viernes, 26 de diciembre de 2008

Rod Stewart >> biografía

Rod Stewart nació bajo el nombre de Roderick David Stewart el 10 de enero de 1945 en Highgate, Londres, Inglaterra.

Probablemente su nacimiento fue un presagio del impacto de su vida en la cultura pop, ya que ocurrió cuando faltaban 6 meses para el final de la Segunda Guerra Mundial. Media hora después de ver la luz, un cohete V2 alemán se estrelló a unos metros de su casa destruyendo el cuartel de policía de la localidad.

La verdadera pasión de Rod Stewart era el fútbol, y empujado por su padre empezó a practicarlo con la mira fija en llegar a ser una gran estrella. Estuvo jugando en las categorías inferiores del club Brentford, pero esta afición se fue apagando al ver que no le llegaban contratos profesionales, así que a inicios de los años 60's se dedicó a recorrer Europa con su amigo Wizz Jones y una guitarra.

Sin embargo, el viaje terminó en 1963 en la costa francesa de St. Tropez, cuando lo arrestan por vago y el cónsul británico lo envía de regreso a Inglaterra. Nuevamente en Londres y con la suerte maltrecha decide armar su propia banda, que finalmente se convertirían en varias.

Durante un año estuvo rodando de una ciudad a otra mientras se presentaba con bandas de poca monta y cantaba Rhythm and Blues. En ellas se topó con personajes que más tarde se convertirían en leyendas como John Paul Jones (de Led Zeppelin) o Mick Fleetwood (de Fleetwood Mac). Pasó por los “Jimmy Powell & The Five Dimensions”, “Southampton”, “Shotgun Express” y por los “Hoochie Coochie Men”. En este último grupo John Baldry, su líder, lo contrata para que cante con él y toque la harmónica. Recibía 35 libras esterlinas por semana.

En el interin Stewart firmó un contrato con Decca Records para lanzarse en solitario. Sin embargo, la aventura no tuvo mayor éxito.

Promediaba 1965 y el promotor de Baldry decide formar el grupo "The Steampacket" en el que aparecían, además de él, Rod Stewart y Julie Driscoll. La banda era un rejuntado de "Long John Baldry & The Hoochie Coochie Men" y "Brian Auger's Trynity". Tuvieron un gran inicio porque sirvieron de banda de apoyo de los Rolling Stones y los Animals, pero terminando la gira decidieron separarse porque cada uno quería seguir caminos diferentes en lo artístico.

En menos de un año Rod Stewart ya formaba parte de la banda de Jeff Beck. El grupo tocaba un blues pesado y eso encajó con el gusto de la época. En esta formación hizo de cantante principal y estaba acompañado por Jeff Beck y el que sería guitarrista de los Stones, Ron Wood.

Las primeras actuaciones fueron un desastre y eso estuvo a punto estuvo de deshacer el grupo. De alguna manera Beck trasmitía que el resto del grupo era inexperto y eso costaba caro a lo interno y a lo externo. Aun así siguieron tocando por Europa y Estados Unidos. En 1968 se editó en plena gira americana el primer álbum: "Truth", y meses más tarde se editó el segundo: "Beck-Ola". Después del segundo álbum el grupo tenía proyectos por separado: Beck quería seguir profundizando en la música, mientras que Rod Stewart y Ron Wood estaban a un paso de integrarse a los "Small Faces". En 1969 el grupo se separó.

Lo que quedó del "Jeff Beck Group" y los "Small Faces" sirvió para formar una de las bandas más importantes de finales de los sesenta: The Faces. El grupo quedó integrado por Rod Stewart como cantante, Ron Wood en la guitarra, Ian McLagan al teclado, Kenny Jones en la batería y Ronnie Lane en el bajo. En total produjeron 5 álbumes ("First Step", "Long Player", "A Nod's As Good As A Wink", "Oh La La" y "Coast To Coast"), y un disco de grandes éxitos.

De manera simultánea, Stewart tenía una carrera en solitario. Eso ayudaba a la banda porque la gente también lo iba a ver a él. Su primer disco fue bajo el sello Phonogram y se tituló "An old raincoat will never let you down". Su banda de apoyo estuvo compuesta por Ron Wood, Mick Waller y Martin Quittenton, lo que le dió solidez al sonido blues que hacía de base de "Cindy Lament", "Blind Prayer", "Dirty old town" y "Handbags & gladrags". El disco no fue lo que se esperaba en lo comercial, pero la crítica lo trató bien.

Su segundo disco, "Gasoline Alley", tuvo más aplomo que el anterior y eso sirvió para que mejoraran las ventas y la popularidad del cantante.

Su siguiente sencillo vino a ser su primer número uno: “Maggie May”, que en 1971 llegó a la cima de la popularidad en Inglaterra y Estados Unidos. Lo curioso es que el tema era el lado de B de “Reason To Believe”. El tema impulsó las ventas del disco "Every Picture Tells a Story ".

Para entonces, la popularidad de Rod Stewart se empieza a convertir en un problema para la disquera de The Faces, Warner, porque era evidente que estaba perdiendo dinero. Con la salida de los subsiguientes discos vino una batalla legal entre Warner y Phonogram sobre quién era el dueño sobre los derechos de la voz de Stewart. Inusitadamente, el pleito se resuelve a favor de la Warner, y Phonogram se queda con los temas grabados hasta el disco “Smiler”. La relación de Rod Stewart con la Warner dura hasta hoy.

Como todo artista inglés exitoso, en 1975 Stewart se traslada a Estados Unidos huyendo de los impuestos de su país.

En ese tiempo los Faces estaban diezmados por el éxito de Rod Stewart. Pero la gota que colmó el vaso fue la oferta de Ron Wood para unirse a los Rolling Stones. Eso hizo que la banda se separara, y aunque hubo colaboraciones entre los miembros cuando grababan discos en solitario no se volvieron a unir hasta más adelante y para colaborar en una caridad.

Stewart vivía ahora una vida de lujo a la que no estuvo acostumbrado, pero que de alguna manera era la evolución lógica para un hijo de la posguerra. Sin embargo, esto trajo una nueva sensibilidad que se materializó en su LP "Atlantic Crossing" de 1975. En este disco esta la pegadiza "Sailing", que se convertiría en el himno de la armada de su país. Para este disco Rod se acompañó de músicos del Soul del calibre de Steve Cropper y Donald “Duck” Dunn, y puso como productor a Tom Dowd.

En 1976 vendría el LP "A night on the town" en el que se venía una canción de Cat Stevens: "The First Cut is The Deepest", y "The Killing of Georgie", una canción que compuso para un amigo homosexual asesinado en Nueva York, eso levantó sospechas sobre la supuesta homosexualidad de Stewart.

A partir de ese momento dejó sus raíces olvidadas y se pasó a la música comercial y de discoteca. A finales de los 70's y durante los años 80's "Hot Legs", "Da ya think I'm Sexy?", “Tonight I'm Yours” y "Passion", marcarían su paso por la cima de las listas y lo definirían como compositor.

Probablemente el tema que lo lanzó definitivamente a la fama fue "Da ya think I'm Sexy?" (“¿Crees que soy sexy?”), que no solo estaba influenciado por el estilo musical disco, sino por su misma forma de vida de sexo y drogas a granel. Por ese mismo tema, fue demandado por plagio por el cantante brasileño Jorge Ben, proceso del que salió bien librado.

En 1979 se casa con Alana Hamilton y con ella empieza una cadena de tres matrimonios que terminan en fracaso y una seguidilla de modelos que no dejan de encontrarle algún atractivo físico.

Durante los 80's sigue en sintonía con la audiencia joven y salen discos como “Young Hearts” y “Tonight I'm Yours” que se convierten en éxitos instantáneos. Además, se reúne con los Faces para cantar en Wembley en honor a su ex-compañero de grupo Ronnie Lane, fallecido de esclerosis múltiple.

A fines de los años 80's vendrían grabaciones con Tina Turner ("It takes two"), Ron Isley ("This old heart of mine"), Glass Tiger ("My town"), Bryan Adams y Sting ("All for love") y participa en discos homenaje como el de Carole King ("So far away") y Elton John ("Your song"). En ese mismo período su producción personal es pobre y sus conciertos se vienen a menos en 1991 cuando por una infección en la garganta debe dejar los escenarios.

