jueves, 30 de abril de 2009

Inxs >> "Kick" (1987)

Después de haberse columpiado en el borde del estrellato a mediados de 1980, el grupo australiano INXS saltó directamente a la superliga del pop con el álbum Kick en 1987. Con su híbrido disco-rock frío y dolorido, INXS despegó con cuatro sencillos de enorme éxito que tuvieron el respaldo de la difusión de unos videos en MTV muy simpáticos, en los que aparecía la imagen de Michael Hutchense, el líder del grupo, en su característico traje de cuero.
Kick elevó a INXS, que llevaba trabajando ya nueve años, a la cima de su carrera, con una mezcla de cierto atractivo visual y reflexiones políticas, aderezada con un funk-rock muy pulido y palpitante que les hizo ganarse la fama de llenar los estadios en los conciertos y sirvió para que se los pusiera a la altura de los gigantes del pop, como REM y U2.
Además del único sencillo nº 1 del grupo, "
Need You Tonight", las canciones "New Sensation", "Devil Inside" y la emotiva balada "Never Tear Us Apart" encontraron un puesto en la lista de sencillos del Top Ten de Billboard. Sin embargo, no fueron los sencillos los que hicieron de Kick un disco atractivo que los distinguía de los primeros álbumes del grupo, sino que se debió, más bien, a la clara ausencia de rellenos. Prácticamente todas las canciones presentaban una calidad similar.
De esa manera, el disco se convirtió en un éxito con ventas millonarias, como nunca volvería a experimentar INXS. El álbum alcanzó el nº 3 en el Billboard 200.
Kick fue publicado en enero de 1987 y vendió 7 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80´s.


Contenido del disco:

1) Guns In The Sky
2)
New Sensation
3) Devil Inside
4)
Need You Tonight
5) Mediate
6) Loved One
7) Wild Life
8)
Never Tear Us Apart
9)
Mystify
10) Kick
11) Calling All Nations
12) Tiny Daggers


+ Info >> Biografía de INXS



martes, 28 de abril de 2009

Colección D-audio >> Disco 2

En medio de los festejos por las 20.000 visitas del blog, les presento el CD nº 2 de la colección D-audio, el cual ya pueden escucharlo on-line y descargar en su totalidad. Aunque todavía me falta agregar algunas biografías y publicar las letras de los temas, el disco ya está disponible para todos aquellos melómanos que disfrutan de las grandes baladas.
Como siempre digo, si bien este es un proyecto personal, está abierto a la participación de los demás. Hay mucha gente que me ha ayudado, y que continúa ayudándome, a armar la colección. Si tienen algo de historia, datos curiosos, anécdotas o información poco conocida que piensen que puede ayudar a enriquecer lo ya publicado, el aporte será bienvenido !!!!
También si ven que falta algo que quisieran agregar pueden sugerirlo. Recibo ideas, opiniones, criticas constructivas y sugerencias. Todo sirve :)

Pueden dejar sus comentarios aquí en el blog, en el chatbox o bien por e-mail.

Colección D-audio >> Disco 2

Demás está decir que las 20.000 visitas no hubieran sido posibles gracias a la compañía y a la ayuda de (espero no olvidarme de nadie)
Heaven, Alfonso, Sergio, Alfredo, Fervox, MusicMan2, Toni, Her, Luis y David, y desde luego a todos quienes regularmente ingresan a este espacio para compartir sus conocimientos y su gusto por la buena música.

A todos, muchas gracias !!!!
Salud !!!!


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domingo, 26 de abril de 2009

Audio Hi-End

De acuerdo a los resultados de la encuesta del mes, al menos el 65% de los votantes cuenta con un equipo modular de audio Hi-Fi o Hi-End. Es bueno saberlo, por un lado porque muestra un perfil del visitante promedio del blog, y por otro porque estos resultados coinciden con el relanzamiento de Audio Hi-End, mi web de audio de alta fidelidad.

La idea original data de 1999, cuando decidí crear un sitio para intercambiar experiencias entre los aficionados al sonido y exponer artículos y notas de audio interesantes y (sobre todo) útiles, tanto para el novato como para el experto. Al estar en español y no orientado exclusivamente a ingenieros y profesionales del sonido, el sitio pronto cubrió un vacío existente en la materia y se convirtió en visita obligada para cientos de aficionados al audio en los paises de habla hispana. El éxito, sin embargo, duró hasta fines de 2004, fecha de la última actualización. Desde entonces, la falta de tiempo y de colaboradores hicieron que no pueda dedicarme al mantenimiento del sitio. Hoy, la creación de este blog y el hecho de haber encontrado gente con ganas e interés en sumarse al proyecto han logrado que regrese al trabajo.

Para mi es un nuevo y fresco comienzo. En principio republicaré las notas de audio ya existentes en este blog y los artículos enviados por los colaboradores. Luego será el momento de incorporar una Guía útil para configurar y mantener cada uno de los componentes de un equipo de audio de alta fidelidad, agregar mayor cantidad de software y ocuparme de los artículos más técnicos y específicos. También, por qué no, comenzar con un breve curso de acústica de salas.

Asi es que, si les interesa el audio Hi-Fi o Hi-End, poseen un equipo de sonido al cual le quieren sacar el mejor partido, o simplemente desean colaborar con el sitio compartiendo sus conocimientos y experiencias, serán más que bienvenidos !!!!
A partir de hoy habrá un completa integración entre
Audio Hi-End, la página de la colección D-audio, y este blog.

Como siempre, la idea y la intención de todo este trabajo es que sea útil e interesante para Uds.

sábado, 25 de abril de 2009

Breves >> Midnight Oil

Midnight Oil saltó a la fama en el año 1987, gracias a su hit global, "Beds Are Burning", un llamado de atención al mundo por la usurpación, por parte de diversas compañías, de tierras pertenecientes a los aborígenes australianos. Fue uno de los grandes temas de la década de los 80's y una de las pocas canciones con temática política que también se podía bailar.

La carrera de
Midnight Oil arranca en 1971, cuando algunos estudiantes se disponen a hacer ruido sin demasiado sentido. El hobby dura cuatro años bajo el nombre de Farm, hasta que conocen a Peter Garrett, un extraño cantante, muy alto y con la cabeza rapada, quien les propone un curso de acción más interesante. El grupo cambia su nombre, pasa a llamarse Midnight Oil, y busca, sin suerte, un contrato profesional. Como les iba bien en los shows en vivo, editan su primer álbum en 1978 de manera independiente.

