fornaciari >> biografía

Adelmo Fornaciari, más conocido como Zucchero (azúcar), nació el 25 de septiembre de 1955 en Roncocesi, un pueblo agrícola de la provincia de Reggio Emilia en Italia. Hijo de campesinos, todavía hoy está muy ligado a su tierra aunque vive en Toscana. Su música está influida por el gospel, el blues y el rock, alternando entre baladas y ritmos alegres.

De chico desarrolla su primera pasión: el fútbol, al que le dedica horas y horas jugando en la escuela y, al final, entra como arquero en el equipo infantil del club de Reggio Emilia. Se gana el apodo de Zucchero en la escuela elemental (el maestro lo llamaba "azúcar y mermelada").

Es en Reggio Emilia donde empieza a tocar la guitarra. Las primeras nociones se las enseña un estudiante americano negro que frecuenta la facultad de veterinaria de Bolonia y que influyó decididamente en su gusto por el blues.

Aprende a tocar a los Beatles, Bob Dylan y los Rolling Stones. En 1968 la familia se traslada por trabajo a la Versilia (en Forte dei Marmi) y el jóven se ve obligado a cambiar amigos y costumbres. Pero lleva ya la música en la sangre y se ha familiarizado con el rhythm'n'blues y la música del delta del Mississipi. Funda "Le nuove luci", un grupo de jóvenes músicos como él, con el cual empieza a tocar en las salas de baile de la zona.

Cursa estudios en el Instituto técnico industrial de Carrara y, luego, se matricula en la facultad de veterinaria. Pero no termina los estudios. En efecto, vive de la música. Va de gira con Sugar & Daniel (Daniel es el cantante del grupo, mientras Zucchero toca la guitarra y el saxofón) hasta 1978, cuando forma los Sugar & Candies, para los cuales empieza a escribir las canciones.

A pesar de que su verdadero amor es el blues, cuando escribe canciones para otros se esfuerza en seguir la música italiana. Fred Bongusto, un campeón de atmósferas románticas para el cual escribe "Tutto di te", lo anima a seguir esa dirección; también escribe para un jóven representante del género melódico, Michele Pecora. Pero este último, con "Te ne vai", obtiene un gran éxito veraniego y ello catapulta a Zucchero a la canción comercial.

Su carrera musical empieza en 1970 cuando empieza a militar en pequeñas agrupaciones como “I ducali”, “Le nuove luci”, “Sugar & Daniel”, “Sugar & Candies” y “Taxi”, con la que ganó el festival de música Castrocaro en 1981, lo que eventualmente le deparó un contrato con una disquera. Al año siguiente se presentó en el Festival de San Remo con “Una notte che cola via” y en 1983 con “Nuvola” en el Festival dei Fiori. Su primer disco salió ese mismo año bajo el título Un po' di Zucchero, pero no llegó a tener mayor suceso.

En 1984 se mudó temporalmente a California en donde trabajó con el productor Corrado Rustici. En las sesiones de grabación contó con el apoyo del bajista Randy Jackson con quien hizo química. El resultado fue el LP Zucchero & The Randy Jackson Band del que se extrajo “Donne”, que se convertiría en un éxito en Italia durante 1985.

El disco sirvió para mostrarse ante el público, lo que llevó a Zucchero y Rustici a trabajar en “Rispetto”, que incluyó una seguidilla de éxitos, entre ellos la canción que daba título al disco y “Come il sole allimproviso” en el que se combinaba el estilo pop italiano de Zucchero con el soul norteamericano.

Aunque éstos LP's habían vendido de forma aceptable hubo que esperar hasta el tercer disco: “Blue's”, para que la gente se encaprichara con Zucchero y convirtiera ese álbum en el más vendido en la historia de Italia, además de hacer de Zucchero una estrella popular por toda Europa.

El disco también fue producido por Rustici e incluye en los instrumentos a Clarence Clemos, The Memphis Horns y David Sancious. “Con Le Mani”, escrita por Gino Paoli, la controversial “Solo una sana...” y la versión original de “Senza una Donna” hicieron que el disco se vendiera como pan caliente. La gira para promover el disco incluyó apariciones de Joe Cocker, Ray Charles y Dee Dee Bridgewater.