En 1993 graba uno de sus discos más aclamados por la forma en que se compilan sus éxitos: "MTV Unplugged... And Seated”. En él se reúne nuevamente con Ron Wood y producen un buen sonido, profundo y maduro, algo que solo puede venir con los años.

A mediados de los 90's publica “Spanner in the Works"(1995) y "When We Were the New Boys"(1998). Son discos que se esperaban y que estaban hechos a su medida. Tras esos lanzamientos se realizaron giras americanas y europeas donde en todos los conciertos se colgaba el cartel de "no hay entradas". Stewart había vuelto a sus raíces melódicas.

También, los años 90's sirvieron para que sentara cabeza. A la salida de un hotel, en Londres, se acercó Penny Lancaster a pedirle un autógrafo. Parece que Stewart la invitó a pasar unas vacaciones juntos... que aún no han terminado.

En el año 2000 se operó de la garganta por un cáncer en las cuerdas vocales. Repuesto de la operación vino “Human” en donde asume la pose de galán maduro que mantiene hasta “Reason To Believe”.

Sin duda, la energía escénica de Rod Stewart y su adaptabilidad a los ritmos lo hicieron un fenómeno de masas. Hoy en día es un músico maduro, que se da el lujo de hacer álbumes más profundos y pausados, pero no por eso carentes de sintonía con su audiencia.


Rod Stewart en D-audio >> Have I told you lately (1993) > Disco 6





Kate Bush >> "Never for Ever" (1980)

Catherine Bush nació el 30 de julio de 1958 en Bexleyheath, Kent (Inglaterra), en el seno de una familia de clase media (su padre era médico). Pasó los años de su niñez en el St. Joseph's Convent School, donde estudió violín y piano. A la edad de 16 años fue descubierta por David Gilmour de Pink Floyd, quien quedó asombrado con el talento de la joven Cathy. Logró entonces, por mediación de Gilmour, grabar algunas de sus canciones, de manera que pronto la discográfica EMI se interesó por sus composiciones. Sin embargo, una vez que Cathy, desde ahora Kate, firmó un contrato con la casa de discos, no se sumergió directamente en la grabación de su primer trabajo: durante tres años recibió clases de mimo, danza y canto, de manera que pudo desarrollar con creces sus aptitudes y lograr un conocimiento musical profundo.

Será en 1980 cuando
Kate Bush decida dar un giro a su forma de concebir canciones: "Never for Ever", su tercer trabajo, fue compuesto y grabado empleando casi exclusivamente sintetizadores y cajas de ritmos. El abandono progresivo del piano clásico impulsó el uso casi sistemático de nuevos instrumentos electrónicos que permitieron a la cantante ampliar sus horizontes sonoros y crear nuevos efectos. Las canciones viajan por territorios tan dispares como la balada folk ("Army Dreamers"), los experimentos corales ("Night Scented Stock"), o el pop impregnado de sonidos medievales y orientales ("All we ever look for","Babooshka").

"Never for Ever" permitió a Kate Bush regresar a los primeros puestos de las listas. Los sencillos alcanzaron ciertamente popularidad, pese a que en esta ocasión los temas tratados mostraban ya las inquietudes y opiniones de Bush: "Army dreamers" esconde bajo su delicado aire de vals una crítica al sistema británico, "Breathing" reflexiona sobre los peligros de una catástrofe nuclear, y "Blown away" es un tributo dedicado a un amigo íntimo fallecido.

Contenido del disco:

1) Babooshka
2) Delius (Song Of Summer)
3) Blow Away (For Bill)
4) All We Ever Look For
5) Egypt
6) Wedding List
7) Violin
8) Infant Kiss
9) Night Scented Stock
10) Army Dreamers
11) Breathing




miércoles, 10 de diciembre de 2008

Flashback >> Dance Hits # 1

A partir de este post iremos compartiendo pequeños recuerdos de grandes canciones de distintos géneros. Y para empezar, cinco temas inolvidables de la música dance de inicios de la década del 90, en sus versiones originales. Que los disfruten !! ;)


miércoles, 26 de noviembre de 2008

America >> biografía

Dewey Bunnell, Dan Peek y Gerry Beckley se conocieron a finales de los años 60's en Inglaterra mientras sus padres norteamericanos, que habían formado hogar con esposas inglesas, estaban estacionados en ese país como miembros de la Fuerza Aérea norteamericana. Los tres iban al “London Central High School” en donde integraron por separado dos bandas.

En 1969 Peek viajó a los Estados Unidos con el fin de empezar la universidad. El proyecto no funcionó y a su regreso a Inglaterra en 1970 los tres se reunieron con la idea de hacer música. Pidieron prestadas tres guitarras acústicas y desarrollaron un sonido basado en las armonías de sus voces apegándose al sonido de folk-rock de artistas como Crosby, Stills, Nash & Young.

El trío fue bautizado America en honor a su tierra de origen que apenas habían conocido. Sus primeras presentaciones fueron en bares de Londres como el circuito Roundhouse, en donde se presentó Pink Floyd a inicios de su carrera. Su presencia en la zona no pasó desapercibida y pronto Jeff Dexter los descubrió y los contrató para que abrieran las presentaciones de grupos más importantes. Poco tiempo después estaban firmando con Warner Brothers y a finales de 1970 grabaron su disco debut en los estudios Trident en Londres.

Su primer LP se llamó “America” y fue puesto a la venta en 1971 sin la pista de “A Horse With No Name”. Ian Samwell, un amigo de Dexter, se encargó de la producción del disco. Aunque los jóvenes querían irse por la onda del Club de los Corazones Solitarios de los Beatles, Samwell los convenció de desarrollar y usar su estilo acústico.

El éxito del disco fue apenas moderado. Samwell y Dexter los volvieron a llevar a un estudio, esta vez al Morgan en donde grabaron una serie de canciones adicionales, de las cuales una de ellas era “Desert Song” que fue rebautizada como “A Horse With No Name” debido al potencial que Samwell vió en ella. Empezando 1972 la canción estaba en la cima de todas las listas importantes del mundo. Esto obligó a relanzar el LP original de la banda, pero con la canción en ella, y llevó a que “I Need You” también trepara en las listas. Además, canciones como “Sandman”, “Riverside” y “Three Roses” pronto se convirtieron en favoritas de sus seguidores.

El éxito alcanzado con el disco hizo que el trío decidiera prescindir de Samwell y Dexter, además de mudarse a Los Ángeles en California emulando a The Eagles y Linda Ronstadt. La mudanza y una lesión en el brazo de Peek llevó a postergar la grabación del siguiente disco. La producción del LP la asumieron ellos mismos, orientándose más hacia el rock con la ayuda del baterista Hal Blaine y el bajista Joe Osborn, además de que Peek empezó a tocar la guitarra eléctrica en más pistas.

El segundo álbum se llamó “Homecoming” y fue puesto a la venta en noviembre de 1972. De él se extrajo el sencillo “Ventura Highway” que los volvió a colocar en lo alto de las listas. Su calidad musical y su popularidad fueron reconocidas con el Grammy al Mejor Artista Nuevo de 1972.

America empezó a sentir que tenía que seguir en esa senda de éxitos y de desarrollo de identidad musical. Un año después el grupo publica “Hat Trick”, un disco autoproducido en el que las cuerdas y la harmónica tenían el peso de la música. Resultó ser más ambicioso de lo que la gente estaba dispuesta a probar y solo una canción tuvo un poco de notoriedad.

El fracaso de “Hat Trick” los llevó a pedir ayuda para producir su cuarto LP. Apuntaron tan alto como se podía: George Martin, el sinónimo de la palabra producción en materia de rock, fue contratado por America por su probada capacidad con los Beatles.

Martin accedió en la medida en que el grupo volviera a grabar en Inglaterra. La demanda del ex productor de los Fab Four se basaba en que America tenía una bien ganada fama de tardar eternidades en las grabaciones, por lo que Martin no se podía dar el lujo de pasar mucho tiempo alejado de sus otros proyectos. El acuerdo permitió que Martin produjera el primero de siete discos para America.