Tres años más tarde y con sus trabajos vendiendo de manera consistente, atraen la atención de Columbia Records que los ficha y los proyecta internacionalmente. En 1984 editan
Red Sails in the Sunset, álbum con el que logran un éxito menor en el terreno internacional gracias al hit "When The Generals Talk". En ese mismo momento, INXS abre una ventana para la música australiana con su éxito internacional, y Midnight Oil supo aprovechar el hueco con Diesel And Dust, de 1987, al tiempo que su tema "Beds Are Burning" alcanza el Top 20 en Estados Unidos. "The Dead Heart", si bien logró un reconocimiento menor, sirvió también para cimentar su éxito.

Peter Garrett, en ese entonces, era un conocido líder ecológico en su tierra natal, y casi gana un lugar en el senado. El disco de 1990
Blue Sky Mining continuó con la temática ambientalista, oponiéndose a las minas en cielo abierto. El reconocimiento mundial seguía firme. La presentación del grupo frente a las oficinas de la petrolera Exxon en Nueva York, para protestar por el derrame de petróleo en las costas de Alaska, llamó la atención mundial.

Earth And Sun And Moon (1993) fue uno de los mejores álbumes de la carrera de Midnight Oil, pero las ventas no fueron las mismas. Algo parecido sucedió con el álbum posterior, Breathe (1996). Su momento parecía haber pasado. Eso y el creciente interés de Peter Garrett por la política hicieron que Midnight Oil se separara en 2002.

Se volvieron a juntar en 2005 para un show benéfico, pero tras el mismo decidieron que la banda había cumplido su ciclo.




viernes, 24 de abril de 2009

Michael Jackson >> "Thriller" (1982)

Michael Jackson ya había publicado uno de los álbumes que habían definido su carrera en solitario con la producción de Quincy Jones Off The Wall. No obstante, esto apenas sirvió para preparar al mundo para el gran bombazo que supuso Thriller en 1982. El álbum lo tenía todo: rock, soul, pop, la inigualable voz de Jackson y una distinguida selección de colaboradores, entre los cuales se encontraban Paul McCartney, David Foster, James Ingram, Janet Jackson, Dean Parks y David Paich, por citar sólo algunos.
El primer sencillo, "The Girl is Mine", llegó al Top Ten a ambos lados del Atlántico, pero fueron los ambiciosos videos de "Billie Jean" y "Beat It" los que pondrían los cimientos para el éxito del álbum. Gracias en parte a los potentes solos de guitarra de
Eddie Van Halen, "Beat It" fue engullido por MTV, convirtiendo a Jackson en el primer artista negro en recorrer el camino del éxito en la red. Igualmente, el carisma de Jackson como estrella le ayudó a ganar una enorme audiencia para el, en ese entonces, nuevo canal.
Un número sin precedentes de siete temas de los nueve del álbum se convirtieron en éxitos del Top Ten de EEUU. Las ventas de
Thriller y el impacto de los videos redefinieron para siempre las expectativas dentro de la industria musical.
Thriller fue publicado en diciembre de 1982. Vendió más de 68 millones de copias tan sólo en los Estados Unidos, y se calcula que en la actualidad lleva vendidas más de 109 millones de copias en todo el mundo. Está ubicado en puesto nº 1 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.


Contenido del disco:

1) Wanna Be Startin' Somethin'
2) Baby Be Mine
3)
The Girl Is Mine
4)
Thriller
5)
Beat It
6)
Billie Jean
7) Human Nature
8) PYT (Pretty Young Thing)
9) Lady In My Life




jueves, 23 de abril de 2009

MPC (Musepack)

Continuando con los formatos lossy es el turno de MPC, cuyo desarrollo comenzó en 1997. Actualmente, junto a OGG Vorbis, es uno de los formatos que, al parecer, están destinados a terminar con el reinado de MP3.
Musepack utiliza como base los algoritmos presentes en MPEG Layer II, pero optimizados de tal manera que son capaces de competir con los demás formatos. Además de los presentes en la denominada Layer II, MPC utiliza otros algoritmos pertenecientes también a AAC, como el ya mencionado entropy coding y técnicas para reducir el ruido, entre otras. Al igual que OGG Vorbis, Musepack tiene siempre un bitrate variable (VBR), que puede ir desde 3 a 1300 kbits. Por último, y de manera similar que MP3, también utiliza el llamado "modelo psicoacústico" cuyo objetivo es reducir aquellas frecuencias que nuestro oído es incapaz de procesar correctamente, para optimizar la compresión del sonido. Sin embargo, las técnicas y algoritmos de este "modelo psicoacústico" difieren de las de MP3.
Otra de las similitudes entre MPC y MP3 es la metadata, y aunque Musepack utiliza otro tipo de tags, el objetivo y el resultado son, en definitiva, los mismos. En cuanto a rendimiento, es muy similar al de OGG Vorbis, llegando a la llamada "transparencia" unos cuántos kbps. antes que MP3. En definitiva, se trata de una alternativa muy interesante para aquellos que desean cambiar el formato de su colección de música.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con MPC les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un
comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle el rey de los formatos lossy: MP3.


Enlace >> Página oficial de MPC Musepack

Enlace >> Descarga de software

Audio Hi-End >> Más artículos en mi web de audio Hi-Fi y Hi-End


miércoles, 22 de abril de 2009

Breves >> Suzanne Vega

Impulsada por el éxito mundial que le significó "Luka", Suzanne Vega se instaló cómodamente en un sitio de privilegio en la década de los 80's, abriendo la puerta para el aterrizaje del plantel femenino en el universo folk, territorio habitado hasta ese momento sólo por hombres.

Oriunda de la ciudad de Nueva York, EEUU, ya de niña mostró una inclinación artística escribiendo poemas a la corta edad de nueve años. Tiempo después, mientras perfeccionaba sus estudios universitarios en literatura inglesa, comenzó a tocar en pequeños pubs aumentando día a día su convocatoria.

En 1984 recibió su primer propuesta discográfica, editando su disco debut al año siguiente.
Suzanne Vega gozó de buenas críticas tanto en Estados Unidos como en Gran Bretaña, pero el batacazo llegaría con su segundo LP, Solitude Standing. Con fecha de edición en el año 1987, el disco incluía a "Tom's Diner" y "Luka", un tema que hablaba sobre el abuso infantil en primera persona. La canción causó un alto impacto en el público gracias a su sensibilidad lírica y se convirtió en un hit instantáneo gracias a su frescura y dulzura pop.

