Forever Hits: música grabada en el alma

La Colección
¿Qué es FOREVER HITS?

Cuando pensamos en las canciones de amor más hermosas, pensamos en las más lindas melodías combinadas con las mejores voces y excelentes letras.
Forever Hits Collection es una cuidada selección de esas canciones, la mayoría de ellas hoy convertidas en clásicos de la música.
Presentada originalmente en 10 discos de 17 temas cada uno, alterna voces femeninas y masculinas para darle la variedad y la armonía necesarias para hacer de su escucha una experiencia única.
Cada canción está acompañada de la biografía del intérprete, la letra, la tapa del disco donde fue publicada, y la posibilidad de escucharla on-line e incluso de compartirla a través de BOX.net.
La colección está hecha con amor y por amor. El objetivo, además de crear la mejor selección de canciones de amor realizada hasta el momento, es también compartir esta pasión con todos aquellos aficionados a la música que sepan apreciarla.


>> Página principal de Forever Hits Collection

Conocer - Disfrutar - Compartir

En ocasión de que el blog ha superado recientemente las 50.000 visitas, un número que no imaginaba cuando inicié este viaje hace casi dos años, me ha parecido interesante hacer un recorrido por la diversidad de contenido del sitio y recordar el objetivo y la esencia de este espacio.

Tal vez debió haber sido éste el primer post del blog, un día como hoy pero de agosto de 2008. Se iniciaba un camino plagado de historias y buena música que duraría hasta junio de 2009, momento en que se abrió un largo paréntesis que hoy, un año después, finalmente se cierra.

En los diez meses de actividad del blog:

- compartimos más de 60 biografías de artistas internacionales, algunas breves y otras extensas, pero todas interesantes.
- analizamos más de 30 discos de diferentes décadas, desde los 70’s hasta los 90’s.
- evaluamos software y formatos digitales de compresión de audio.
- recordamos grandes canciones del cine, el soft rock y el dance con 3 flashback’s imperdibles.
- planteamos temas de opinión y debate, como una comparativa CD vs. MP3 y una cuestión personal sobre la pobre calidad de las producciones musicales actuales donde nos preguntamos si todo tiempo pasado fue mejor.
- aprendimos sobre audio Hi-Fi y Hi-End con casi 20 notas de audio de alta fidelidad y artículos desprendidos de www.audiohiend.com.ar.
- citamos links a páginas de interés, como una base de datos de covers.
- y creamos 3 discos on-line con bonus tracks, canciones para escuchar y descargar en línea.

Para tener una idea de la diversidad musical del blog, han pasado artistas y temas de géneros como el chillout, el country, el dance, la música disco, el folk, el jazz, el pop, el rock, el rap, el soft rock, el soul y el techno.
La idea siempre fue y seguirá siendo conocer la historia detrás de cada artista y de cada canción (a través de las biografías), disfrutar de la mejor música de todos los tiempos (gracias a las listas de reproducción insertas en cada post) y compartir nuestros temas favoritos (por medio del e-mail o desde el foro de descargas).

Les agradezco infinitamente a todos aquellos que siguieron visitando este humilde espacio durante todo el tiempo en que me fue imposible actualizarlo, y los invito a continuar aportando a la causa dejando sus comentarios y proponiendo material para publicar. Como siempre, tratamos de ampliar las vías de comunicación para incentivar un intercambio de ideas y opiniones que ayude a mejorar el blog.

Seguiremos por este camino, conociendo, disfrutando y compartiendo con todos Uds. aquello que nos motiva y nos inspira a continuar el viaje: la música.

Muchas gracias.

Diego.

Dire Straits >> "Brothers in Arms" (1985)

Los Dire Straits estuvieron años construyendo su fama de músicos expertos, serios autores de canciones y soberbios artistas en el escenario. Pero todo ésto apenas sirvió para el impacto que produjo el disco "Brothers in Arms", tanto para la carrera de la banda como en lo referente a su consideración entre el público. Impulsado por el éxito del Top 40 "So Far Away", publicado anteriormente ese mismo año, el álbum fue platino en el Reino Unido y entró en las listas como el nº 1, una posición que mantuvo durante tres semanas.
Gran parte del éxito comercial del disco se puede atribuir a la canción "Money For Nothing", escrita por Mark Knopfler y Sting. Apoyado por un video de animación por computadora muy ingenioso, que garantizó su difusión masiva por los nuevos canales de música, el sencillo alcanzó el puesto nº 1 en EE.UU. y el nº 4 en el Reino Unido, ganó además un Grammy al Mejor Vídeo Musical y se convirtió en el sencillo de ventas millonarias del grupo.
Después vinieron otros éxitos, incluyendo "Walk of Life", que alcanzó el nº 7 en EE.UU. y el nº 2 en el Reino Unido. La canción "Brothers in Arms", si bien con menor éxito en las listas, es recordada como el primer sencillo en CD de distribución comercial. Liderado por Mark Knopfler, a quien personalmente considero el mejor guitarrista de todos los tiempos, Dire Straits hizo historia con su álbum más exitoso.
"Brothers in Arms" fue publicado en mayo de 1985 y vendió 13 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 9 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.

Contenido del disco:

1) So Far Away

2) Money for Nothing

3) Walk of Life

4) Your Latest Trick

5) Why Worry

6) Ride Across the River

7) The Man's Too Strong

8) One World

9) Brothers in Arms

+ Info >> Dire Straits > biografía

Supertramp >> biografía

Formada en Londres en 1969, Supertramp se desarmó en 1971, se rearmó en 1973, se desarmó nuevamente en 1988 y se volvió a formar en 1997. Quizás es por ese ir y venir que Supertramp no ha tenido la permanencia en las listas que una banda de su talla merece.

Cuenta la historia que en 1969 Richard Davies conoció al millonario holandés Stanley August (comúnmente conocido como Sam) en Munich, Alemania, mientras tocaba en una banda llamada "The Joint". El millonario le ofreció a Davies su patrocinio a cambio de que formara una nueva agrupación, a lo que accedió con prontitud. Colocó entonces un anuncio en un diario de rock en busca de músicos.

El grupo iba a llevar el nombre de "Daddy", pero ante la sugerencia de uno de los nuevos integrantes se bautizó la banda inspirados en el título del libro de 1910 de W.H.Davies: "The Autobiography of a Supertramp". El primer álbum, "Supertramp", no tuvo mayor suceso cuando salió en 1970, ya que está repleto de solos larguísimos y aburridos.

