Celine Dion >> "Falling into you" (1996)

La cantante franco-canadiense Celine Dion ya tenía toda una legión de seguidores de todos los lugares cuando esta cristalina colección de canciones saltó a escena con todo el aspecto de ser una apuesta segura. Para muchos, la fuerza de la voz de Dion era suficiente para vender, y aquí se demuestra hasta límites insospechados con un efecto inmediato sobre una enorme variedad de estilos.
El productor Jim Steinman le dió a Dion la oportunidad de abrir el disco con un tema arrebatador titulado "It's all coming back to me now". A lo largo de todo el disco su voz se maneja con soltura en una verdadera colección de baladas como "Because you loved me", de Diane Warren, tema central de la película "Up close and personal". La canción ganó el premio Grammy a la mejor canción escrita específicamente para una banda sonora de cine o televisión de 1997. El album también fue nominado en la categoría de disco del año, canción del año, y mejor actuación vocal femenina de pop.
El clásico de Ike y Tina Turner "River deep, mountain high" también adquiere nuevo brillo con el tratamiento que le da Celine Dion, al igual que lo hace el tema de Eric Carmen titulado "All by myself".
En la producción del disco también participó David Foster. "Falling into you" fue lanzado en marzo de 1996 y vendió más de 13 millones de copias. Está en el puesto número 13 entre los 100 discos más vendidos de los años 90's.

Contenido del disco:

1) It's All Coming Back to Me Now
2) Because You Loved Me
3) Falling into You
4) Make You Happy
5) Seduces Me
6) All by Myself
7) Declaration of Love
8) Dreamin' of You
9) I Love You
10) If That's What It Takes
11) I Don't Know
12) River Deep, Mountain High
13) Call the Man
14) Fly


Celine Dion en D-audio >> Because you loved me (1996) > Disco 3

Dire Straits >> biografía

Dire Straits apareció a finales de los setenta, cuando el punk iba en franca retirada. Aunque su sonido es básico, cuando no minimalista, su estilo le debe un poco al punk. Su salida coincide con la reaparición del rock de bar que estaba cargado del optimismo de antaño, aunque Dire Straits era más bien algo melancólico.

Encabezados por el guitarrista y cantante Mark Knopfler, el grupo construyó su base musical en el estilo relajado del blues rock representado por J.J. Cale (autor de temas como "After Midnight" y "Cocaine" que luego serían popularizados por Eric Clapton), además incorporaron elementos del jazz, del country y del rock progresivo.

Por otra parte, las composiciones de Knopfer tenían en sus letras el nivel de narración auto conciente de Bob Dylan.

Knopfler siempre fue el centro creativo de Dire Straits. Hijo de un arquitecto, estudió Literatura Inglesa en la Universidad de Leeds en Inglaterra y trabajó como crítico musical en el Yorkshire Evening Post como una forma de costearse sus estudios.

Cuando se graduó empezó a trabajar en doble jornada: por las mañanas enseñaba inglés y por las noches tocaba en los bares con los “Brewers Droop”. Junto a él se encontraba su hermano David que tocaba la guitarra y su compañero de cuarto John Illsey en el bajo.

En el verano de 1977 grabaron un demo con Pick Withers en la batería. La cinta fue escuchada por el programador de la BBC Charlie Gillet, quien empezó a programar “Sultans of Swing” en su programa.

El tema llamó la atención de la disquera Vértigo, que contrató al productor Muff Winwood para que grabara el disco debut del grupo ni bien terminaran su gira como abridores de los Talking Heads a inicios de 1978.

Para el verano de ese mismo año el grupo firmó con Warner en Estados Unidos, que se encargó de lanzar el disco a finales de ese año de este lado del Atlántico. “Sultans of Swing” entró entre los diez temas más calientes, tanto en Estados Unidos como en Inglaterra, lo que empujó las ventas del álbum hasta colocarlo entre los 10 más vendidos.

El álbum homónimo dejó al grupo como una de las fuerzas musicales de mayor influencia en la radio de esos años. La prueba vino en 1979 con “Comunique”, su segundo disco que consolidó la base de su audiencia además de vender unas tres millones de copias en todo el mundo.

Mientras grababan el tercer disco (“Making Movies”) Mark Knopfler decidió separarse del grupo para abrir su carrera como solista. Fue reemplazado por Hal Lindes que venía del grupo Darling. Al igual que los dos discos anteriores este último tuvo buena aceptación entre propios y extraños. A pesar de que algunos críticos los acusaban de haberse comercializado demasiado, fue disco de oro empujado por la radio y por la naciente MTV.

Su próximo disco debió esperar dos años. “Love Over Gold” fue un LP algo experimental con temas largos y arreglos extravagantes. En él venía el sencillo “Private Investigations” que fue número dos en Inglaterra. Nuevamente, fue disco de oro en Estados Unidos y estuvo cuatro semanas en el primer lugar en el Reino Unido. Acabado de salir el álbum, Terry Williams se sentó en la batería en sustitución de Withers.

Durante 1982 Knopfler pasó trabajando en proyectos musicales fuera de Dire Straits. Compuso la banda de sonido de “Local Hero” y tocó junto a Van Morrison en “Beautiful Vision”. Al año siguiente sacó a la venta un corta duración llamado “Twisting by the Pool”, produjo el disco “Infields” de Bob Dylan, además de escribir el tema “Private Dancer” que marcó el regreso de Tina Turner al mundo de la música.