Siendo un artista reconocido internacionalmente, Zucchero se podía empezar a dar algunos gustos. El primero fue grabar en Memphis “Oro, incenso e birra” junto a Eric Clapton y Rufus Thomas. Este disco pronto se convirtió en uno de los más importantes de su carrera, llegando a superar en ventas alrededor del mundo a "Blue's", gracias a canciones como “Diamante”, “Overdose (d'Amore)”, “Il Mare” y “Wonderful World”.

Después de haber vendido más de un millón de copias de sus dos últimos discos y cantar junto a Joe Cocker, Eric Clapton y Miles Davis, Zucchero se lanzó a conquistar el resto de Europa. “Blue's” fue puesto a la venta en Inglaterra en 1990, además de un disco de éxitos en inglés en el que interpreta “Senza una Donna” junto a Paul Young. El tema fue número uno en toda Europa, excepto en Inglaterra donde se frenó en el número 2. “Diamante” y “Wonderful World”, a dúo con Eric Clapton, también encabezaron las listas europeas.

Los dúos fueron su línea de trabajo a inicios de los años 90's llegando a grabar con Sting, Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli, Peter Maffay, Elton John, Bryan May y Eric Clapton. Muchas de estas canciones luego serían incluidas en el disco “Zu & Co.” de 2004. La estatura musical de Zucchero ya era reconocida por propios y extraños, por eso cantó junto a los tres sobrevivientes de Queen en el homenaje a Freddie Mercury.

En 1991 puso a la venta su primer disco en vivo llamado “Live from the Kremlin”, y en 1992 salió a la venta “Miserere”, un disco introspectivo producto del dolor que le produjo su separación y en el que le acompañó Luciano Pavarotti en una canción, y Elvis Costello y Bono en la composición de dos canciones. Nuevamente Corrado Rustici estuvo encargado de la producción.

En 1994 salió “Diamante”, un disco dedicado al mercado latinoamericano y en el que Zucchero cantaba en castellano las letras traducidas por el músico argentino Fito Páez. Después de su gira de seis semanas por la región, viajó al concierto por el 25º aniversario de Woodstock como el único artista europeo en la cita.

De vuelta en California para grabar su próximo disco fue contactado por Dan Akroyd para que apareciera en el concierto en memoria de John Belushi en la “House of Blues”. Allí, junto a Akroyd, James Belushi, John Goodman y la banda de los Blues Brothers, Zucchero cantó “Diavolo in me” y “You are so beautiful”.

1995 vió la salida de “Spirito DiVino” un LP que produjo tres éxitos europeos: “Il Volo”, “Papa perché?” y "X colpa di chi”, y que se convirtió en uno de los discos más vendedores del artista con 3 millones de copias colocadas en aquel continente. El disco está cargado de sonidos sureños de los Estados Unidos y cuenta con la participación de David Sancious, Jeff Beck, Sheila E y el ex pianista de Chuck Berry, Johnny Johnson.

Una colección de éxitos de Zucchero se puso a la venta en 1996 colocándose rápidamente entre los discos más vendidos en Europa. El CD salió en italiano e inglés, contenía 13 clásicos del artista y 3 canciones nuevas. La gira fue sala llena donde se presentara, incluyendo en Estados Unidos.

“Blue Sugar”, de 1998, se cargó más hacia el rock inglés de la mano de Corrado Rustici y una banda que incluyó al bajista de Santana, Benny Rietveld, y Mark Fltham. Steve Winwood estuvo en las teclas, en tanto Bono, el cantante de U2, escribió la versión en inglés de “Blu”. El CD alcanzó a vender un millón de copias. La gira fue larga y eso obligó al artista a tomarse un descanso que se prolongó hasta mediados del 2001 cunado “Baila Morena” se convirtió en la canción más sonada de Europa. “Shake” fue el disco que le siguió, nuevamente producido por Corrado Rustici, y colocó 2 millones de copias en menos de un año. “Ali D'Oro”, una de las canciones, incluye la última grabación de John Lee Hooker.

En 2004 se puso a la venta el disco de dúos “Zu & Co.” en el que intervienen Sting, B.B. King, Miles Davis, Maná, Sheryl Crow, Eric Clapton y Solomon Burke. La presentación del disco en el Royal Albert Hall de Londres tuvo como punto alto la aparición de estos artistas.

En septiembre de 2006 salió a la venta su último disco llamado “Fly”, esta vez producido por Don Was. El disco estuvo cargado de éxitos y contó con la colaboración de Ivano Fossati y Lorenzo Jovanotti.