Como era de esperarse, Beckley, Bunnel y Peek entendieron el mensaje y llegaron con sus nuevas canciones muy ensayadas para impresionar a Martin, lo que llevó a que el disco se grabara en unas pocas semanas a inicios de 1974.

“Holiday” fue puesto a la venta en junio de 1974 con un sonido más consolidado en cuanto al uso de las voces y la guitarra, pero innovador en el acompañamiento de los metales y las cuerdas como aporte de George Martin.

El trío pronto vió los resultados: “Tin Man” estaba en el Top Ten y luego vendría “Lonely People” para hacer lo propio a inicios de 1975.

“Hearts” fue grabado en Sausalito, California, y puesto a la venta en marzo de 1975. El nuevo disco, también producido por Martin, produjo el segundo número uno para America: “Sister Golden Hair” en el que se escucha un acompañamiento de guitarra inspirado en “My Sweet Lord” de George Harrison. Dos canciones más salieron del álbum: “Daisy Jane” y “Woman Tonight”, un tema inspirado en el reggae.

Aprovechando la creciente popularidad de America, Warner aprovechó para lanzar un disco de grandes éxitos que también fue titulado con “H”, “History: America's Greatest Hits” que rápidamente se convirtió en disco de platino y que fue producido y remezclado por Martin.

“Hideaway” fue su sexto disco de estudio que salió a la venta en abril de 1976. Aunque no tuvo la suerte de “Hearts” o “Holiday”, produjo dos sencillos: “Today's the Day” y “Amber Cascades”.

Martin y America se fueron a Hawaii a finales de año para grabar el séptimo álbum de estudio. “Harbor” solamente confirmó la tendencia declinante del grupo y fue su primer disco en no llegar a oro o platino y, además, fue la primera vez que no lograron sacar un sencillo.

A inicios de 1977, Dan Peek dejó la banda. Recientemente se había acercado a la religión y eso entró en choque con el estilo de vida asociado a una banda de rock, no exento de drogas y locuras de todo tipo. Además, estaba buscando desarrollar un estilo musical que se separaba del de Beckley y Brunnel. Peek abrió camino para un nuevo tipo de música rock, la religiosa, e inclusive logró entrar a la lista Billboard con una de sus canciones.

Los otros dos integrantes de America decidieron seguir en el proyecto. Terminaron su contrato con Warner Brothers y lanzaron su primer disco en vivo a finales de 1977.

Después de casi dos años de no producir nada en los estudios, volvieron con una reinterpretación de “California Dreamin'” de The Mamas & The Papas. El tema se reeditó para una película que llevaba el mismo nombre y que fue un completo fracaso, aunque la canción logró llegar al número 56 de Billboard.

Capitol Records se convirtió en la nueva disquera del grupo y su siguiente disco fue “Silent Letter” que rompió la tradición de las “H” en sus nombres de LP. El álbum se grabó en la isla antillana de Montserrat con todos los músicos de las presentaciones en vivo. El disco implicó varios cambios en el quehacer del grupo: empezaron a usar material escrito por otros compositores y el sonido que buscaron era más vanguardista aunque dentro de los cánones de la música contemporánea. “Only Game in Town”, basado en el sonido de Fleetwood Mac, logró colarse en la listas, al igual que “All My Life” y “All Around”, en tanto el disco nunca llegó a superar el lugar 110 de la lista de álbumes, lo que le valió el apodo de “Silent Record” por parte de Bunnell.

Para un grupo folk-rock era muy difícil encontrar espacio entre el disco, el punk y el new wave. Sin embargo, el sonido de la banda siguió evolucionando durante los años 80's y para el LP “Alibi” decidieron traer talento adicional desde afuera. El disco contó con la producción de Matthew McCauley y Fred Mollin. A su vez ellos trajeron músicos de apoyo como Tomoty Schmit, Leland Sklar y Steve Lukather de los Eagles. “Alibi” abandonó el sonido armonioso de las cuerdas y los vientos de Martin, por un sonido pop-rock más puro. A pesar de todo eso, el disco no logró, por tercera vez consecutiva, colocar un sencillo en Estados Unidos, aunque si tuvo algo de movimiento en Italia.

“View From The Ground” de 1982 fue el disco más exitoso de America para Capitol Records. Puesto a la venta en julio de 1982 por fin sirvió para que Beckley y Bunnell probaran por sí solos el éxito comercial nuevamente. Aunque este disco fue producido por ellos mismos, contaron con la ayuda de Carl Wilson de los Beach Boys, Jeff Porcaro de Toto, Christopher Cross, Dean Parks y Russ Ballard quien fue el que más aportó al grupo. Fue él quien prácticamente grabó “You Can Do Magic”, la canción que se convertiría en el éxito más importante de America en 7 años al llegar al número 8 de Billboard.

Detrás de ese sencillo vino “Right Before Your Eyes” que fue un homenaje al cine mudo. El LP apenas llegó a la casilla 41 de los álbumes, pero fue una mejora importante si se toma en cuenta la caída en picada que llevaba el grupo en los años anteriores.

Producto del éxito alcanzado, Beckley y Bunnell le pidieron a Ballard que produjera completamente su siguiente disco: “Your Move”. Al final Ballard terminó escribiendo prácticamente todas las canciones e interpretando todos los instrumentos, además de producir el disco en sí mismo. Beckley y Bunnell se dedicaron a cantar todo aquello que Ballard les armó.

Una de las pistas fue modificada por Bunnell, quien la reescribió y rebautizó como "Border", además de ponerle de respaldo a la Real Orquesta Filarmónica. El sencillo fue número 33 y el disco llegó al puesto 81.

Algo que permitió mantener vigente al grupo es que en muchas películas se usaba su música, además de que eran llamados para componer canciones para cine.

La pausa en la producción de álbumes terminó en septiembre de 1984 cuando lanzaron “Perspective”. Ballard ya no estaba en la nómina, pero sí los sintetizadores y los tambores eléctricos. Varios productores ayudaron a crear un sonido bastante mecánico (propio de la época) que se vio en “Special Girl”, un verdadero fracaso comercial. La otra canción que sacaron del disco fue “Can't Fall Asleep to a Lullaby” en la que participaron Steve Perry de Journey, Romert Maimer y Bill Mumy. Ambas canciones aparecieron en el circuito adulto contemporáneo brevemente, pero el disco apenas llegó al puesto 185.

“In Concert” fue el último disco para Capitol y fue su primer disco en no entrar a la lista de álbumes.

El final de la década de los 80's encontró a America trabajando en mejorar permanentemente su espectáculo que era presentado unas 100 veces al año en todo el mundo. A pesar de su popularidad en las salas de concierto, las disqueras no se peleaban por contratarlos.

Con la popularidad del disco compacto a inicios de los años 90's, muchos de los grupos clásicos del rock encontraron la posibilidad de reaparecer con nuevas colecciones o con discos reeditados.

En 1991 America volvió a grabar sus grandes éxitos y agregaron cuatro nuevas pistas para Rhino Records. “Hourglass”, de 1994, fue su primer disco de estudio en una década y fue puesto a la venta por American Gramaphone. La disquera se interesó en el dúo una vez que vió el impacto que tuvo su disco de éxitos. Dentro del disco estaban canciones muy pulidas y maduras como “Young Moon” y “Greenhouse”, además de nuevas versiones de “You Can Do Magic” y “Everyone I Meet Is From California”. Las críticas fueron muy buenas, las ventas no.

En 1998 volvieron a sacar un disco, esta vez bajo el sello Oxygen: “Human Nature”. El disco produjo dos sencillos, “From A Moving Train” y “Wednesday Morning”, que tuvieron éxito en las radios, pero no en las tiendas. Esto acabó con las expectativas de Oxygen y America, una vez más, se quedó sin casa disquera.