La banda se reagrupó en 1971 con el ingreso de Currie y Farrel, y el bajista original Hodgson pasó a tocar la guitarra. El segundo disco, "Indelibly Tamped", tuvo la misma suerte que el anterior. El patrocinador pagó 60 mil libras esterlinas para cancelar las deudas de la agrupación y los miembros de la banda renunciaron. Davies y Hodgson quedaron frente a un proyecto que no parecía tener futuro.

En 1973 se forma entonces la banda por tercera vez. Ahora entran Helliweg, Thompson y Siebenberg. El sello grabador A&M instala la banda en una granja y les asigna al productor Ken Scott para orientar el trabajo. El resultado fue el LP "Crime Of The Century", un disco muy bien producido que los trasladó a los primeros planos de la industria musical.

En ese disco, además, se desarrolla el estilo de piano eléctrico de la agrupación, quizás donde más se aprecia este estilo es en la canción "Dreamer" de 1975 que llegó al puesto nº 13 de las listas de popularidad inglesas. Le siguió "Crisis? What Crisis?", que se colocó en el número 44 de las listas norteamericanas.

En 1977, Supertramp contrata al ingeniero de sonido de los Beatles, Geoff Emerick, para el LP "Even In The Quietest Moments". El disco produjo el éxito "Give a Little Bit" que llegó al número 20 en Estados Unidos y al número 29 en Inglaterra. La canción tiene un trabajo instrumental bastante peculiar que la hace moverse entre lo progresivo, lo melódico y el pop.

El 29 de marzo de 1979 lanzan "Breakfast in America", un disco que les daría 4 éxitos seguidos. El más sonado fue "The Logical Song", que llegó al número 6 en Estados Unidos, y una semana más tarde la canción "Breakfast in America" llegaba al noveno lugar de las listas inglesas. Ahora movían el mundo de la música, tanto que la revista Rolling Stone les dedicó su artículo principal en la edición del 12 de julio. Luego vino "Good Bye Stranger", que llegó al puesto nº 15 en la lista de Billboard y "Take The Long Way Home" que llegó al número 10 el 15 de diciembre.

En septiembre de 1980 lanzan un disco doble, en vivo: "Paris". La versión en vivo de "Dreamer" llega al número 15 en las listas y "Paris" llega al puesto nº 7 en Inglaterra. Este es el momento en que la banda declina y no logra repetir esta sucesión de éxitos porque no lee el cambio que venía en los ochenta con sonidos más electrónicos y sofisticados.

Sin embargo, sus experimentos mezclando ritmos con pasajes de archivos sonoros quizás marcó el inicio del "sampleo", esa costumbre posmoderna de despojar de sentido a las partes y construir un todo nuevo carente de fundamento y asidero en la realidad.

Para los años 90's, con algunos años encima y con cierta experiencia de vida, la banda se reunió para lanzar un disco de éxitos. Ese reencuentro llevó a la reformación definitiva en 1997. Como resultado está el disco "Slow Motion", que sin haber sido un éxito en ventas, es una experiencia sonora rica e interesante.

+ Supertramp en D-audio >> "Breakfast in America" (1979)

Claves para elegir un receptor A/V de gama media

El notable descenso de precios en los reproductores de DVD y la creciente oferta de operadores de televisión digital están haciendo posible que cada vez más usuarios cuenten con un sistema audiovisual de altas prestaciones. El amplificador o receptor A/V es, sin duda, el centro de este sistema, proporcionando la conectividad y amplificación multicanal necesarias para obtener el máximo rendimiento de todas las fuentes de sonido digitales y analógicas. A continuación veremos algunos factores que hay que tener en cuenta antes de elegir el más apropiado.


1) Receptor o amplificador

La mayoría de las soluciones integradas de amplificación A/V incluyen un sintonizador de radio AM/FM, algunos de los cuales ofrecen una excelente calidad y prácticamente todos con RDS. Sin embargo, cada vez es más frecuente ver modelos que descartan esta prestación, apostando por un conjunto de posibilidades en el terreno audiovisual. Si se dispone de un buen sintonizador, un buen cable de interconexión y espacio suficiente para colocar ambos equipos, en la misma gama de precios un amplificador A/V es la opción más acertada.


2) Decodificador incorporado y entradas 5.1 (también válido para 6.1 o 7.1)

Existen amplificadores y receptores que, siendo compatible con títulos codificados en Dolby Pro-logic Surround (el veterano sistema envolvente analógico) incorporan un juego de entradas 5.1 que permite la conexión de un DVD u otro dispositivo que disponga de decodificador de audio multicanal. Es posible encontrar este tipo de equipos a un precio muy atractivo, aunque conviene tener en cuenta que sólo será posible conectar un único dispositivo en ese tipo de salidas. Por otro lado, con los formatos de audio de alta definición en el mercado (DVD-Audio y SA-CD) es conveniente que aunque el amplificador cuente con decodificador, disponga también de un conjunto de entradas 5.1 analógicas complementarias.


3) Formatos digitales

Si bien existen diferentes formatos de audio multicanal (MPEG, Dolby Digital, DTS, etc.) la realidad es que tanto en el mercado europeo como en el americano muchos títulos en DVD vienen codificados en Dolby Digital, ya sea en 5.1 canales o en estéreo/Dolby Surround. Es cierto que a mayor compatibilidad con los diversos formatos, mayor precio. Sin embargo, cada vez más receptores A/V de gama media incorporan DTS, cuya calidad de sonido es mucho mayor al tener una menor compresión.


4) Conexiones digitales

Existen dos tipos de conexiones digitales: eléctricas y ópticas. La primera se realiza a través de conectores de tipo RCA mientras que la segunda utiliza cables de fibra óptica con conectores de tipo TosLink. Hoy en día todos los reproductores de DVD incorporan al menos una de estas entradas, por lo que es necesario asegurar la compatibilidad. Por otro lado, la presencia de entradas digitales adicionales permitirá conectar un MiniDisc, CD audio o Láser Disc, y utilizar el decodificador del amplificador, por lo que es conveniente disponer de una buena dotación de las mismas.