Luego de una extensa gira y un posterior descanso del mundo discográfico, la artista maniobró un giro estilístico en su regreso: volcada hacia la experimentación y la exploración de estilos como el synth-pop y el dance, lanzó
Days of Open Hand (1990) y 99.9Fº (1992).

Nine Objects of Desire (1996) significó un punto medio en su carrera, pero recién fue con Songs in Red and Gray, lanzado en el 2001, con el que regresó al sonido más directo y orgánico que la hizo popular. Luego de algunos lanzamientos en vivo y compilados de grandes éxitos, la artista editó nuevo material con canciones originales en el 2007, con Beauty & Crime.

Como dato anecdótico, la versión de "
Tom's Diner" ("La cafetería de Tom"), remasterizada por el dúo británico DNA, fue la primer canción que grabé decentemente de la radio, desde luego, en cassette.



Pat Metheny >> biografía

Pat Metheny es uno de los guitarristas más innovadores que han surgido en la historia del jazz. Como exponente de la fusión del jazz con elementos del rock y de otras vertientes musicales, propia de la década de los años 70's, Metheny pertenece a una generación de músicos que se dejaron influir por otras corrientes además del jazz. En su caso, la fuerte influencia que recibió de la música folk y country se escucha con fuerza en su estilo y hacen de él uno de los músicos más influyentes por sobre las nuevas generaciones de músicos.

Su producción ha experimentado con varios estilos musicales, produciendo esto a veces críticas provenientes de los sectores más duros del jazz, y se ha dividido fundamentalmente en dos vertientes, la desarrollada como solista con distintos músicos invitados y la desplegada con su grupo, que comparte con el tecladista
Lyle Mays.

Patrick Bruce Metheny nació en Lee's Summit, Missouri, EEUU, el 12 de agosto de 1954. Comenzó a tocar la guitarra a los 13 años y estudió durante su adolescencia en la Universidad de Miami y en la famosa
Berklee College Of Music de Boston. Su influencia más destacada en sus primeros años fue la del guitarrista Wes Montgomery. Su fluido estilo se desarrolló en forma temprana y fue reconocida por el vibrafonista Gary Burton, profesor de Berklee, quien lo incorporó a su quinteto en 1974.

En 1975, Metheny firmó contrato con el sello alemán ECM y grabó su primera placa como líder, en trío con el bajista
Jaco Pastorius y el baterista Bob Moses. En 1977 formó su grupo, junto a Lyle Mays, un joven compositor y tecladista poseedor de un estilo muy refinado en el piano, y a la vez un incansable experimentador de los teclados electrónicos. En 1978 grabó el disco Pat Metheny Group, que produjo un fuerte impacto tanto por la inspirada composición y arreglos, que desde el jazz rozaba el terreno del rock y de la música country con toques de sinfonismo, como por la estatura de los improvisadores Metheny y Mays.

En 1979 editó
New Chautauqua, un disco solista donde se mete con fuerza en el lenguaje de la guitarra country, con toques de improvisación. Ese mismo año, con el grupo graba American Garage, donde el jazz y del rock se fusionan con tal fuerza y naturalidad que la placa se catapultó a los primeros puestos de venta en ambos estilos. Todo guitarrista joven que empezaba quería sonar como él a la vez que un sector más conservador del jazz lo criticaba.

Metheny comenzó a acallar esas críticas con proyectos paralelos junto a otros artistas consagrados del jazz, como
80/81, el aclamado disco de 1980 con los saxofonistas Michael Brecker y Dewey Redman, el contrabajista Charlie Haden y el baterista Jack DeJohnette. Al poco tiempo, el grupo llega a una madurez con el celebrado Travels, disco doble en vivo, con el percusionista brasileño Naná Vasconcelos como invitado, apoyado con constantes giras internacionales. En 1983 irrumpe con Rejoicing, en trío con el baterista Billy Higgins y Charlie Haden en contrabajo, y en 1985 con Song X, un intenso experimento de Free Jazz, junto al pope del estilo, Ornette Coleman.

En 1984 incorpora al grupo al multiinstrumentista argentino
Pedro Aznar y al baterista Paul Wertico, y edita el ecléctico First Circle. A partir de allí el grupo comienza a recostarse cada vez más sobre la música brasileña y es a menudo criticado por su liviandad. Sin embargo, el estilo guitarrístico de Metheny continúa evolucionando sin tregua, siendo ampliamente reconocido por la crítica y por la industria a través de varios premios Grammy.

Metheny continúa desarrollándose desde proyectos solistas, con invitados especiales, con su grupo y en la composición de bandas de sonido para películas. Se destacan sus grabaciones en trío de los últimos años junto a
Larry Grenadier en contrabajo y Bill Stewart en batería.

En 1992 edita
Secret Story, el álbum que muchos expertos lo consideran el mejor disco de la carrera de Pat Metheny y posiblemente del jazz contemporáneo.

Metheny ha sido sin dudas un gran innovador dentro del jazz. Su constante inquietud lo ha llevado por momentos a tomar algunos giros que no fueron recibidos con entusiasmo, pero su estilo de improvisación, junto a su original sonido, apoyado por la tecnología, y su composición, de un lirismo infrecuente en el jazz, lo colocaron en un lugar de privilegio dentro de la historia musical.





martes, 21 de abril de 2009

Adam Ant >> biografía

Adam Ant es uno de esos fenómenos de la música que llegan y salen con la fuerza de un huracán. Una canción basta para que en dos semanas la gente se vuelva loca y con la misma velocidad la olvide. Inicialmente, Adam Ant se basó en el uso intenso de la guitarra propio del post-punk, más tarde pasó al pop y luego retornó como un cantante para el público adulto. Sus grabaciones, más que influyentes, eran una muestra de los movimientos en los que se inscribió.

Stuart Leslie Goddard (Adam Ant), nació en londres el 3 de noviembre de1954. Hijo único de una familia de trabajadores, tuvo las oportunidades básicas de estudio de un chico de su generación.

Terminada su secundaria, a inicios de los setenta, se enroló en Bazooka Joe, una banda con la que estuvo hasta 1975 cuando se marchó para formar su propio grupo: The B-Sides. Al mismo tiempo cambió su nombre a Adam Ant y su esposa se lo cambió a Eva.

Para 1977 se había divorciado y abandonó la universidad para dedicarse enteramente a la música. Entonces formó un grupo post-punk llamado Adam and the Ants en el que estaba el guitarrista Lester Square, el bajista Andy Warren y el baterista Paul Flanagan. Envueltos en vendas, se convirtieron en un éxito local y tuvieron algunas apariciones nacionales. El grupo era más teatral que los demás grupos punk e incluían objetos e imágenes sadomasoquistas.