A inicios de este siglo, America se dedicó a reciclar su música a través de discos de grandes éxitos, un disco de Navidad y un disco en vivo. Sin embargo, Beckley y Bunnell se han enfocado en sus presentaciones en vivo, que son significativamente más lucrativas que cualquier esfuerzo de grabación.

Después de casi veinte años de estar al márgen de la industria musical, America volvió a intentarlo en enero de 2007 con “Here and Now”, un disco que cuenta con la colaboración de Adam Schlesinger, y tiene algunas pistas en vivo de la época de oro de America.


miércoles, 19 de noviembre de 2008

Milli Vanilli >> biografía

La sola mención del nombre de este dúo del pop todavía provoca reacciones fuertes entre quienes creyeron que lo que oían y veían era exactamente lo mismo. A pesar del tiempo transcurrido desde su desaparición, Milli Vanilli sigue siendo sinónimo de farza, fraude y estafa.

Rob Pilatus y Fabrice Morvan, las caras del dúo, resultaron ser modelos que se limitaban a mover los labios mientras sonaba una pista interpretada por cantantes profesionales de estudio. Fue por eso que se convirtieron en los primeros artistas en ser despojados de un Grammy y se llevaron consigo a muchos otros artistas del dance pop que, involuntariamente, quedaron bajo la sombra de la duda.

El dance pop quedó revelado como un género superficial, mecánico y artificial que se construía para satisfacer necesidades de mercado basadas estrictamente en la apariencia. En realidad, esta percepción no está muy lejos de la realidad en tanto que muchos artistas reducen su talento a una cara bonita.

Sin embargo, Milli Vanilli no fue el único grupo que usó esa técnica de mercado propia de finales de los ochenta, mucho menos el único grupo europeo que lo hacía, pero sí fue el que se convirtió en el más importante y notorio de todos los que salieron y quizás los que mejor hicieron el truco.

El tema de doblar la voz nunca fue extraño a la música pop. De hecho hay antecedentes que datan de la época de la música chicle de los años 60's y los combos de los 50's. Lo que pasó es que Milli Vanilli se ganó un nombre, se creó una fama, se convirtió en un fenómeno y no hubo un solo medio de comunicación que tolerara aceptar que lo habían engañado tan inteligentemente como lo hicieron Rob y Fabrice junto a sus productores.

La historia terminó mal en todo sentido. Luego de la desaparición de la banda Rob Pilatus entró en una profunda depresión que terminó con su muerte por sobredosis en 1998, diez años después del debut del dúo.

A pesar de todo lo anterior, el dúo vendió más de 30 millones de sencillos, 14 millones de álbumes y fue uno de los espectáculos más importantes de finales de los 80's e inicios de los 90's.

Milli Vanilli fue el producto de una idea del productor alemán Frank Farian, quien antes produjo al grupo de disco europeo Boney M. La idea de Farian era unir elementos del dance pop europeo con otros del rap norteamericano. Para ello armó un grupo de músicos de estudio y cantantes que incluyó al rapero Charles Shaw y a dos jóvenes cantantes norteamericanos que radicaban en Alemania, Johnny Davis y Brad Howell; junto a ellos estaban las mellizas Jodie y Linda Rocco. Lo que le hacía falta era imagen, de manera que la gente se enamorara del proyecto. Fue entonces cuando decidió contratar a dos antiguos bailarines de Breakdance: Rob Pilatus y Fabrice Morvan, que harían de “grupo” en los videos, conciertos, entrevistas y demás presentaciones públicas.

Pilatus nació en Nueva York en 1965 pero creció en un orfanato de Munich luego de que sus padres (un soldado norteamericano y una nudista alemana) lo dieran en adopción. Por su parte, Morvan nació en 1966 en la isla de Guadalupe, vivió un tiempo en Miami y luego se mudó con su madre a París. Ambos eran grandes bailarines y su apariencia exótica con largas extensiones era exactamente lo que Farian estaba buscando para su proyecto.

El álbum debut de Milli Vanilli fue “All Or Nothing” y se puso a la venta a mediados de 1988, con Rob y Fabrice al frente y sin una sola mención de quienes eran los cantantes. El disco tuvo un éxito inmediato y llamó la atención de Arista Records que firmó al grupo, remezcló algunas de las pistas, agregó otras, rebautizó al LP como “Girl You Know It's True” y lo puso a la venta en Estados Unidos a inicos de 1989.

La canción que le daba el nombre al álbum llegó a ser número 2 dentro de las 100 mejores y fue certificada como platino. Pero mayor fue el éxito de los tres sencillos que le siguieron: "Baby Don't Forget My Number", "I'm Gonna Miss You" y "Blame It On The Rain". Todos fueron número 1. Después vino “All or Nothing” que estuvo entre las cinco primeras a inicios de 1990.

El pico de popularidad de Milli Vanilli terminó con el premio Grammy al mejor artista en febrero de 1990.

El éxito y la fama se le empezó a subir a la cabeza al dúo, particularmente a Pilatus, quien empezó a tener fuertes cambios de carácter y un comportamiento errático, además de volverse adicto a la cocaína. En una entrevista con la revista Time comparó a Milli Vanilli y particularmente a él con Bob Dylan, Elvis Presley, Paul McCartney y Mick Jagger, lo que le valió todo tipo de burlas.

Ese mismo año, durante un concierto que fue grabado por MTV, la pista musical de “Girl, You Know It's True” se trabó y empezó a repetir "Girl, you know it's..." una y otra vez. En realidad a la gente que estaba ahí ni le importó, pero la gente de la prensa empezó a cuestionar a Rob y a Fabrice en las críticas a su presentación.

Para agravar las cosas, el disco lanzado en Estados Unidos sí le daba los créditos de la voz a Morvan y a Pilatus, lo que generaba más presión dentro del grupo, sobre todo por parte de Rob y Fabrice que querían cantar en el próximo disco. Eso le llenó la paciencia a Farian.

La presión interna y externa fue tal que Farian le confesó a la prensa el 12 de noviembre de 1990 que Morvan y Pilatus no eran los cantantes de las canciones que los habían hecho famosos. La prensa reaccionó con una dureza implacable que provocó que el Comité de los Grammys decidiera retirar el premio. El premio que no fue retirado fue el de los “American Music Awards” debido a que los organizadores estimaron que ellos habían ganado por decisión de los consumidores.

De la misma manera, Arista Records canceló el contrato y borró el disco y sus cintas master de su catálogo, además de cancelar cualquier otra publicación del LP.

A raíz del escándalo, en Estados Unidos se presentaron 26 demandas contra Pilatus, Morvan y Arista. Al final, lo que obtuvo la gente no fue dinero en efectivo sino crédito para comprar otros discos de la casa grabadora.

El segundo disco de Milli Vanilli estaba listo para salir cuando estalló el escándalo. Fue entonces cuando Farian decidió cambiar las fotos de las portadas por las de los verdaderos cantantes. De paso, le cambió el nombre al dúo como “The Real Milli Vanilli” (Los Verdaderos Milli Vanilli). Sin embargo, dado que el cambio se hizo muy sobre la hora, el diseñador gráfico olvidó cambiar el nombre de los artistas en el lomo del disco y aún en él puede leerse el nombre viejo.

En Estados Unidos el disco se llamó “Keep On Running” (igual que el sencillo que se usaría para promoverlo) y en Europa fue “The Moment of Truth”. Aunque se extrajeron tres sencillos, el disco fue un fracaso.

El grupo fue reformado incluyendo a Horton como la cara más visible y en 1992 RCA firmó un contrato con un grupo llamado Try'N'B. El disco incluyó canciones de The Real Milli Vanilli y vendió bastante mejor bajo el nombre de este grupo que del anterior.

Por su parte Morvan y Pilatus se mudaron a Los Ángeles y firmaron con Joss Etertainment Group para grabar un disco bajo el nombre de Rob & Fab. Casi todas las canciones del disco fueron escritas por Kenny Taylor y Fabrice Morvan, mientras los dos ex Milli Vanilli cantaban. La disquera no tenía la capacidad para sacar el disco fuera de Estados Unidos, el mercado más ácido para el grupo. Sumado a eso la falta de publicidad, mala distribución y el arrastre del escándalo, terminaron de hundir al disco.