5) Considerar el resto del equipo

Antes de decidirse por un receptor es importante considerar los elementos que constituyen el sistema A/V. No todos los receptores A/V incorporan una gran cantidad de entradas y salidas de video. Disponer de una buena cantidad de éstas permite conectar todas las fuentes de imagen al receptor, ya sea DVD, VHS, Láser Disc ó TV, y así utilizar una sola entrada del televisor o dispositivo de visualización. Un factor a tener en cuenta es que, si bien cada vez más equipos de gama media disponen de entradas y salidas tanto de video compuesto como de S-Video (cuya calidad de imagen es mayor al separar la señal en crominancia y luminancia), la mejor calidad de obtiene a través de las salidas RGB presentes en algunos reproductores de DVD y receptores de televisión digital.


6) Prestaciones

Algunos equipos incorporan un completo sistema de menús en pantalla que permite configurar todos los parámetros relativos al sonido ambiental, tales como volumen y tiempo de retraso de altavoces, mientras que en otros la configuración de estos parámetros se realiza a través del display del panel frontal. La posibilidad de apagar por completo o atenuar el brillo del mismo es una prestación que incrementa la neutralidad del entorno y, en muchos casos, disminuye las interferencias sonoras. A medida que aumentan las prestaciones se incrementa también el precio, aunque muchos equipos de gama media cuentan con éstas y muchas más.


7) Potencia de salida

Para elegir entre un modelo de mayor o menor potencia de salida es necesario considerar el tamaño de la sala de escucha, además de la sensibilidad de las cajas acústicas asociadas, como medida para conseguir la sinergia adecuada. A mayor potencia, mayor control, capacidad de respuesta dinámica y menor distorsión. Por otro lado es importante destacar que no todos los receptores suenan igual y que, además de revisar con cuidado las especificaciones técnicas, conviene escuchar todas las opciones, tanto en sonido multicanal como en estéreo.


8) DSP

La presencia de un procesador de señal digital (DSP) permitirá ajustar el sonido ambiental, tanto de pistas en formato digital como analógico, con un mayor nivel de precisión y, a su vez, emular espacios sonoros similares a los de un teatro, una sala de cine, una sala de conciertos o incluso una iglesia. También será interesante asegurarse, si el equipo elegido cuenta con esta prestación, que disponga también de un modo DSP para audición nocturna. De esta manera, realizando una compresión inteligente, reduce el rango dinámico en las escenas en las que se producen cambios bruscos del nivel sonoro.

Carly Simon >> biografía

Carly Simon fue una de las artistas llamadas "confesionales", por su estilo musical y sus letras biográficas, más populares de los años 70's.

Nació el 25 de junio de 1945 en un hogar acomodado de la ciudad de Nueva York. Su padre, Richard Simon, fue cofundador de la editorial Simon and Schuster.

A inicios de los años 60's ella y su hermana Lucy formaron un dúo llamado The Simon Sisters que inicialmente se presentó en los bares de Greenwich Village en Nueva York. Grabaron dos LP, uno de folk bastante suave y otro con canciones para niños. Solamente tuvieron un sencillo de éxito que estuvo fugazmente en las listas en abril de 1964: "Winkin' Blinkin' and Nod".

Las hermanas se separaron a finales de esa década, y Carly Simon decidió empezar una carrera como solista. Se puso en contacto con Albert Grossman quien para entonces era el representante de Bob Dylan. El intento, sin embargo, no prosperó.

Carly decidió entonces dedicarse a la composición junto al crítico de cine Jacob Brackman. En este apartado las cosas empezaron a funcionar mejor y en 1971 dos de sus canciones, "That's The Way I've Always Heard It Should Be" y "Anticipation", se convirtieron en éxitos dentro de Estados Unidos. La primera venía en su primer disco, llamado Carly Simon, mientras que la segunda le dio título a su segundo LP.

Con las cosas en un terreno más positivo, Carly Simon se ayudó con el talento del productor Richard Perry para producir su tercer LP. En él se incluyó su canción más famosa: “You’re So Vain”, de la que se dice habla de Warren Beaty y/o Mick Jagger, que además canta en esa canción.

La canción vendió más de un millón de copias en 1972 y a inicios de los años 90's se volvió a lanzar en Gran Bretaña luego de que saliera en un comercial de televisión.

No Secrets, su tercer larga duración, es por lejos su trabajo más reconocido y en él se incluye mucho del mejor material de su carrera, entre ellos “The Right Thing To Do”. La calidad del disco le valió el Grammy por ser la mejor artista nueva del año.

También en 1972 Carly Simon se casó con el cantante James Taylor. A pesar de haberse convertido en esposa y luego madre, su carrera de artista nunca se vio demorada. Por el contrario, esa dinámica de vida le ayudó a componer de forma sostenida durante años.

Si bien es cierto que el resto de la década fue algo irregular en cuanto a éxitos, Carly Simon mostró una energía casi inagotable que la llevó a participar en conciertos anti nucleares y por la paz, además de sus propias giras.

Su cuarto álbum fue Top Ten Hotcakes, publicado en enero de 1974, y en él venía su versión de “Mockingbird” (original de Inez y Charlie Foxx) y cantada junto a su esposo. El sencillo se convirtió en oro y detrás de él llegó "Haven't Got Time for the Pain" que llegó a estar entre las 10 canciones más populares.

Playing Possum de 1975 y Another Passenger de 1976 fueron dos álbumes que no tuvieron el éxito de sus predecesores, pero ayudaron a mantener viva la figura de Carly Simon lo suficiente como para que en 1977 fuera contratada para interpretar el tema principal de una película de James Bond. "Nobody Does It Better" vendió más de un millón de copias y estuvo en el Top Ten de la lista Billboard.

Boys in the Trees, de 1978, también fue disco de oro gracias a “You Belong to Me” y a “Devoted to You” cantada a dúo con Taylor.

Sus siguientes discos, Spy de 1979 y June de1980, no alcanzaron a vender lo suficiente, a pesar de que en el último venía “Jesse”, un sencillo que sí fue disco de oro, pero que no pudo empujar al LP.

En octubre de 1980 Simon tuvo un desmayo por cansancio en medio de una presentación. Después de eso, sus apariciones en concierto han sido escasas.

La primera mitad de los ochenta no fue muy productiva para Carly Simon en Estados Unidos, fundamentalmente por las pobres ventas de sus discos. A pesar de ello, canciones como “Why” y “Kissing With Confidence” tuvieron éxito del otro lado del Atlántico, en Inglaterra.