Ansioso por alcanzar la fama y un contrato con algún estudio de grabación, el grupo reclutó al antiguo manager de los Sex Pistols, Malcom McLaren. A finales de 1979 ya habían grabado su primer álbum: "Dirk Wears White Sox". La contratación de McLaren trajo consigo un cambio de imágen y de estilo musical. Por una parte el grupo empezó a vestirse como piratas y por otro lado su música se volvió más pop.

Desafortunadamente, después de la salida del disco, McLaren convenció a las hormigas (Ants) de dejar a Adam y convertirse en el grupo de rock Bow Wow Wow.

Inmediatamente Adam rearmó la banda con el guitarrista Marco Pirroni, el bajista Kevin Mooney y los bateristas Terry Le Miall y Chris "Merrick" Huges. Bautizaron su ritmo como Antmusic, aunque los especialistas lo llamaron New Wave. Su primer LP fue "Kings of the Wild Frontier" que alcanzó un éxito comercial impresionante con tres canciones que llegaron al Top Ten inglés: "Dog Eat Dog", "Antmusic" y el tema homónimo del disco. Los temas venían acompañados de videos cargados de maquillaje que llamaban la atención de todo el mundo y explotaban la figura estilizada de Adam Ant.

Sin embargo, con el éxito llamando a las puertas, la banda se volvió a separar después de la salida de "Prince Charming", el LP de 1981. A pesar de ello, Ant continuó su relación musical con Marco Porroni y, a partir de ello, lanzó su carrera en solitario con el disco de 1982 "Friend or Foe". El álbum fue un éxito en Estados Unidos obteniendo un disco de oro y llevando al sencillo "Goody Two Shoes" al número 1. También se extrajeron "Friend or Foe" y "Hello, I Love You".

En 1983 volvió con "Strip", un disco que fracasó en Estados Unidos pero que incluía el sencillo "Puss 'n' Boots" producido por Phil Collins y que llegó al Top Ten inglés.

Justo después de ese éxito parcial vino el álbum "Vive Le Rock", que hacía referencia al rock de los años 50's y que fue producido por Tony Visconti, el mismo que produjo a los T-Rex y a David Bowie. Luego vendría su presentación en Live Aid y con ella una pausa en su carrera musical para dedicarse de lleno a la actuación.

En 1990, Adam Ant regresó con el disco "Manners and Physique", un proyecto cargado a lo electrónico y producido por el ex bajista de Prince, Andre Cymone. Con ese disco, Ant volvió a las listas con "Room at the Top". A ese álbum le siguió "Persuasion", pero la disquera MCA decidió no publicarlo y Ant volvió a las pantallas.

Cinco años más tarde regresaría con "Wonderful", un disco basado en la música de los Beatles, usando guitarra y el tradicional apoyo del sintetizador. Desafortunadamente, el disco empezó a despegar con el tema que le daba nombre al disco cuando Ant cayó enfermo y eso lo forzó a no llevar a cabo una gira mundial.

De alguna manera, su estilo musical aún se puede escuchar en el trabajo de Elastica, Nine Inch Nails y Suede.




sábado, 18 de abril de 2009

Cat Stevens >> "Tea For The Tillerman" (1970)

Tea For The Tillerman fue la compleción de lo vislumbrado en el álbum de regreso de Cat Stevens, More Bone Jakon, y lo consagró como uno de los mayores talentos norteamericanos. El disco fue distribuido por Mobile Fidelity Records.
Tras un vacío en su carrera desde finales de los años 60's, tras haber contraído una tuberculosis, Cat Stevens regresó en perfecta sincronía a comienzos de la década siguiente, justo cuando el movimiento de los cantautores estaba tomando impulso.
La canción que abre el disco, "Where Do The Children Play?", señaló la nueva dirección de Stevens. Aparentemente se trata de un tema pop, pero si se estudia con más detalle pone de manifiesto las preocupaciones del artista sobre el precio que estaba pagando la sociedad por el progreso y la técnica. "
Wild World", su primer sencillo en el Top 20 de EEUU, llegó al nº 11 y le dió un nuevo giro a las canciones de ruptura. Por otro lado, "Father And Son" muestra al autor en una conversación intergeneracional.
Paul Samwell-Smith, ex Yardbird, proporcionó una producción suave y amable, que permitió que las canciones de Stevens respiraran. Urgido por el éxito de "Wild World", el álbum tardó cinco meses tras su publicación en alcanzar el nº 8 en EEUU, permaneciendo en las listas durante 79 semanas. En Inglaterra, en cambio, sólo llegó a un modesto nº 20.
Las canciones de este álbum han sido cantadas por artistas de muy diverso tipo, desde
Mr. Big, Domino y Maxi Priest ("Wild World") hasta Boyzone ("Father And Son").
Tea For The Tillerman fue publicado en noviembre de 1970 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 92 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70's.


Contenido del disco:

1) Where Do The Children Play?
2)
Hard Headed Woman
3)
Wild World
4) Sad Lisa
5) Miles From Nowhere
6) But I Might Die Tonight
7) Longer Boats
8) Into White
9) On The Road To Find Out
10)
Father And Son
11) Tea For The Tillerman




miércoles, 15 de abril de 2009

OGG Vorbis

Comenzamos con los formatos lossy. Vorbis es un códec de compresión de audio completamente Open Source y, por lo tanto, gratuito. Al ser utilizado en conjunto con el formato OGG, se convierte en lo que hoy conocemos como OGG Vorbis.
Este formato nació en 1998 en respuesta a una carta en la que los creadores de MP3 decidían cobrar regalías por su patente. Cuatro años después, luego de muchas pruebas, llegó la primera versión estable. Como verán, este formato es relativamente nuevo; sin embargo, su popularidad ha crecido de manera considerable en los últimos años. Sus seguidores están por todo el mundo y la cantidad crece día a día.
Al igual que MP3 y muchos otros formatos lossy,
OGG Vorbis utiliza la técnica MDCT (Modified Discrete Cosine Transformation), que cambia el dominio del sonido para llevarlo al de las frecuencias, y luego aplicarle otras técnicas como quantization y entropy coding. Este formato tiene una característica particular: funciona siempre en VBR (Variable Bit Rate). Al contrario de lo que sucede con un flujo de bits constantes, lo que hace VBR es variarlo según la complejidad del sonido, optimizando la compresión y, por lo tanto, el tamaño del archivo.
Las ventajas frente a MP3 se evidencian a simple vista. La más notoria es que suele llegar a lo que se denomina "transparencia" (es decir, cuando la calidad del sonido es tan similar a la del original que no se nota variación alguna) a aproximadamente 160 kbps, en contraste con MP3 que suele lograrlo a 192 kbps. Aunque parece una diferencia insignificante, logra reducir el tamaño del archivo y obtener la misma calidad, que es en definitiva el objetivo primordial de todo formato de compresión.
Si bien todavía no cuenta con mucho soporte en reproductores portátiles de audio y minicadenas, la situación está cambiando. Esto puede verse en las nuevas versiones de firmware para los principales reproductores de MP3, especialmente en marcas como Apple.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con OGG Vorbis les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un
comentario.
En una próxima entrada veremos en detalle otro de los formatos lossy: MPC.