Con los años pasó mucha agua debajo del puente y Farian también tuvo que pagar su cuota de fracasos. En 1997 se puso de acuerdo con Morvan y Pilatus para producir un disco de Milli Vanilli en los que ellos serían las voces. “Back and in Attack” contó con el apoyo de los cantantes originales con el fin de ayudar a recapturar la fama tan rápidamente perdida.

Sin embargo, Pilatus se enfrentó a muchos problemas durante la producción. Nuevamente volvió a las drogas, robó y fue a parar a la cárcel por tres meses. Farian pagó para que Pilatus fuera seis meses a una clínica a desintoxicarse y a rehabilitarse, además de un intento de regreso a Alemania.

Justo antes de la gira de promoción del disco, Pilatus fue encontrado muerto en un hotel de Frankfurt luego de intoxicarse con píldoras y alcohol.

Desde entonces Morvan se dedicó a la música, además de ser presentador de radio y de haber lanzado en 2003 su disco “Love Revolution”.

Reflexionando sobre la muerte de Rob, Fabrice dice en su sitio web: “Milli Vanilli no fue una desgracia, la única desgracia fue la forma en que murió Rob: sólo, destruído internamente por un rápido ascenso y una caída precipitada”. Y termina diciendo: “Siento un gran dolor al escuchar la noticia sobre mi amigo y hermano Rob. Siempre será una parte de mí . Crecimos juntos luchando y triunfando. Lo único que queríamos era una oportunidad para cantar y actuar".

Saquen Uds. sus propias conclusiones.


lunes, 10 de noviembre de 2008

Savage Garden >> "Savage Garden" (1997)

Tras la publicación del álbum debut con su mismo nombre, el dúo de Brisbane fue el primer grupo australiano en alcanzar lo más alto de las listas de sencillos y álbums en su propio país. Con sus himnos de pop con sintetizadores de aire retro, Savage Garden no tardó en llegar al éxito internacional gracias, en parte, a una extraordinaria difusión radiofónica.
Comparado con Roxette y Duran Duran, Savage Garden no obtuvo el beneplácito de la crítica tras la publicación de su primer disco. No obstante, el grupo se hizo con una amplia base de seguidores gracias a muy buenos temas como "
To The Moon and Back" y el nº 1 en EEUU "Truly Madly Deeply".
Al mes siguiente de la publicación del disco, las ventas empezaron a dispararse gracias a que Rosie O'Donnell empezó a poner el tema "I Want You" en su programa de televisión, para poco después invitar al dúo para una actuación acústica.
Con un carácter de pop melódico con ritmos pegadizos, Savage Garden tenía el atractivo de la pasión vocal de su cantante Darren Hayes y la limpia producción de Charles Fisher, que ya había trabajado con Air Supply. "Savage Garden" fue muy popular en EEUU y en el Reino Unido, pero lo fue aún más en Australia, donde permaneció durante 19 semanas seguidas en lo más alto de las listas de éxitos.
"Savage Garden" se publicó en abril de 1997 y vendió casi 8 millones de copias. Está en el puesto nº 64 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) To the Moon & Back
2) I Want You

3) Truly Madly Deeply

4) Tears of Pearls

5) Universe

6) Carry on Dancing

7) Violet

8) Break Me Shake Me

9) A Thousand Words

10) Promises

11) Santa Monica




jueves, 6 de noviembre de 2008

Zucchero Fornaciari >> biografía

Adelmo Fornaciari, más conocido como Zucchero (azúcar), nació el 25 de septiembre de 1955 en Roncocesi, un pueblo agrícola de la provincia de Reggio Emilia en Italia. Hijo de campesinos, todavía hoy está muy ligado a su tierra aunque vive en Toscana. Su música está influida por el gospel, el blues y el rock, alternando entre baladas y ritmos alegres.

De chico desarrolla su primera pasión: el fútbol, al que le dedica horas y horas jugando en la escuela y, al final, entra como arquero en el equipo infantil del club de Reggio Emilia. Se gana el apodo de Zucchero en la escuela elemental (el maestro lo llamaba "azúcar y mermelada").

Es en Reggio Emilia donde empieza a tocar la guitarra. Las primeras nociones se las enseña un estudiante americano negro que frecuenta la facultad de veterinaria de Bolonia y que influyó decididamente en su gusto por el blues.

Aprende a tocar a los Beatles, Bob Dylan y los Rolling Stones. En 1968 la familia se traslada por trabajo a la Versilia (en Forte dei Marmi) y el jóven se ve obligado a cambiar amigos y costumbres. Pero lleva ya la música en la sangre y se ha familiarizado con el rhythm'n'blues y la música del delta del Mississipi. Funda "Le nuove luci", un grupo de jóvenes músicos como él, con el cual empieza a tocar en las salas de baile de la zona.

Cursa estudios en el Instituto técnico industrial de Carrara y, luego, se matricula en la facultad de veterinaria. Pero no termina los estudios. En efecto, vive de la música. Va de gira con Sugar & Daniel (Daniel es el cantante del grupo, mientras Zucchero toca la guitarra y el saxofón) hasta 1978, cuando forma los Sugar & Candies, para los cuales empieza a escribir las canciones.

A pesar de que su verdadero amor es el blues, cuando escribe canciones para otros se esfuerza en seguir la música italiana. Fred Bongusto, un campeón de atmósferas románticas para el cual escribe "Tutto di te", lo anima a seguir esa dirección; también escribe para un jóven representante del género melódico, Michele Pecora. Pero este último, con "Te ne vai", obtiene un gran éxito veraniego y ello catapulta a Zucchero a la canción comercial.

Su carrera musical empieza en 1970 cuando empieza a militar en pequeñas agrupaciones como “I ducali”, “Le nuove luci”, “Sugar & Daniel”, “Sugar & Candies” y “Taxi”, con la que ganó el festival de música Castrocaro en 1981, lo que eventualmente le deparó un contrato con una disquera. Al año siguiente se presentó en el Festival de San Remo con “Una notte che cola via” y en 1983 con “Nuvola” en el Festival dei Fiori. Su primer disco salió ese mismo año bajo el título Un po' di Zucchero, pero no llegó a tener mayor suceso.

En 1984 se mudó temporalmente a California en donde trabajó con el productor Corrado Rustici. En las sesiones de grabación contó con el apoyo del bajista Randy Jackson con quien hizo química. El resultado fue el LP Zucchero & The Randy Jackson Band del que se extrajo “Donne”, que se convertiría en un éxito en Italia durante 1985.

El disco sirvió para mostrarse ante el público, lo que llevó a Zucchero y Rustici a trabajar en “Rispetto”, que incluyó una seguidilla de éxitos, entre ellos la canción que daba título al disco y “Come il sole allimproviso” en el que se combinaba el estilo pop italiano de Zucchero con el soul norteamericano.

Aunque éstos LP's habían vendido de forma aceptable hubo que esperar hasta el tercer disco: “Blue's”, para que la gente se encaprichara con Zucchero y convirtiera ese álbum en el más vendido en la historia de Italia, además de hacer de Zucchero una estrella popular por toda Europa.

El disco también fue producido por Rustici e incluye en los instrumentos a Clarence Clemos, The Memphis Horns y David Sancious. “Con Le Mani”, escrita por Gino Paoli, la controversial “Solo una sana...” y la versión original de “Senza una Donna” hicieron que el disco se vendiera como pan caliente. La gira para promover el disco incluyó apariciones de Joe Cocker, Ray Charles y Dee Dee Bridgewater.

Siendo un artista reconocido internacionalmente, Zucchero se podía empezar a dar algunos gustos. El primero fue grabar en Memphis “Oro, incenso e birra” junto a Eric Clapton y Rufus Thomas. Este disco pronto se convirtió en uno de los más importantes de su carrera, llegando a superar en ventas alrededor del mundo a "Blue's", gracias a canciones como “Diamante”, “Overdose (d'Amore)”, “Il Mare” y “Wonderful World”.