En 1983 se separó de su marido James Taylor. Tanto su matrimonio como su separación tuvieron una cobertura amplia en los medios de comunicación norteamericanos, inclusive opacando las aventuras de Elizabeth Taylor.

Su regreso a las listas de éxitos llegó en 1987 con “Coming Around Again”, el tema de la película “Heartburn”. Ese mismo año ganó el Grammy y el Óscar por “Let the River Run” de la película “Working Girl” de 1988.

En 1990 Carly Simon lanzó un disco de baladas pop, en el que incluía una serie de covers, llamado My Romance. Seis meses después puso a la venta Have You Seen Me Lately? en el que todo el material era original.

Desde entonces a la fecha ha producido más de 10 discos entre retrospectivas, canciones para películas y materiales nuevos.

Quizás no sea el tipo de persona que la gente recuerde por su nombre, pero definitivamente es el tipo de voz melódica que tiene el poder de apartarnos un momento de lo que estamos haciendo para recordar y sentir.

Phil Collins >> "...But Seriously" (1989)

El cuarto álbum en solitario de Phil Collins, ...But Seriously, lanzó cuatro sencillos de éxito y terminó con el silencio de cuatro años dentro de su trabajo en solitario. El disco subió en las listas a ambos lados del Atlántico y se mantuvo en el nº 1 en Inglaterra durante ocho semanas. Aferrándose en gran medida a la fórmula a la que había recurrido en sus anteriores producciones en solitario, las colaboraciones de Collins con Eric Clapton, Steve Winwood y David Crosby proporcionaron a ...But Seriously un sonido más orgánico.
Líricamente, este álbum fue el trabajo más sincero de su carrera, salpicado con algunas reflexiones políticas, como en "That's Just The Way It Is" y "Another Day In Paradise", que tratan de la situación de los sin techo.
Entre los sencillos, tanto "Something Happened On The Way To Heaven" como "I Wish It Would Rain Down" se abrieron paso en el Top 5 del Billboard Hot 100. En 1990, Phil Collins ganó un Grammy por "Another Day In Paradise", que había llegado a los puestos más altos en EEUU y alcanzado el nº 2 en Inglaterra.
Desde lo personal, se trata del mejor disco de uno de mis artistas preferidos y más admirados a lo largo de mi vida. La calidad de composición, la producción y los arreglos que posee, sumados a las excelentes melodías y a letras comprometidas, lo convierten en uno de los mejores discos de la historia.
...But Seriously fue publicado en noviembre de 1989 y vendió más de 6 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 45 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.


Contenido del disco:

1) Hang In Long Enough
2) That's Just The Way It Is
3) Do You Remember?
4) Something Happened On The Way To Heaven
5) Colours
6) I Wish It Would Rain Down
7) Another Day In Paradise
8) Heat On The Street
9) All Of My Life
10)Saturday Night And Sunday Morning
11) Father To Son
12) Find A Way To My Heart

Sony Elcaset (1976)

Comenzamos aquí una recorrida por la historia de los formatos físicos de audio, tal vez para mí uno de los temas más apasionantes. Veremos en detalle, uno a uno, formatos como el disco de vinilo, el cassette, el DAT, el CD, el Minidisc y el SA-CD, entre otros.
Para empezar, un invento que tal vez muchos recordarán y otros se enterarán por primera vez que tal cosa existió. Otra genialidad de una firma japonesa que es líder en innovación tecnológica de audio.

En 1976, Sony patentó un nuevo tipo de cinta magnética de audio en formato de cassette compacto. Lo llamó Elcaset (sí, así como suena). Las principales diferencias con respecto al formato de cassette de Philips eran las siguientes:

- La cinta era el doble de ancha - 6 mm. (1/4 pulgada), en lugar de los 3 mm. (1/8 de pulgada) del cassette compacto de Philips.
- Se reproducía al doble de velocidad - 9,5 cm/s, en lugar de los 4,75 cm/s. del cassette compacto de Philips.

Aunque la calidad ofrecida por Elcaset era muy superior a la del formato de Philips, el sistema de Sony no pasó de ser una mera curiosidad. Llegó demasiado tarde, justo cuando el formato de cassette compacto de 1/8 pulgada estaba en pleno apogeo.
El hecho de que Sony no haya tenido éxito en el mercado con varios de sus inventos no significa que sea una compañía que fracase en todo lo que hace, sino que han sido capaces de innovar en muchas campos y de lanzar cosas nuevas que no siempre han funcionado como esperaban. Más allá del fracaso comercial, lo cierto es que Elcaset era un formato realmente muy bueno y de una calidad de sonido admirable.
Lo que Sony quería era competir y reemplazar al (hoy) mítico cassette de Philips, cosa que, desde luego, nunca consiguió. Intentando superar las limitaciones de la cinta de cassette, como el nivel de calidad de sonido, creó un formato muy similar a la de éste, pero de un tamaño mucho mayor: 15 x 10 x 2 centímetros. La cinta en su interior era de 6,3 milímetros de ancho y avanzaba a 9,5 centímetros por segundo, lo que le permitía ofrecer una mayor frecuencia y un mejor rango dinámico al sonido que su competidor. Elcaset disponía de cuatro pistas, dos en cada cara para ofrecer sonido estéreo.
Pero estos avances no fueron suficientes para competir en el mercado. Al hecho de que el precio era más elevado que el del cassette de Philips, se le unió que este último mejoró mucho sus características con el uso de nuevos materiales en las cintas, como el dióxido de cromo, y éstas se empezaron a fabricar con mayor calidad. Elcaset era, además, mucho más grande y, por lo tanto, más difícil de manejar y de almacenar, y solo tuvo un relativo éxito entre los audiófilos de la época.

Sony abandonó el sistema en 1980, vendiendo todas las unidades restantes a una compañía finlandesa, la cual las distribuyó en ese país, donde consiguió venderlas todas gracias a un precio muy ajustado. Se distribuyeron diversos modelos del reproductor/grabador, entre los que encontramos el EL-7 o el EL-5, que disponían de un control remoto, e incluso hubo un modelo de reproductor portátil, el EL-D8.

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Alphaville >> biografía

En las mentes de muchos de Uds. Alphaville figurará como un grupo portentoso que en agosto de 1984 asaltó las listas del Top Ten con su primer sencillo: "Big In Japan".