Enlace >> Página oficial de OGG Vorbis

Enlace >> Descarga de software

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lunes, 13 de abril de 2009

Queen >> biografía

La década de los ochenta fue el período en el que el cuarteto británico Queen produjo música que fue de lo mitológico a lo desenfrenado. Pero los invito a conocer la historia desde el principio...

En 1968 Brian May y Tim Staffell, ambos estudiantes del Colegio Imperial, decidieron formar un grupo de rock. Brian colocó un anuncio en el periódico del colegio solicitando un baterista tipo Ginger Baker. El llamado fue respondido por Roger Taylor, quien finalmente obtuvo el puesto. Así nació Smile, que en 1969 obtuvo un contrato de grabación con Mercury Records.

Tim Staffell estudiaba en el Colegio Ealin de Artes. Fue allí donde conoció a Freddie Bulsara y lo llevó a conocer a la banda. Bulsara era originario de la isla Zanzíbar en el Océano Índico (hoy parte de Tanzania) y había llegado a Inglaterra junto a sus padres. Desde entonces Freddie se convirtió en admirador del grupo. En 1970 la banda se separa y Tim busca un camino propio, mientras que Freddie Bulsara abandona el grupo del que formaba parte, Wreckage, y se une a Taylor y May.

En ese momento Bulsara se convierte en Freddie Mercury, la banda es rebautizada como Queen y le piden a John Deacon que toque el bajo de forma permanente para el grupo, ya que anteriormente habían tenido tres bajistas temporales.

Empezaron entonces ensayos extenuantes y presentaciones para amigos del Colegio Imperial, mientras les ofrecieron probar el equipo de un nuevo estudio a cambio de producir cintas de demostración (demos) en las que nadie se interesó. Finalmente, en 1972, el estudio Trident mostró interés en ellos y los puso a grabar su primer disco, pero en los horarios vacíos de la casa, además de pagarles 60 libras esterlinas por semana.

En 1973 Trident firma un acuerdo con EMI para que Queen pueda producir y publicar su disco en julio. Para promover el álbum los pusieron como teloneros en la gira del grupo Mott The Hoople. Sin embargo, la sensación general era que el grupo era mucho más que eso.

"Queen II", la segunda placa, salió en marzo del 1974, luego de que la banda insistiera que se arreglara la portada por un defecto de impresión. Nuevamente, acompañando a Mott The Hoople, Queen se embarca en una gira que los lleva a Estados Unidos, pero que tiene que ser suspendida cuando Brian May se desmaya producto de la hepatitis. Ese mismo año, en noviembre, lanzan otro disco ("Sheer Heart Attack!") que se convierte en un éxito de ventas tanto en Inglaterra como en Estados Unidos.

Al año siguiente inician una gira por EEUU. La venta de entradas para los conciertos fue tan buena que en algunas localidades tuvieron que presentarse dos veces el mismo día. Esa misma razón hizo que Mercury enfermara de la garganta y algunas presentaciones tuvieran que ser canceladas.
Así empezaba 1975 cuando contrataron a Jim Beach, un abogado especializado en asuntos de la industria musical, a quien encargaron cerrar la relación con Trident. El sello no ofrecía el apoyo de antes y eso los tenía molestos. Ese mismo año implicó visitas a Canadá y Japón.

En junio empiezan a grabar un nuevo disco mientras se separaban de Trident. En ese disco venía "Rapsodia Bohemia". Nadie creía que esa canción pudiera tener éxito, más si se tenía en cuenta que duraba casi 6 minutos. Mercury le entregó una copia de la canción a un programador amigo en Londres para que nada más la escuchara. El amigo desobedeció y la puso al aire catorce veces en dos días. A partir de ahí, no hubo una radio que se preciara de ser seria que no quisiera poner la canción en toda su extensión. De hecho, el video que se produjo para ese tema fue pensado en términos de aumentar el impacto del disco.

La popularidad del grupo fue tal que en una ocasión sus admiradores fueron llamados a la filmación de uno de sus videos: "We Are The Champions". Dentro del nuevo Teatro de Londres filmaron una y otra vez las escenas con un público complaciente y obediente. En agradecimiento, la banda improvisó un concierto para sus fans.

Pero el atractivo del grupo era el cantante Freddie Mercury, quien conocía bien la historia musical británica, además de la música popular de la época. Su versatilidad era tal que pasó de lo más clásico del blues al rock más divertido en "Crazy Little Thing Called Love". Durante los años setenta ese estilo los convirtió en uno de los espectáculos que debían ser vistos. En los ochenta, al fundirse con estilos más funk, entraron en metamorfosis creativa, aunque no de ventas.

Fue así como en el disco "The Game" (1980) se incluyeron sintetizadores, en contraste con "Rapsodia Bohemia". De la mano de "Another One Bites The Dust" el álbum se convirtió en un éxito de ventas que sólo en Canadá fue cinco veces platino. En Estados Unidos estuvo en la cima de tres listas a la vez (Disco, Soul y Rock) y se llevó el premio respectivo de Billboard. Su gira de 1981 los trae a latinoamérica acompañados de 45 millones de discos vendidos. Llenaron estadios en Buenos Aires, Río de Janeiro y Sao Paulo.

También en los años ochenta vinieron las carreras en solitario, que salvo por Deacon, el resto se dedicó a aprovechar con bastante éxito. Lo significativo es que nunca descuidaron al grupo que les dió fama y reconocimiento. En 1984 con la salida de la placa "The Works" el grupo empieza a experimentar con sonidos más electrónicos. Del disco se extrajeron "Radio Ga Ga" y "I Want To Break Free". La primera es un canto melancólico a la radio, y la segunda una suerte de liberación creativa expresada en el video, que no fue puesto al aire por MTV.