Después de haber vendido más de un millón de copias de sus dos últimos discos y cantar junto a Joe Cocker, Eric Clapton y Miles Davis, Zucchero se lanzó a conquistar el resto de Europa. “Blue's” fue puesto a la venta en Inglaterra en 1990, además de un disco de éxitos en inglés en el que interpreta “Senza una Donna” junto a Paul Young. El tema fue número uno en toda Europa, excepto en Inglaterra donde se frenó en el número 2. “Diamante” y “Wonderful World”, a dúo con Eric Clapton, también encabezaron las listas europeas.

Los dúos fueron su línea de trabajo a inicios de los años 90's llegando a grabar con Sting, Luciano Pavarotti, Andrea Bocelli, Peter Maffay, Elton John, Bryan May y Eric Clapton. Muchas de estas canciones luego serían incluidas en el disco “Zu & Co.” de 2004. La estatura musical de Zucchero ya era reconocida por propios y extraños, por eso cantó junto a los tres sobrevivientes de Queen en el homenaje a Freddie Mercury.

En 1991 puso a la venta su primer disco en vivo llamado “Live from the Kremlin”, y en 1992 salió a la venta “Miserere”, un disco introspectivo producto del dolor que le produjo su separación y en el que le acompañó Luciano Pavarotti en una canción, y Elvis Costello y Bono en la composición de dos canciones. Nuevamente Corrado Rustici estuvo encargado de la producción.

En 1994 salió “Diamante”, un disco dedicado al mercado latinoamericano y en el que Zucchero cantaba en castellano las letras traducidas por el músico argentino Fito Páez. Después de su gira de seis semanas por la región, viajó al concierto por el 25º aniversario de Woodstock como el único artista europeo en la cita.

De vuelta en California para grabar su próximo disco fue contactado por Dan Akroyd para que apareciera en el concierto en memoria de John Belushi en la “House of Blues”. Allí, junto a Akroyd, James Belushi, John Goodman y la banda de los Blues Brothers, Zucchero cantó “Diavolo in me” y “You are so beautiful”.

1995 vió la salida de “Spirito DiVino” un LP que produjo tres éxitos europeos: “Il Volo”, “Papa perché?” y "X colpa di chi”, y que se convirtió en uno de los discos más vendedores del artista con 3 millones de copias colocadas en aquel continente. El disco está cargado de sonidos sureños de los Estados Unidos y cuenta con la participación de David Sancious, Jeff Beck, Sheila E y el ex pianista de Chuck Berry, Johnny Johnson.

Una colección de éxitos de Zucchero se puso a la venta en 1996 colocándose rápidamente entre los discos más vendidos en Europa. El CD salió en italiano e inglés, contenía 13 clásicos del artista y 3 canciones nuevas. La gira fue sala llena donde se presentara, incluyendo en Estados Unidos.

“Blue Sugar”, de 1998, se cargó más hacia el rock inglés de la mano de Corrado Rustici y una banda que incluyó al bajista de Santana, Benny Rietveld, y Mark Fltham. Steve Winwood estuvo en las teclas, en tanto Bono, el cantante de U2, escribió la versión en inglés de “Blu”. El CD alcanzó a vender un millón de copias. La gira fue larga y eso obligó al artista a tomarse un descanso que se prolongó hasta mediados del 2001 cunado “Baila Morena” se convirtió en la canción más sonada de Europa. “Shake” fue el disco que le siguió, nuevamente producido por Corrado Rustici, y colocó 2 millones de copias en menos de un año. “Ali D'Oro”, una de las canciones, incluye la última grabación de John Lee Hooker.

En 2004 se puso a la venta el disco de dúos “Zu & Co.” en el que intervienen Sting, B.B. King, Miles Davis, Maná, Sheryl Crow, Eric Clapton y Solomon Burke. La presentación del disco en el Royal Albert Hall de Londres tuvo como punto alto la aparición de estos artistas.

En septiembre de 2006 salió a la venta su último disco llamado “Fly”, esta vez producido por Don Was. El disco estuvo cargado de éxitos y contó con la colaboración de Ivano Fossati y Lorenzo Jovanotti.



sábado, 25 de octubre de 2008

Huey Lewis and The News >> biografía

Huey Lewis and The News fue una banda de bar a la que le fue muy bien. Con un rock and roll simple y directo e inspirados en las bandas de bar inglesas y en la música de los años 60's, la banda originaria de San Francisco se convirtió en uno de los grupos más notorios de los 80's.

Con canciones como "Workin' for a Livin'," "I Want a New Drug," "The Heart of Rock & Roll," "Hip to Be Square" y "The Power of Love" se convirtieron en el ícono cultural de los yuppies por sus letras que ensalzaban la realidad de los trabajadores de oficina y sus aficiones deportivas.

A medida que los 80's avanzaban, las letras se hacían más sencillas para acercarse a un público más viejo que decidió adoptarlos, pero al inicio de los 90's la fórmula mágica se había acabado. Sin embargo, el grupo se mantuvo como un espectáculo digno de ser visto y con una producción que regularmente llegó a las estaciones del adulto contemporáneo.

Las raíces de la banda están en el grupo Cover, una formación country que formaron Lewis (Joeish Hugh Cregg III) y el tecladista Sean Hopper al regreso de Lewis de un viaje de mochilero por Europa en 1972.

El número fue descubierto por un productor inglés, Nick Lowe, en un club nocturno californiano en 1976. Lowe tenía la idea de que el grupo podía ser un suceso en los bares ingleses. Ahí lograron una pequeña audiencia cautiva y, a partir de ese éxito, intentaron con un primer sencillo ("Chicken Funk") en el que Lewis hacía la voz principal. Al año siguiente, la banda (sin Lewis) hizo de soporte para Elvis Costello en la grabación del álbum debut del artista.

En medio de la fiebre punk, Polygram lanzó dos álbumes de Clover que nunca encontraron alguien que los escuchara. Además, John McFee, el líder de la banda, se fue a tocar con los Doobie Brothers. Ese fue el final del grupo y todos volvieron a California. Pero antes de partir, Lewis tocó la harmónica en un disco de Lowe y cantó "Bad Is Bad".

A su regreso a Estados Unidos, Lewis y Hopper empezaron a improvisar en un bar de San Francisco. Allí formaron una banda llamada American Express con Mario Cipollina en el bajo, Johnny Colla en el saxofón y la guitarra, y Bill Gibson en la batería. El grupo grabó un sencillo con Mercury Records que fue ignorado. En 1980 se agregó el guitarrista Chris Hayes y lograron un contrato con el sello Chrysalis, que además pidió que se le cambiara el nombre a la banda. Escogieron llamarse Huey Lewis & The News e inmediatamente empezaron a trabajar en su primer disco que se llamó igual que la banda y fue un fracaso...

Sin embargo, sin desanimarse, en 1982 grabaron su segundo disco que produjo el éxito "Do You Believe in Love" que llegó al Top Ten, y además tuvo dos éxitos menores con "Hope You Love Me Like You Say You Do" y "Workin' for a Livin'". Esto sirvió para crear una base de seguidores importante que hizo presión para el tercer álbum: "Sports".

El disco fue un éxito completo desde su salida a finales de 1983. Lento pero seguro, el álbum se convirtió en un multiplatino empujado por la nueva cultura del video que venía de la mano de MTV. "Heart and Soul", "I Want a New Drug", "The Heart of Rock & Roll" y "If This Is It" dominaron las listas durante 1983 y 1984 llegando al Top Ten. El disco fue número uno y llegó a vender 7 millones de copias.

A finales de 1984 Lewis demandó a Ray Parker Jr. acusándolo de plagiar "I Want a New Drug" en el tema principal de los Cazafantasmas. El asunto se arregló fuera de la corte.

Un año después vino el primer nº 1 de la banda con "The Power of Love", que fue el tema principal de la película "Volver al Futuro".

En 1986 publican "Fore!", su cuarto disco, que produce 5 sencillos que llegan al Top Ten, dos de los cuales fueron número uno: "Stuck With You" (nº 1), "Hip to Be Square" (nº 3), "Jacob's Ladder" (nº 1), "I Know What I Like" (nº 9), y "Doing It All for My Baby" (nº 6).