Lo cierto es que Alphaville tiene sus raíces en un grupo llamado Forever Young, constituído por Marian Gold, Bernhard Lloyd y Frank Mertens en la ciudad alemana de Munster en 1982. Junto a unos cuántos compañeros más que tenían el mismo criterio musical, el trío formó la base de un nuevo grupo denominado Nelson Proyect. Con algunas maquetas en sus bolsillos, Marian, Bernhard y Frank visitaron varios sellos discográficos y pronto negociaron con la WEA a finales de 1983.

Al año siguiente, y ya bajo el nombre de Alphaville, cosecharon un éxito internacional gracias a "Big In Japan" y a la inestimable ayuda de un video dirigido por Dieter Meier de Yello. La tarea que llegó a continuación fue completar el álbum debut, "Forever Young", un trabajo que bautizaron así en honor al grupo original.

Sin embargo, Alphaville no tuvo en Europa el mismo éxito que alcanzó en otros lugares, principalmente porque entre sus objetivos no se encontraba el viejo continente. Como consecuencia, casi todo el mundo perdió el interés por el grupo y el álbum brilló por su ausencia en las listas de éxitos. A Frank Mertens se le subió la fama a la cabeza y abandonó el grupo.

Por suerte, el éxito que tuvieron en EEUU les permitió pagar los alquileres y, lo más importante, pudieron establecer su propio estudio de grabación, al que bautizaron como Lunapark. Con Ricky Echolette en sustitución de Mertens, Alphaville consiguió lanzar al mercado en 1986 un segundo álbum que prolongó la vida del grupo: "Aftermoons In Utopia".

Para su próximo disco, "The Breathtaking Blue", de 1989, confiaron en el talento productivo de un héroe alemán de los teclados, Klaus Schulze, quién pretendía permanecer en el estudio tan sólo dos semanas pero al final se quedó un año entero !! Juntos desarrollaron la idea de crear una serie de películas cortas denominadas Songlines para no tener que hacer demasiadas giras por el extranjero.

Pero dado que el álbum fue un fracaso comparado con los trabajos anteriores del grupo, y que la WEA no puso ningún interés en intentar forzar el éxito del disco, Alphaville finalmente se separó. Marian Gold grabó un álbum en solitario llamado "So Long Celeste", mientras que Berhard Lloyd se ocupó de las remezclas de algunos éxitos del grupo para un disco recopilatorio que fue lanzado en 1992 bajo el título "First Harvest: The Best of Alphaville 1984-1992".

El grupo se rehizo luego en 1994 y lanzó su cuarto álbum, "Prostitute". Mientras, se fueron de gira en su primer Tour. Marian Gold, además, presentó otro disco como solista llamado "United" que incluyó una versión cover del tema "Five Years" de David Bowie. Luego, en 1997, grabaron en los estudios Eden de Londres un nuevo trabajo: "Salvation".

A la fecha han publicado otros cuatro discos: "Dreamscapes" (1999), "Stark Naked and Absolutely Live" (2000), "Forever Pop" (2001) y "Crazyshow" (2003).

Breves >> Marvin Gaye

Marvin Gaye fue un riguroso cronista social, adelantado a su época por hablar de ecología y otras cuestiones vitales para el planeta y sus habitantes, mientras sus colegas se acicalaban para ir a la discoteca, y fue también uno de los más grandes renovadores de la música negra y del rock en general. Gaye fue una de las principales figuras del sello Motown, donde comenzó su carrera como baterista y haciendo coros para otros artistas. En 1961 grabó su debut como solista, The soulful moods of Marvin Gaye, sin demasiada repercusión. No obstante, poco después llegarían los primeros éxitos. El álbum That stubborn kinda' fellow (1963) contenía tres de sus mejores canciones: la que da nombre al disco, "Hitch Hike" y "Pride And Joy".

Durante los años 60's grabó varios dúos junto a artistas femeninas de la Motown como Mary Wells, Kim Weston y, especialmente, Tammi Terrell. En 1968 lanzó el que sería el single más vendido del sello en la decada de los 60's, "I Heard It Through The Grapevine", con un sonido más duro que el de sus comienzos.

En los años 70's, Motown le dió una mayor autonomía creativa a algunos de sus artistas, entre ellos Marvin Gaye, quien se despachó con su obra cumbre: What's going on, de 1971. Con este disco, Gaye inauguró la era del soul político: en "Mercy Mercy Me (The Ecology)", por ejemplo, habló de ecología por primera vez en una canción de rock. Otros temas hacen referencia a la guerra de Vietnam, la corrupción y el abuso de drogas. Musicalmente, el álbum está lejos de la fresca simpleza que caracterizaba al sello, con un sonido oscuro, lánguido, jazzero y hasta influido por la música clásica. Muchos lo consideran el mejor álbum de soul de la historia.

En su siguiente trabajo, Let's get it on (1973), volvió a cambiar el rumbo, volcándose a la elegancia y la sensualidad. En tanto, Here my dear, de 1976, retrata con crudeza los pormenores de su malogrado matrimonio con Anna Gordy (hermana de Berry, propietario de Motown). Tan personal es el álbum que su ex esposa pensó en demandarlo por invadir su privacidad.

En los primeros años de la década de los 80's se radicó en Hawaii y luego en Europa. Allí grabó su último disco con Motown (In our lifetime, 1981) para luego firmar con Columbia Records y publicar Midnight love en 1982. Este último disco, y especialmente el tema "Sexual Healing", renovaron la popularidad de Gaye. No obstante, el artista pasaba momentos difíciles, producto de su adicción a la cocaína.

En 1984, intentando refugiarse de las drogas, se mudó a la casa de sus padres. Pero la idea resultó contraproducente: las discusiones con su padre eran constantes, hasta que éste, en medio de una disputa, le disparó en el corazón. Gaye murió en el acto, poco antes de cumplir 45 años.