Para entonces el reconocimiento de su trabajo era tal que en el concierto "Live Aid" fueron considerados por la prensa y el público como los destacados del show. La banda entró en una fase más madura produciendo obras en conjunto y por separado que recogían lo mejor de los setenta y los ochenta, no sólo en los éxitos, sino también en la calidad de su producción. La muestra del nivel de trabajo fue "Barcelona", que cantó Freddie Mercury con Montserrat Caballé en 1988.

En 1989 lanzan "The Miracle" y en 1991 "Innuendo", el último disco de la banda antes de la muerte de Freddie Mercury a causa del SIDA ocurrida el 24 de noviembre de ese año. Ambos contenian éxitos como "I Want It All", "The Invisible Man" y "The Show Must Go On".
Finalmente, en 1995, la banda lanza su último disco: "Made in Heaven", un álbum reflexivo, introspectivo y una despedida de quien sabía que era hora de cerrar un círculo para comenzar una nueva etapa.




sábado, 11 de abril de 2009

Earth, Wind & Fire >> "All 'N All" (1978)

La repentina muerte de su lugarteniente musical, Charles Stepney, obligó al líder de Earth, Wind & Fire, Maurice White, a replantearse la banda para el disco All 'N All. Ausente Stepney, que había hecho los arreglos y coproducido todos los éxitos del grupo hasta entonces, White hizo que Joe Wisser, asociado desde hacía largo tiempo al grupo, coprodujera el disco y comenzara a buscar ayuda fuera de Earth, Wind & Fire. El resultado fue su primera colaboración con el (en ese momento) prometedor arreglista y compositor David Foster.
Foster, que posteriormente llegaría a coescribir para el grupo "After Love Has Gone", canción que ganaría un Grammy, fue llamado como arreglista para "Fantasy". Aunque sólo se trató de un éxito modesto, "
Fantasy" fue un indicio de hacia dónde apuntaba ahora el grupo.
"Serpentine Fire" les proporcionó un nuevo nº 1 en las listas de rhythm & blues, al igual que la balada "I'll Write A Song For You". El hecho de que White escribiera el disco tras unas vacaciones en Brasil es evidente en una serie de interludios titulados "Brazilian Rhyme", mientras que la mezcla de "Runnin'" fue lo bastante buena como para ganar el Grammy al mejor rhythm & blues instrumental en enero de 1979, exactamente un año después de que el disco alcanzara el nº 3 en las listas norteamericanas.
All 'N All fue publicado en enero de 1978 y vendió 3 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 68 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 70's.


Contenido del disco:

1) Runnin'
2) Brazilian Rhyme (2)
3) Be Ever Wonderful
4) Serpentine Fire
5)
Fantasy
6) In The Marketplace
7) Jupiter
8) Love's Holiday
9)
Brazilian Rhyme
10) I'll Write A Song For You
11) Magic Mind
12) Do You Mind
13) Runnin' (2)
14) Brazilian Rhyme (3)




viernes, 10 de abril de 2009

Software >> Nexus Radio

Si nos gusta escuchar música todo el día, con Nexus Radio podremos reproducir toda clase de canciones desde cualquier lugar, grabar nuestro programa de radio favorito e incluso descargar música de una base de datos de más de 15 millones de temas. Cada vez son más los sistemas de radio on-line que existen en Internet y que ofrecen muchos tipos de servicios diferentes. Nexus Radio es uno de los más completos y cuenta con más de 7000 estaciones de radio de todo el mundo para escuchar on-line. Una característica sobresaliente de este software es que nos permite, además, programar y grabar en la PC nuestras emisiones de radio favoritas en formato MP3, para poder escucharlas luego.
Al iniciar
Nexus Radio veremos varias solapas en la parte superior de la ventana. Si elegimos "Stations" y luego "All Stations" veremos un listado donde se distribuyen las sintonías en 38 géneros musicales. Sólo es cuestión de seleccionar el que más nos agrade para acceder a una casi infinita lista de estaciones. Cada radio muestra su bitrate, es decir, el número de bits que se transmiten por unidad de tiempo. Esto define la calidad del audio que se está reproduciendo. Generalmente una calidad aceptable para escuchar radio es 96 Kbits/s. Si la estación que seleccionamos tiene un número inferior a este valor, la calidad de sonido no será la mejor. Si el valor es superior, por ejemplo 128 Kbits/s, la calidad será muy buena, aunque deberemos contar con una conexión de alta velocidad para que la radio no se escuche entrecortada.
Una vez seleccionada la estación podremos grabarla e incluso guardarla en la lista de radios favoritas.
Nexus Radio también cuenta con un sistema de efectos y ecualizadores que prodremos aplicar en vivo a lo que estamos escuchando.
Una buena opción para disfrutar la música en todo momento y lugar.


Enlace >> Página oficial de Nexus Radio

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jueves, 9 de abril de 2009

Breves >> Dido

Una de las pocas exponentes de calidad de fines de los 90's y principios de la década actual es Dido.
Dido Florian Cloud de Bounevialle Armstrong (tal su nombre completo) nació el 25 de diciembre de 1971 en Londres, Inglaterra. Su primer nombre, el cual eligió para darse a conocer como artista, proviene de una diosa de la mitología griega.
Dido fue una niña prodigio: ingresó a la Guildhall School of Music de Londres con solo seis años, y en su adolescencia ya dominaba el piano y el violín. Inició su carrera profesional en 1995, colaborando con la banda de su hermano Rollo: Faithless. Después del primer disco del grupo, la cantante comenzó a trabajar en su primera producción como solista. Finalmente, en 1999 salió No angel, una exquisita combinación de pop acústico y electrónico, con cierto componente new age que recuerda a Sinead O' Connor.
Las ventas de este álbum se dispararon dos años después, a partir de que Eminem sampleó una sección del tema "Thankyou" para su canción "Stan". Luego, los hits propios fueron cayendo uno a uno: "Hunter", "Here with me", "All you want", etc. Conclusión:
No angel fue el disco más vendido de 2001 en Gran Bretaña.
En septiembre de 2003 salió su segundo álbum,
Life for rent, una obra más madura y orientada a los sonidos lánguidos de la new age. Después de cinco años de silencio discográfico, la cantante regresó en el 2008 con Safe trip home, un álbum que mantiene el matiz intimista, cálido y acústico de sus producciones anteriores.


Dido en D-audio >> Thankyou (1999) > Disco 1



lunes, 6 de abril de 2009

¿Todo tiempo pasado fue mejor?