Con un nombre consolidado y con dos álbumes que produjeron éxitos a raudales, el grupo decidió ampliarse musicalmente con el disco "Small World" de 1988. En él, exploran varios ritmos musicales de los Estados Unidos. De ese disco salió "Perfect World" que llegó al Top Ten, pero el disco no logró los niveles de venta que habían tenido sus predecesores y eso generó algo de decepción.

El grupo se tomó 3 años para sacar "Hard at Play" con su nueva disquera EMI. El disco no llegó a los 20 más importantes y produjo un éxito menor que fue "Couple Days Off". Eso sirvió para darse cuenta que los tiempos de oro se habían terminado y lo tomaron con calma.

Desde entonces se dedican a hacer giras esporádicas y grabaron "Four Chords And Several Years Ago", un disco orientado al mercado del adulto contemporáneo y plagado de covers. Fue una adaptación natural del grupo a los gustos de la audiencia, pero también un regreso a su propio estilo.



Second Hand Songs: una base de datos de covers

Comenzamos a partir de este post a conocer algunos sitios Web de utilidad, y para esta primera entrega hablaré de Second Hand Songs ("Canciones de segunda mano"), una magnífica base de datos de covers. Este proyecto fue fundado a principios de 2003 por Bastien De Zutter, Mathieu De Zutter y Denis Monsieur, y funciona gracias al trabajo de un grupo de gente fanática de los covers. Para que tengan una idea, tiene 15 editores activos de diversas nacionalidades como Bélgica, Italia, Inglaterra, EEUU, Brasil, Francia, Holanda y Alemania. En este momento la base de datos cuenta con más de 83.000 canciones y casi 30.000 artistas, entre músicos y compositores, que podemos consultar.

La estructura de la Web es muy simple y la navegación por el sitio es sencilla y amena. A la izquierda encontraremos la barra de menúes donde podremos realizar búsquedas en la base de datos (
Database search) , ingresar al foro (Forum) o ir al centro de información donde encontraremos guías de ayuda (Guidelines) y respuestas a las preguntas más frecuentes (FAQ). Además, en New Additions podremos ver un listado con las últimas 100 canciones agregadas a la base de datos.

Tenemos la posibilidad de buscar canciones por artista (
Artist), nombre de la canción (Song) e incluso por álbum (Medium). Pero veamos un ejemplo: si ingresamos Bryan Adams al campo de búsqueda, marcamos la opción Artist y hacemos clic en el botón "Go" vamos a obtener la siguiente información:
- Bryan Adams nació el 5 de noviembre de 1959 en Canadá.
- Tiene 6 canciones originales de las cuales se han hecho covers. Ingresando en cada canción podremos conocer el año de publicación, los compositores y el nombre del artista (grupo o solista) que realizó el cover, junto al año de realización.
- Bryan Adams realizó 6 covers de canciones de otros artistas. Aquí podremos ver el título de la canción, el año de realización del cover y el nombre del artista original (grupo o solista) que compuso la canción.

Por último, si vemos algún dato mal podremos reportar errores a los editores y así contribuir a mejorar la base de datos. Para ello deberemos estar registrados en el sitio, lo cual se puede hacer de manera gratuita desde la opción
Register en el foro.

Que lo disfruten y ojalá este sitio les sea de mucha utilidad.
Saludos !!

Link >> Second Hand Songs


viernes, 24 de octubre de 2008

The Archies >> biografía

Fueron creados para el consumo en masa en medio de la fiebre de la música chicle. Sacados directamente de una historieta y llevados a la pantalla de la televisión, se convirtieron en un fenómeno de la música pop de fines de los años 60's e inicios de los 70's.

La mayoría de los “grupos de chicle” no tenían un rostro real, eran producidos por músicos profesionales contratados a tal efecto. A los Archies nunca se les pretendió vender como una banda real, sobre todo porque su música, incluido su gran éxito “Sugar, Sugar”, era interpretada por un grupo de adolescentes retratados en dibujos animados sacados directamente de la historieta. En realidad eran una creación de estudio dentro de la que destacaba el cantante Ron Dante.

Los personajes de los Archies eran: “Archie” Andrews, el guitarrista principal, “Reggie” Mantle en el bajo, “Torombolo” Jones en la batería, “Betty” Cooper en la pandereta y la percusión, “Verónica” Jones en teclados, y Hot Dog como la mascota.

Los Archies fueron creados por el promotor Don Kirshner en 1967. Krishner tenía todas las credenciales para el puesto dado su éxito como creador de los Monkees. A finales de ese año Krishner fue llamado por la CBS para que se encargara de la parte musical de su nueva serie de dibujos animados: Los Archies. La serie implicaba el reto de tener un tema musical nuevo en cada episodio semanal.

Entonces trajo a los productores Jeff Barry y Ellie Greenwich quienes habían sido el núcleo creativo de varios grupos femeninos de la época, incluso Greenwich interpreta varias de las canciones de los Archies.

Inicialmente, Kirshner había escogido a Kenny Karen como la voz principal del grupo, pero Barry trajo a Ron Dante, un cantante de sesión con más experiencia que ya había cantado con los Detergents, y a quien conocía de algunas sesiones de grabación de Neil Diamond.

Mientras Dante hacía la voz masculina, Jeannie Thomas se convirtió en la cantante femenina. Cuando el programa por fin se estrenó fue un éxito inmediato y su primer sencillo “Bang Shang-a-Lang” casi entra a las 20 canciones más populares a finales de 1968. Poco después, Barry contrató al compositor y cantante de respaldo Andy Kim y reemplazó a Thomas con Toni White como voz femenina. Los coros eran interpretados por Jeff Barry, Susan Morse, Joey Levine, Maeretha Stewart, Ellie Greenwich, Bobby Bloom y Leslie Miller.

Barry y Kim escribieron “Sugar, Sugar” que se convertiría en el éxito más importante de los Archies y del año 1969. Estuvo cuatro semanas encabezando la lista de las canciones más populares en Estados Unidos, dos meses lo hizo en Inglaterra, vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos y fue declarada la canción del año por la revista Billboard.

Al mismo tiempo, el programa de televisión se expandió a una hora, mientras Dante se colaba en el top ten cantando “Tracy” en un grupo llamado The Cufflinks. El siguiente sencillo (“Jingle Jangle”) llegó a colocarse en el top ten, pero a partir de ahí la presencia de los Archies en las listas empezó a desmejorar.

Su último éxito en entrar al Top 40 fue “Who's Your Baby?" a inicios de 1970. Luego Toni White sería reemplazada por Donna Marie, quien a su vez sería sustituida por Merle Miller. Sin embargo, a finales de 1970 el productor Jeff Barry dejó el proyecto de los Archies tratando de desarrollar otros nuevos. Siempre se ha dicho que esta salida fue la que terminó con la serie.

El último sencillo producido por Barry fue lanzado en 1971, se titulaba “A Summer Prayer for Peace” y era una clara crítica a la guerra de Vietnam. Irónicamente el tema fue un éxito en Sudáfrica.

Después de la separación, Ron Dante se dedicó a una corta carrera en solitario que no prosperó. Entonces se dedicó a la producción musical, trabando una muy buena relación con Barry Manilow, que produjo entre otras canciones "Copacabana". Ha producido a artistas tales como Dionne Warwick, Pat Benatar, Irene Cara, Ray Charles y John Denver. Al mismo tiempo se ha hecho famoso cantando canciones comerciales para reconocidas marcas.


miércoles, 22 de octubre de 2008

Bee Gees >> biografía

Pocas bandas a lo largo de la historia experimentaron tantos cambios de estilo y tuvieron éxito en cada uno de ellos como los Bee Gees. Tampoco son muchos los grupos que, como ellos, se mantuvieron vigentes y populares del principio al fin de su carrera, pese a las duras críticas y hasta burlas que recibieron de ciertos sectores.

Maurice, Robin y Barry Gibb, tres hermanos de Brisbane, Australia, formaron el grupo siendo muy jóvenes, en 1958. En su país adoptivo (en realidad nacieron en Manchester, Inglaterra) lanzaron un LP, The Bee Gees sing and play 14 Barry Gibb songs, pero el éxito no fue el esperado. Ante ese panorama, decidieron retornar a Gran Bretaña.