Kenny G >> "Breathless" (1992)

Con un estilo ligero y suave, Kenny G se había ganado un buen puñado de seguidores entre la audiencia aficionada al saxofón de todas las épocas, y Breathless se convirtió en uno de sus discos más vendidos.
Habiendo saltado a la fama en la década de los 80's, poco después Kenny G ya era un artista global al que todas las emisoras de radio ponían al aire con bastante frecuencia. Pese a que los puristas del jazz lo criticaba duramente, su flaseo fluído y su estilo meloso lo hicieron el favorito de miles de aficionados.
La crítica de los entendidos del jazz no era un asunto que le preocupase, ya que el propio Kenny G admitía ser un instrumentista de pop con bastante fama entre los aficionados a la música.
El saxofonista se había forjado un nombre en la Love Unlimited Orchestra de Barry White, y poco a poco había ido trabajando en solitario. Breathless es un disco con una línea pop con temas como "The Joy Of Life" y "End Of The Night" pasando por "Forever In Love". El legendario cantante de rhythm & blues, Aaron Neville, se unió a él con las voces de "Even If My Heart Would Break". Peabo Bryson también ayudó con el color de su voz en la triste "By The Time This Night Is Over".
Breathless fue publicado en octubre de 1992 y vendió más de 12 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 17 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.


Contenido del disco:

1) The Joy Of Life
2) Forever In Love
3) In The Rain
4) Sentimental
5) By The Time This Night Is Over (Kenny G & Peabo Bryson)
6) End Of The Night
7) Alone
8) Morning - Kenny G & Aaron Neville
9) Even If My Heart Would Break (Kenny G & Aaron Neville)
10) G Bop
11) Sister Rose
12) Year Ago
13) Homeland
14) The Wedding Song

Bonus Tracks !!

Cualquiera que haya visto las etiquetas del blog habrá apreciado que la mayor parte del material que he publicado corresponde a las décadas 80's y 90's. La razón es simple: la música de ese período de 20 años es mi preferida. Lejos han quedado los 70's y más aún los 60's. Si bien es cierto que me crié escuchando esa música, al compararla con décadas anteriores, o incluso con la década actual, me parece que las producciones de esos años han sido de una gran calidad y, al menos para mi, casi insuperables.
Por eso, haciendo eco de los comentarios de Fervox ("deberiamos preguntar que debemos hacer en el blog para lograr mejorarlo") y de Alfonso ("esto de los blogs es una actividad lúdica donde los primeros en divertirnos hemos de ser nosotros") he decidido poner en práctica una vieja idea que tenía de compartir con todos Uds. muchas de mis canciones preferidas de los 80's y 90's que por una cuestión cronológica, y de estructura, no fueron publicadas en el blog ni en la colección.

A partir de hoy verán en la columna de la derecha la imágen de dos discos con la leyenda "Bonus Tracks", uno de cada década, a los cuales luego con el tiempo se sumarán más (de hecho ya existe uno más que agregué con música Dance). Haciendo clic sobre la imágen podrán acceder al contenido de cada disco, publicado en la web D-audio. Una vez allí podrán escuchar las canciones on-line y, si lo desean, podrán descargarlas haciendo clic con el botón derecho del mouse y seleccionando la opción "Guardar enlace como...".
Además, incluí una ventana de chat para que puedan comentar sobre los temas del disco o solicitar canciones. Semanalmente iré agregando más y más canciones hasta completar el álbum y pasar a otro. Desde luego, se aceptan sugerencias y opiniones, y espero la idea les parezca interesante y, sobre todo, divertida.
Saludos !! :)

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Sheryl Crow >> biografía

A diferencia de muchos artistas que conocen el éxito de frente, Sheryl Crow tuvo que verlo de lado y a la sombra durante muchos años. Como cantante de respaldo para famosos como Eric Clapton, Don Henley, Michael Jackson y Rod Stewart, estuvo en la parte menos glamorosa del negocio del espectáculo durante los años 80's y parte de los 90's.

Nacida el 11 de febrero de 1962 en Kennett, EEUU, su música nunca ha sido para oyentes flojos. Por el contrario, sus letras no siempre son simétricas y tienden a ser muy pensadas. Aunque la música puede ser pegajosa, los temas siempre son directos y están trabajados para que queden grabados en la mente.

Los padres de Sheryl también se dedicaron a la música en su tiempo libre, aunque su padre fue un abogado liberal que combatió los abusos del Ku Klux Klan y se dedicó a defender las libertades básicas en muchos casos. Tanto él como su madre formaron parte de bandas de swing en las que ella cantaba y él tocaba la trompeta. Así las cosas, Sheryl creció en una atmósfera musical aromatizada por los Beatles, Bob Dylan, James Taylor y los Rolling Stones.

En 1986 se fue a Los Ángeles desde San Luis con 10.000 dólares de sus ahorros, con el corazón roto por su novio y llena de determinación por convertirse en músico profesional. La acompañaba un título de la Universidad Estatal de Missouri que la acreditaba en música clásica y la experiencia de haber cantado con una banda durante su época universitaria. Aunque eso ayudaba, los ahorros se fueron rápido y sus oportunidades salieron exclusivamente para cantante de respaldo en sesiones de estudio.

Pronto se convirtió en una de las cantantes de respaldo más respetadas en Los Ángeles y trabajó con Bob Dylan, Eric Clapton, Stevie Wonder, George Don Henley, John Hiatt, Joe Cocker y Sinead O'Connor. También Bette Midler grabó canciones suyas.

Le tomó más de cinco años alcanzar ese nivel, luego de haberse liberado de la desesperación y la autocomplacencia que la invadió al final de los 80's. Esta crisis vino después de su primer gran trabajo. Luego de 18 meses de cantar como respaldo para Michael Jackson en la gira de Bad, vestirse en cueros negros y actuar con él en el escenario "I Just Can't Stop Loving You", las puertas empezaron a abrirse de par en par. Sin embargo, eran puertas del estilo pop que hacía Jackson. Crow tuvo la fuerza para resistirse a esas tentaciones porque lo suyo era otra cosa. Así, las puertas empezaron a cerrarse y quedó sola y encerrada en su cuarto por seis meses. Después, con un poco de ayuda y voluntad salió a la calle y entró al mundo de las sesiones de grabación.

Su carrera como solista es también bastante extraña. El productor Bill Bottrell manejaba un estudio en Pasadena en el que Crow y otros músicos se reunían para tocar todas las semanas. Entonces adoptaron un club llamado Tuesday Night Music como su refugio. La experiencia le dió la fuerza para su disco debut.

La inspiración, fortuita, era necesitada desesperadamente. Había gastado ya un cuarto de millón de dólares grabando su primer disco, al que canceló por considerarlo demasiado pulido y poco representativo como para ser presentado a la gente. Ella había firmado con A&M Records apoyada por el productor de Sting, Hugh Padgham, con quien había hecho algunos trabajos. Él había producido su primer intento y, aunque su relación personal fue buena, no lograron desarrollarse creativamente.