Hay dos hechos que cambiaron la historia de la música y provocaron un aluvión de creatividad. Primero fue la aparición del rock and roll en los años 50's gracias a la guitarra (un instrumento que data de la edad media), y segundo la creación del sintetizador en los años 60's. Luego, la evolución de la tecnología les fue dando a los artistas mayores opciones a la hora de componer y buscar nuevos sonidos.
La música de los 50's me gusta porque era muy sencilla, con apenas un par de instrumentos y voces fabulosas hubo grandes creaciones. Una prueba de que no se necesita demasiado para hacer buena música.
Si bien los 60's aportaron mucho a la diversidad musical, con melodías armónicas, coros y voces estupendas, fue en los 70's cuando realmente comenzó todo. En términos de variedad y alcance de la música esa década fue de todo menos aburrida. Fue una época de expansión, tanto en lo que se refiere al aspecto creativo de los artistas y músicos, como por el éxito de la propia industria discográfica. Las ventas de discos, tanto de álbumes como de sencillos, crecieron más allá de las locas previsiones de los ejecutivos. Cada vez había más música disponible, aparecieron nuevos estilos y los que ya existian se desarrollaron y mejoraron. Entre otros podemos citar al Soul, el Reggae, el Punk, el Rock Progresivo y la música Disco.
Sin embargo, la música de los 70's es tal vez la que menos me agrada. Había muchos experimentos y sonidos raros, pero fueron la base para lo que vendría luego: la maravillosa década de los 80's, en donde se produjo el resurgimiento del Pop que reflejó un gusto por sonidos más sólidos y maduros. Es, en definitiva, la música con la cual me identifico.
Los 90's fueron, a mi criterio, años menos creativos, pero aún así todavía podían encontrarse canciones de calidad. También fue una década exitosa para nuevos estilos negados en épocas anteriores, como el Hip Hop, el Dance, el Rhythm and Blues y el Country. A pesar de eso, ya la variedad y diversidad musical empezó a manchar. Había toneladas de música, pero en su mayoría basura. Tuvimos que empezar a ser mucho más selectivos con lo que escuchábamos y cada vez era más difícil encontrar buena música.
Y de esa manera llegamos a la década actual, con muy pocas producciones de calidad. Así, por ejemplo, nos encontramos con discos como "Lovers Rock", de Sade, que es del año 2000. Para los amantes de la buena música es una verdadera obra de arte, pero estas producciones no abundan como flores en un campo de margaritas.
Es una en un millón.

David, un lector frecuente de este blog, me comentaba por e-mail que, según su opinión, desde hace unos años (mediados de los 90's hasta la actualidad) la calidad musical ha decaído a tal punto que ya no se encuentran grandes canciones y mucho menos discos que se destaquen. Eso es una gran verdad si tenemos en cuenta que hoy en día la música está pre-fabricada de acuerdo al perfil del consumidor, no interesa la espontaneidad del artista a la hora de componer sino vender solamente lo que la gente compra en cantidad industrial. En definitiva, lo único que interesa es el dinero.
Esta última década, 2000-2010, ha sido sin lugar a dudas la peor en la historia de la música desde los 50's.

¿Uds. que piensan?
¿Todo tiempo pasado fue mejor?
Los invito a opinar dejando un comentario.

domingo, 5 de abril de 2009

TTA (True Audio)

Para terminar con los exponentes del grupo lossless nos encontramos con TTA, uno de los formatos que más popularidad ha ganado en los últimos años. Junto con APE y FLAC, True Audio es considerado como uno de los más maduros en su tipo. ¿Porqué sucede esto? Muy sencillo: rápida y eficiente compresión, alta calidad de sonido y, sobre todo, licencia gratuita y Open Source.
TTA puede trabajar en multichannel y en 8, 16 y 24 bits, algo de lo que no todos los formatos pueden jactarse. Al igual que APE, TTA utiliza métodos presentes en los algoritmos de ZIP y PKZIP, pero optimizados para comprimir audio eficientemente. De esta intensiva optimización se desprenden las principales características de TTA que le han valido fama mundial.
La rapidez y la efectividad en cuanto a compresión cumplen un papel esencial en su éxito. Sus creadores aseguran que este formato es, sin lugar a dudas, el que más rápido puede comprimir archivos de audio. Además, logra reducir entre 30% y 70% el tamaño original del archivo, similar a lo que sucede con FLAC.
Como su códec es capaz de compilar en cualquier sistema operativo o plataforma, TTA tiene una flexibilidad impresionante. Y por si todo esto fuera poco, tiene soporte para los reproductores de audio más populares y tags del tipo ID3.
Estas fuertes características hacen que criticar a este formato sea una tarea inútil. Salvando algunos bugs menores, no posee falla alguna.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con TTA les dejo el link hacia la página oficial y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que tengan experiencia con este formato los invito a compartirlas dejando un
comentario.
En una próxima entrada comenzaremos con los formatos lossy: OGG Vorbis.


Enlace >> Página oficial de TTA

Enlace >> Descarga de software

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Breves >> Lee Ann Womack

Nacida y criada en Texas, la cantante de country Lee Ann Womack trabajó en el departamento de contratación de un sello discográfico y pasó años componiendo profesionalmente antes de convertirse en artista y establecerse en la corriente del country pop.
Editado por el sello Decca Records en 1996, su debut homónimo fue producido por Mark Wright, contando con la participación de Mark Chesnutt, Ricky Skaggs y Sharon White, y fue incluído en las listas de country en el Top Ten.
Su siguiente edición, “I Hope You Dance”, apareció en 2000, y “Something Worth Leaving Behind” en 2001.
Aquí les dejo algunas canciones para que conozcan el sonido de su voz.

P.D.: Gracias a Bruno por la información y por compartir la música de esta solista.





sábado, 4 de abril de 2009

Kylie Minogue >> biografía

Kylie Minogue nació en Melbourne, Australia, en 1968. Empezó su carrera como actriz con tan solo once años en la serie de TV "Skyways" y poco tiempo después integraba el elenco de la novela "Neighbours" que se emitía de lunes a viernes en Australia y también en el Reino Unido.