Una vez en el Reino Unido, sumaron al grupo al guitarrista Vince Melouney y al baterista Colin Petersen. Con su primer single británico ("New York mining disaster 1941") se inició la que podría llamarse su primera faceta musical: canciones melódicas con toques de soul y country, e influenciadas por las armonías beatles. "Massachusetts" es otro ejemplo de esta temprana encarnación Bee Gees.

Con Odessa, su álbum de 1969, su período simple y bucólico dió paso a un sonido más complejo. Ni Odessa ni ninguno de los álbumes que la banda realizó en su etapa de pop-progresivo (entre el 1969 y 1974) tuvieron éxito comercial ni buenas reseñas de la crítica.

Entonces los Bee Gees mutaron una vez más, en esta ocasión tomando el rumbo que los haría famosos en el mundo entero.
En
Main course, de 1975, dieron sus primeros pasos en la música disco, desarrollando un estilo que se volvería su marca registrada. “Jive talkin'" fue el gran hit del álbum. Children of the world, el disco del año siguiente, siguió explotando la misma veta, con temas como "You should be dancing" y "Love so right". Y luego, en 1977, la explosión: la banda de sonido de la película Saturday night fever. De la mano de "Stayin' alive", "How deep is your love", "Night fever" y otros, se pusieron a la cabeza de la legión de bandas de rock que incursionaron en la música disco. ¿Exito comercial? Llegaron a vender más que los Beatles.

Spirits having flown, de 1979, siguió en la misma línea sonora, pero los tiempos habían cambiado: la disco agonizaba, víctima del heavy metal y el punk. El fracaso de su siguiente álbum Living eyes (1981) le firmó el certificado de defunción a la música para llenar las pistas. Los primeros años de los 80's fueron épocas de desconcierto. Los tres emprendieron sus proyectos solistas, con resultados poco satisfactorios. Luego se reunieron para producir y componer para artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick, Kenny Rogers y Dolly Parton. E.S.P., de 1987, fue su disco de regreso. El álbum fue bien recibido, al igual que su sucesor One (1989). De allí en más, sus trabajos se hicieron más y más esporádicos, pero su popularidad no decayó: Still waters, su disco de 1997, fue doble platino.

Su último disco fue This is where I came in (2001). Dos años después, Maurice falleció mientras era operado por una obstrucción intestinal. Sus dos hermanos, pese a que pensaban seguir escribiendo canciones, ya no se presentarían con el nombre de Bee Gees...


Bee Gees en D-audio >> How deep is your love (1977) > Disco 2


martes, 21 de octubre de 2008

Crowded House >> biografía

Hace mucho que Australia dejó su huella en la música pop internacional y entre los que hicieron esa marca sin duda tiene un lugar de privilegio Crowded House. La banda fue una institución en su país, tuvo dos éxitos enormes en Estados Unidos y durante más de la mitad de su existencia fueron estrellas en Europa. Crowded House grabó una buena parte de la mejor música pop que se produjo a fines de los 80's y comienzos de los 90's. Su líder, Neil Finn, se reveló como un consumado compositor, con letras inspiradas y un sentido único por la melodía.

Crowded House se formó en 1985 en Australia cuando Neil Finn disolvió su grupo Split Enz. Finn armó la nueva banda con el ex baterista de Split Enz Paul Hester, el bajista Nick Seymour y el guitarrista Craig Hooper. Inicialmente se llamaron The Mullanes. Con ese nombre hicieron algunas giras, hasta que en junio de 1985 viajaron a Los Angeles buscando un contrato de grabación. Lo consiguieron con el sello Capitol, que les sugirió el cambio de nombre.

Inspirados por el lugar donde vivían en Los Angeles, se les ocurrió Crowded House. Empezaron a trabajar para su álbum debut con el productor Michael Froom. Pronto el productor y el grupo desarrollaron una intensa relación, producto de las mutuas necesidades profesionales.

El disco debut de Crowded House fue editado en 1986 y en el momento de su salida no despertó gran interés, debido a la escasa promoción que le dió el sello. Concientes de que estaban solos para triunfar, empezaron una serie de actuaciones a lo largo y a lo ancho de Estados Unidos, visitando cada local de venta de discos y tocando en formato acústico. El trabajo rindió sus frutos y en febrero de 1987 el álbum había entrado en el Top 40 del ranking estadounidense. Cuando salió "Don't dream it's over", esta irresistible melodía alcanzó la cima de los charts.

Le siguió "Something so strong", que llegó al puesto nº 7, mientras en Australia y Nueva Zelanda el álbum se convirtió en multiplatino. Después de un éxito tan contundente, el segundo disco de Crowded House debió enfrentar las enormes expectativas de la crítica y la audiencia. Editado en 1988, "Temple of low men" refinaba el estilo compositivo de Neil Finn, pero cierta complejidad de las canciones y en general el clima oscuro del álbum conspiraron para que no fuera aceptado con la misma facilidad que el anterior. El álbum estuvo muy lejos del suceso esperado y eso desanimó a los músicos y la compañía grabadora, al punto de abandonar los planes de hacer una gran gira por Estados Unidos.
La banda recibió una inyección de optimismo por el cálido recibimiento que tuvieron en sus presentaciones en Canadá y Australia, pero no alcanzó para superar la crisis y a mediados de 1989 Crowded House se disolvió.

A fines de 1989, Neil se reunió con su hermano Tim y juntos empezaron a componer canciones para un posible álbum conjunto. La colaboración fue un éxito y rápidamente los hermanos Finn compusieron 14 canciones. Después de las primeras sesiones con Tim, Neil también se puso a componer material para un eventual disco de Crowded House, pero el resultado final no lo conformó. Entonces decidió combinar los mejores temas que había compuesto con su hermano con los más logrados que tenía para la banda, y además incorporó a Tim como el nuevo miembro de Crowded House.

Finalmente, el tercer disco de Crowded House fue lanzado en 1991 bajo el título "Woodface". Nuevamente el álbum incluía las más refinadas composiciones de la factoría Finn, pero la elección de los simples no fue la adecuada para la audiencia norteamericana y malogró las chances de éxito en ese país. Sin embargo, en Europa (y particularmente en Inglaterra) descubrieron a la banda: después de seis meses de calma, sus temas empezaron a escalar el chart británico y pronto se expandieron por el resto del continente europeo. En Inglaterra "Woodface" certificó Disco de Platino.

Tim Finn fue uno de los responsables directos de ese suceso, pero nunca se sintió cómodo con la banda en escena. Así fue como en medio de la gira de 1991 dejó el grupo.
A comienzos de 1993 Crowded House se reagrupó para grabar un cuarto disco, sumando al guitarrista norteamericano
Mark Hart a la banda. También cambiaron al productor Froom por Youth, ex integrante de Killing Joke.

El álbum "Together alone" fue lanzado en octubre de 1993 en Europa y al año siguiente en Estados Unidos. El disco tuvo unánimes criticas positivas y sólidas ventas en todo el mundo excepto Estados Unidos. La banda se embarcó en una exitosa gira europea y cuando estaban iniciando el tour por Norteamérica, Paul Hester dejó el grupo.
Sobre el final de 1994, Neil Finn decidió dejar las giras y concentrarse en otros proyectos, entre los cuales estaba la edición del disco con su hermano. Finalmente el álbum de los Finn salió a fines de 1995. En junio del año siguiente Neil Finn comunicó oficialmente la separación –ahora sí definitiva– de Crowded House.

Casi de manera simultánea se editó el compilado "Recurring dream: the very best of Crowded House", que ingresó en el primer puesto de los rankings de Inglaterra y Australia. Luego de una prolongada gira de despedida, en noviembre de 1996 Crowded House dio su último concierto en el Sydney Opera House de Australia ante más de 100.000 fervorosos fans.

En 2007, como comenté en la primera entrada de este blog, Crowded House regresa luego de 11 años con el álbum "Time on Earth".


Crowded House en D-audio >> Don't dream it's over (1987) > Disco 1