Afortunadamente, la casa disquera pensó mucho en el talento de Crow y decidió esperar a que se generara un material alternativo. El resultado fue "Tuesday Night Music Club", grabado con muchos músicos que conocía del estudio de Bill Brotell, y que quedó adormecido cuando salió en 1993. El disco necesitó de un año para lograr empezar a moverse y lo logró con dos éxitos menores: "Run Baby Run" y "Leaving Las Vegas".

Sheryl Crow creía que el disco ya había alcanzado su máximo y que iba para el almacén de los recuerdos, por lo que empezó a pensar en su próximo álbum. Sin embargo, la disquera sugirió que lanzaran "All I Wanna Do", pensando que no había nada que perder. El tema se convirtió en uno de los éxitos más importantes de 1994, llegó al número 2 de las listas en Estados Unidos, fue nº4 en Inglaterra y alcanzó la estatura de un multiplatino en materia de ventas.

La canción que se convierte en un éxito repentino trata de dos desesperanzados que dejan que el tiempo se vaya entre sus manos mientras se consienten con una cerveza tempranera y esperan en vano tener algo de diversión. La métrica de los versos y el estilo conversado chocan con la melodía suave de la canción. Mientras, sus versos e imágenes se contrastan con una música que sube en fuerza, que fue lo que enganchó a la audiencia. La gente también quedó prendida con "Strong Enough", "What Can Ido For You" y "The Na-Na Song".

En noviembre de 1994, Crow cantó a dúo con Mick Jagger "Under My Thumb" mientras los Stones tocaban frente a 65 mil personas. Ese mismo año fue uno de los dos actos femeninos del poco agraciado Woodstock 2, aunque frente a 300.000 almas. En 1995 abrió para la gira de regreso de los Eagles, además de hacer giras propias y con Joe Cocker.

Con un calendario tan apretado, encontrar tiempo para grabar su nuevo disco fue bastante difícil, pero a finales de 1996 sacó un disco bajo su propio nombre que se llevó el Grammy como mejor álbum de rock en 1997. Ya en esta década, el álbum "C'mon, C'mon", de 2002, es un poco más suelto y va directo al rock & roll que es lo que a ella realmente le gusta. "Soak Up The Sun" mantiene ese estilo suave y melódico, pero lleva detrás la fuerza coral e instrumental de quien quiere el rock. Crow dijo que ese disco pretendió tener el sabor de los clásicos del rock de los 70's y 80's. En el tema que le da nombre al disco canta acompañada por Stevie Nicks, solista y vocalista de Fleetwood Mac.

Luego de haber trabajado con tantos artistas reconocidos, Sheryl Crow finalmente pudo ver el éxito de frente.

Comparativa >> CD vs. MP3

El debate sobre los distintos formatos de grabación/reproducción musical es un asunto recurrente en el mundo de la Alta Fidelidad. Ya sea en los ámbitos aficionado y profesional, como en las revistas especializadas, cada tanto aparecen defensores, o detractores, de algún formato en particular. Por ejemplo, los adictos al vinilo forman un grupo relevante en el sector audiófilo y es habitual escucharlos argumentar que el agrado con el que escuchan sus LP's no lo proporciona de ninguna manera la misma música presentada en formato digital. Otro grupo importante lo componen los amantes de la cinta analógica, especialmente como medio de grabación. Nunca dejan de recordarnos que, bien cuidados, los soportes magnéticos y los aparatos, tanto de grabación como de reproducción, pueden proporcionar un sonido de calidad superior a la que comunmente se reconoce.
Y luego interviene la industria electrónica promocionando los formatos digitales de alta definición: el SA-CD y el DVD-Audio. Ambos sistemas en guerra entre si y en lucha desigual frente al rey de los formatos: el CD-Audio y sus dos pistas PCM/44100 Hz/16 bits. El CD suele ser el formato abandonado a su suerte en los debates audiófilos, sin grupo especial que lo apadrine; aunque es lógico que esto sea así, ya que realmente su papel dominante en el mercado discográfico le permite defenderse por sí solo.
Por último, queda el grupo de los formatos "comprimidos" (con o sin pérdidas de información): toda la plétora de codecs digitales abanderados por el nuevo soberano del almacenamiento de música grabada, el MP3. Realmente, cuando se debate sobre la calidad sonora de estos formatos, pasamos a un mundo diferente del de los anteriores: su flexibilidad, su calidad "a la carta", la disponibilidad de codificadores/decodificadores, son los criterios dominantes a la hora de decantarse por ellos. Pero estos son aspectos ajenos al mundo de los demás formatos.
En los debates en defensa del formato favorito de cada uno suelen aparecer dos tipos de argumentaciones:
- La subjetiva: "Me suena mejor", "me gusta más". Indiscutible. Básicamente este tipo de ideas permite la reafirmación grupal.
- La de los fundamentos teóricos del formato: "Mayor margén dinámico", "mayor rango de frecuencias". Estos comentarios suelen aparecer en los debates y dan lugar a espectaculares tratados matemáticos sobre filtrados digitales, teoremas de Shannon y criterios de Nyquist.


El meollo del problema

¿Tiene sentido comparar CD vs. MP3? Si y no. A pesar de tener el mismo objetivo (la grabación y reproducción musical) son formatos con aplicaciones muy diferentes. Además, tengamos en cuenta que la calidad final no sólo depende del formato utilizado, sino también del equipo de audio, los altavoces, la forma y mobiliario de una sala, y el entorno. Entonces, acertar en su elección depende, en primer lugar, de qué es lo que se busque. MP3 posee una calidad aceptable para que una persona pueda acompañar un viaje en tren o una cena entre amigos con algo de música. EL CD, en cambio, es un concepto completamente distinto para aquellos que piensan en el disfrute de la música en sí.
Muchos han pronosticado la muerte de la Alta Fidelidad argumentando que la compresión de MP3 ha provocado la pérdida de la emoción musical y se preguntan porqué en la era de los mayores avances tecnológicos la calidad sonora empeoró como nunca. Es cierto que los formatos de compresión han degradado la calidad musical pero, además de una cuestión de mercado, se sabe que la mayoría de los audiófilos no son expertos en sonido, ni ingenieros, ni fanáticos del Hi-End. Y por más éxito y expansión que tenga MP3, siempre habrán puristas dedicados a escuchar sólo en vinilo o en cinta y con equipos valvulares.
Antes de ir al grano, repasemos algo de historia. Cuando apareció el CD de la mano de Philips en 1982 se trataba, ciertamente, de un formato con muchos inconvenientes y su calidad inicial era muy pobre. Los avances y mejoras introducidas al formato gracias al desarrollo tecnológico fueron claves para que el CD se convierta en el rey del audio digital. Algo similar sucedió con el MiniDisc de Sony, lanzado en 1992, que tenía una pésima calidad de sonido en sus comienzos y, gracias al encomiable trabajo realizado, lograron mejorar tanto el algoritmo de compresión (llamado ATRAC) que el MD fue considerado como un formato de Alta Fidelidad. Con la llegada de la versión 4.5 de ATRAC, las copias realizadas desde discos compactos ofrecieron una calidad casi clónica de sus originales, con amplitud y naturalidad en altas frecuencias. Esto significó, ni más ni menos, la evolución de la tecnología de audio y representó un gran avance para el MiniDisc.
Bueno, lo mismo está sucediendo con MP3.