Pero su cambio hacia la música sería a raíz de una serie de casualidades. Minogue aceptó participar en un concierto benéfico junto a otras celebridades donde decidió interpretar "
Locomotion" de Little Eva. A alguien se le ocurrió llevar la grabación de ese evento a Mushroom, un sello local, que vió la oportunidad de lanzar un simple interpretado por una joven estrella de televisión. Inesperadamente, "Locomotion" llegó al puesto número uno. En consecuencia, Mushroom Records empezó a contemplar seriamente en trabajar con la actriz. Minogue viajó hacia Londres para grabar el tema "I Should Be So Lucky" y dado que nuevamente fue un éxito instantáneo la ex-actriz (que se vió obligada a abandonar la serie "Neighbours" para entonces) se disponía a registrar su primer disco de estudio. Ayudada por su belleza innata, un perfil pop y una cuidada campaña de marketing, la cantante se convirtió en un suceso en Australia, Estados Unidos y Europa (especialmente Inglaterra).

Ninguna rubia tonta, Kylie asumía cada día mayor control de su carrera y además empezó a contribuir a la composición para su cuarto álbum, "Let´s Go To It" de 1991. Luego de abandonar su antigua compañía discográfica, Minogue editó dos discos, "Kylie Minogue" e "Impossible Princess", bajo el sello dance londinense Deconstruction. Un nuevo rumbo musical también se vio estimulado por las diferentes colaboraciones de la cantante: su relación con el líder de INXS Michael Hutchence y la participación en la canción "Where the Wild Flowers Grow" de Nick Cave (con quien después también tendría una relación sentimental) estimularon su curiosidad y la alentaron para zambullirse en la experimentación.

Con el cambio de década, Minogue se mudó para Parlaphone (bajo el asesoramiento de sus amigos, los Pet Shop Boys) y resurgió como la princesa pop, no tan adolescente ya, de "Light Years". Kylie volvió a ser una super estrella internacional con la edición de "Fever" (2001) y su arrollador hit "
Can't Get You Out of My Head" que le valió dos premios en la entrega de los Brit Awards del 2002. Su disco sucesor, "Body Language", la afirmó como una de las artistas pop-dance más importantes de la escena actual. Luego de lanzar el compilado "Ultimate Kylie" en 2004, le diagnosticaron cáncer de mama por lo que debió interrumpir sus actividades musicales por un tiempo prolongado. En 2006 la cantante regresó a los escenarios, luego de haber combatido y vencido el cáncer.

Un año después lanzó "X" y a principios de 2009 regresó al mercado discográfico con "Boombox", un compilado de remixes.



viernes, 3 de abril de 2009

The Beach Boys >> biografía

Los Beach Boys fueron quizás la primera banda de rock, ya que antes existían formaciones que acompañaban a solistas, y la más importante de las bandas en Estados Unidos antes de la llegada de los Beatles.

Brian Wilson fue el primer artista en tener control total de un estudio de grabación, a pesar de que apenas era un adolescente. Gracias a la influencia del primo de Brian, Mike Love, el grupo se convirtió en una suerte de clásico que es visto como la materialización de la nostalgia con canciones sobre autos, chicas y surf: la representación del sueño californiano. Su aparición, junto con la de Mamas and The Papas, implicó el desarrollo de un sonido diferente basado en coros y armonías que pronto fue bautizado como "el sonido de California".

La vocación de Wilson por la música era innata. Tarareaba antes de empezar a hablar. Tanto su madre como su padre lo llevaron por esa vía, y de hecho su padre era un compositor fracasado que empujó a sus hijos a estudiar música. La mayoría de la biografías, así como la película sobre la banda, presentan al padre como un obsesivo con la disciplina, de lo que devendría luego los problemas mentales de Brian.

Siendo aún niños, Brian juntaba a sus dos hermanos, Dennis y Carl, en torno al piano a cantar en coro: luego se unirían su primo Mike Love y un compañero de colegio (que luego sería sustituido por Al Jardine) y formarían la banda Pendeltones en 1960.

Dennis, el único de los hermanos que alguna vez surfeó, le pidió a Brian que escribiera una canción sobre el tema que estaba de moda entre la juventud californiana. La canción "Surfin'" se convirtió en un éxito gracias a un contrato que consiguió Murry Wilson con una disquera local. Sin embargo, decidido a lo grande, llevó al grupo ante Nic Venet de Capitol Records quien los contrató bajo el nombre de The Beach Boys.

Brian empezó a inclinarse por el rock and roll debido a la pasión de su hermano menor, Carl, por la música de Chuck Berry y otros clásicos. Así, Brian mezcló el sonido coral californiano con el rock, lo que produjo una forma de música fresca y original. Otra de las pasiones de Brian era el estilo de producción de Phil Spector (de hecho Wilson dijo que su canción favorita siempre fue "Be My Baby", producida por Spector), que intentó copiar en sus grabaciones al punto que usó la orquesta de Spector, "Wrecking Crew".

Gradualmente fue desarrollando su propio estilo, lo que permitió que mejorara la idea de la pared sonora de Spector en canciones como "I Get Around" y "Good Vibrations". Pero su sello personal se manifestó en "Surfer Girl", cuya simplicidad es a la vez una muestra de la complejidad de su poder creativo.

A pesar de este despliegue de creatividad, la música de la banda era considerada adolescente y ese mercado no era importante en aquella época, por lo que su padre y la disquera lo presionaron para que empezara a producir de forma industrial al punto que generaba dos álbumes al año. Esa presión creativa y de trabajo lo llevó a su primer colapso en 1966 mientras volaban a Europa para iniciar una gira. A partir de ese momento sus apariciones en el escenario siempre fueron esporádicas.

Esta caída le dió tiempo y distancia. Eso le permitió crear las canciones de su disco más importante: "Pet Sounds". Junto con Tony Asher compusieron letra y música del álbum a la espera de que la banda regresara. El disco fue un fracaso comercial por las luchas internas de la familia y la competencia de los Beatles.

Mientras trabajaba en un proyecto todavía más ambicioso, "Smile" (considerado aún hoy como una de las mayores pérdidas de la música rock), Brian empezó a perder contacto con la realidad empujado por su adicción a drogas psicodélicas. Las drogas lo postraron en la cama por varios años.

Ni las muertes de sus hermanos Dennis y Carl, ni el éxito de "Kokomo" en 1988, lo pudieron sacar de su frágil estado mental. Ha tenido momentos de lucidez en los que compuso y produjo. Su primer disco en solitario, "Brian Wilson" de 1988, fue un fracaso. Y su segundo disco fue rechazado por la disquera.

Desafortunado y precipitado, el final de los Beach Boys no terminó exactamente con un sonido agudo, coral y dulce que rememora alegría, sol y playa. Sin embargo, su música perdura en el tiempo y nadie puede negar la importancia que han tenido en la historia del rock.