Tests de calidad: CD Audio vs. MP3

Sam Lin, un ingeniero de sonido, realizó en 2006 una serie de pruebas de calidad (quality tests) para determinar si un MP3 realmente puede sonar tan bien como un CD. En la entrada de este blog dedicada a MP3 vimos que este formato alcanza la "transparencia" a 192 kbps. Sam utilizó ese umbral como referencia, ya que por debajo de los 192 kbps el sonido de un MP3 suena demasiado degradado. Primero ripeó dos piezas musicales bien dispares: el concierto nº 3 de Rachmaninov, por su gran rango dinámico, y el tema "Sweet Thing" de Mary J. Blige que, por su percusión con platillos, le permitió hacer pruebas de respuesta en frecuencia y distorsión.
Para el proceso de codificación utilizó el software EAC (Exact Audio Copy), extrajo las pistas en tres bitrates diferentes (192, 256 y 320 kbps) y las copió en un CD-R. Sam ya sabía que la manera en que cada software codifica la información afecta a la calidad final del archivo y, desde luego, suena diferente.
Luego, usando el programa Cool Edit realizó varios análisis de frecuencias utilizando ruido rosa (pink noise). Los resultados obtenidos al analizar el pop de "Sweet Thing" le parecieron más interesantes, donde encontró que en todos los bitrates MP3 mostraba vacíos causados por las frecuencias desechadas por el "modelo psicoacústico" en el proceso de codificación.
Finalmente, procedió a realizar pruebas subjetivas de escucha en su equipo de Alta Fidelidad, y encontró que a 192 kbps se percibe una marcada diferencia de calidad respecto del CD. Sin embargo, no pudo encontrar diferencias a 256 y 320 kbps. De hecho, entre un tema ripeado a 256 kbps y otro a 320 kbps no existen diferencias audibles.
Como sabemos, el límite superior de nuestra capacidad de percibir frecuencias altas es de 20 kHz. Sin embargo, en el caso de las fuentes sonoras que emiten frecuencias por encima de los 20 kHz, la existencia de dichas frecuencias ultrasónicas y su interacción con las frecuencias de intermodulación que están dentro del rango audible tienen consecuencias en el sonido final que se percibe, como bien afirma el ingeniero Andrés Mayo en su artículo "Hay vida después de los 20 kHz". Todo esto justifica la elección del CD como fuente sonora de calidad frente a MP3, ya que las diferencias, aunque sutiles, las podemos percibir.
Volviendo a las pruebas de Sam Lin, MP3 de 192 kbps es ideal para escuchar en la computadora o en el equipo del coche, dos sistemas con una distorsión importante y una mala respuesta en frecuencia. Para el hogar, en cambio, se recomienda el CD o bien MP3 codificado a 256 o 320 kbps, ya que la diferencia de calidad de audio entre el CD original y un MP3 a 256 kbps no es significativa.


Conclusiones

En definitiva, cada uno elegirá el formato de su preferencia en base a sus necesidades, posibilidades y objetivos.
Es innegable que el CD suena mejor que MP3, pero hoy en día la calidad de audio de un MP3 puede ser aceptable y hasta más que suficiente para el usuario promedio. Por ahora el mercado de la grabación y reproducción de audio sigue siendo dominado por el CD, y es lo que encontramos cuando vamos a una tienda de música. Posiblemente en MP3 las canciones suenen arruinadas o apenas empobrecidas, y muchos de nosotros nos sentimos incómodos por los cambios que imprimió este formato de compresión digital. Pero ese es el modo en el que la música sobrevivirá: como una lámina de ilustración en un libro de arte, mientras los originales se guardarán en un museo por aquellos que aún conservan sus reproductores de CD y bandejas giradiscos.
Ah, y no se preocupen, los puristas del sonido seguirán existiendo.


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Michael Bolton >> "Time, Love & Tenderness" (1991)

Todo en este disco es grandilocuente, desde la voz hasta la producción, pasando por las cifras de ventas. Michael Bolton se alejaba más aún de sus raíces de hard rock con canciones un tanto pasadas de moda, y con una base soul de temas de amor con estilo dinámico pero poco sutil.
Gran parte del éxito del disco se puede atribuir a la elección de los compositores que hizo el propio Bolton, con Desmond Child, auténtico mecenas de los éxitos del rock de la década, y Diane Warren, una de las compositoras con más ventas de todos los tiempos. Otros colaboradores del disco fueron Bob Dylan, que firmó la canción "Steel Bars", Kenny G con su saxofón en "Missing You Now" y Patti LaBelle en el dueto "We're Not Making Love Anymore".
A pesar de llegar a lo más alto de las listas con el álbum y publicar cuatro sencillos que llegaron al Top 20, el éxito del trabajo quedó oscurecido por la querella de Isley's Brothers contra Bolton argumentando que "Love is a Wonderful Thing" plagiaba su canción del mismo título del año 1961.
Time, Love & Tenderness fue publicado en abril de 1991 y vendió más de 9 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.


Contenido del disco:

1) Love Is a Wonderful Thing
2) Time, Love and Tenderness
3) Missing You Now
4) Forever Isn't Long Enough
5) Now That I Found You
6) When a Man Loves a Woman
7) We're Not Makin' Love Anymore - Michael Bolton, Patti LaBelle
8) New Love
9) Save Me
10) Steel Bars