A mediados de 1984 el grupo volvió a grabar. Esta vez fue un doble álbum llamado “Alchemy: Dire Straits Live”, que fue seguido ese mismo año por un nuevo disco de estudio al que se incorporó el tecladista Guy Fletcher.

Puesto a la venta a mediados del 85, “Brothers in Arms” fue el disco que catapultó a Dire Straits a la fama mundial. Apoyados en lo que en esos años eran gráficas vanguardistas generadas por computadora, sacaron el video de “Money For Nothing”, una canción que se burlaba de los videos musicales y que mantuvo el álbum durante nueve semanas en la cima vendiendo 9 millones de copias, sólo en Estados Unidos.

En Inglaterra las cosas no fueron diferentes. El disco se convirtió en el LP más vendido de la década. “Walk of Life” y “So Far Away” mantuvieron al disco en las listas durante 1986. Al mismo tiempo el grupo estuvo de gira presentándose unas 200 veces.

A medida que su carrera progresaba, Dire Straits se volvió más refinado y su nueva madurez coincidió con el auge de MTV y la aparición del disco compacto. Estos dos cambios monumentales en la música sirvieron para que su sexto disco (“Brothers in Arms”) se convirtiera en un éxito de ventas en todo el mundo.

A pesar de ese éxito mundial, Dire Straits no pudo quedarse en el firmamento de las grandes estrellas. Una espera de seis años hasta su próximo disco hizo que su audiencia base se encogiera significativamente.

Cuando terminó la gira de apoyo a “Brothers in Arms” el grupo entro en la refrigeradora toda vez que Knopfler se dedicó a producir artistas como Randy Newman y Joan Armatrading, además de ir de gira con Eric Clapton y grabar a dúo con Chet Atkins “Neck and Neck” en 1990.

En 1989 formó el grupo country “Notting Hillbillies”, cuyo único disco, “Missing... Presumed Having a Good Time”, se convirtió en un éxito en Inglaterra a inicios de 1990.

Ese año Knopfler rearmó Dire Straits. Ahora el grupo estaba integrado por Illsley, Clark, Fletcher y una gran variedad de músicos de apoyo. Esta nueva etapa empezó en 1991 con “On Every Street” un disco que había sido esperado con ansias pero que decepcionó a sus seguidores. Igualmente la gira que acompañó al disco fue decepcionante al punto que hubo muchas entradas que se quedaron sin vender.

La historia de Dire Straits sigue ligada a la agenda de Knopfler. Por eso cada vez que el músico decide arrancar con un proyecto personal el grupo queda estacionado. Pero independientemente de eso, es innegable que sin “Money For Nothing” y “Sultans of Swing” la radio y la televisión no serían lo mismo que son hoy día.

Dire Straits en D-audio >> Brothers in arms (1985) > Disco 5

The Carpenters >> biografía

Fueron un dúo de ensueño. Personificaron en alguna medida al sueño americano, pero también a las contradicciones de una sociedad.

Karen Carpenter tenía una voz blanca, casi pura y sobre la que ejercía un dominio admirable. Su hermano, Richard, hacía los arreglos musicales que armonizaban perfectamente con la voz y creaban un sonido distintivo, único.

Karen nació en 2 de marzo de 1950 en la ciudad de New Heaven, estado de Connecticut. Fue la menor del matrimonio de Harold y Agnes Carpenter, que el 15 de octubre de 1946 había visto nacer a Richard, que ya a los tres años mostraba un marcado interés por la música.

La familia se mudó a California en busca de un mejor clima y de oportunidades para el joven talentoso que ya siendo adolescente tocaba el piano en concursos y en algunas fiestas. Su hermana desarrolló el mismo interés por la música y aunque fracasó con la flauta logró éxito con la batería y, más tarde, el canto.

En esta época se unieron con su amigo Joe Osborn y grabaron algunas temas de Jazz, del que salió el sencillo "Looking for Love" en el que Karen tocaba la batería. Se produjeron 500 copias de este disco que hoy en día es un elemento de colección.

Con el pasar del tiempo los hermanos mejoraron su calidad musical y entraron a varios concursos de talentos, llegando a ganar la "Batalla de las Bandas" en el Hollywood Bowl. Parecía que se estaba gestando una carrera artística, de ahí que el próximo paso era producir una cinta de demostración para enviar a las casas disqueras. La primera de esas cintas llegó al escritorio de Herb Alpert, fundador del sello A&M, y bastaron 30 segundos para que se decidiera a firmarlos.

En 1969 salió su primer disco llamado inicialmente "Offering", pero luego rebautizado "Ticket to Ride" por el número de los Beatles que aparecía en el LP. Esa canción fue escogida para ser promovida en las emisoras y aunque no tuvo el éxito de un número uno, preparó el camino para lo que venía: "Close to You".

A mediados de 1970 lograron colocar el sencillo dentro de las listas de popularidad y vender 300 mil copias. El tema promovía un estilo musical que chocaba con el rock de los Stones, el show de Elton John o la música fuerte de la década.

Luego de "Close To You" vino una gira por Europa y Japón donde agotaban entradas, además de los éxitos "We've Only Just Begun", "Rainy Days and Mondays", "Superstar", "For All We Know", "Top of the World" y "Please Mr. Postman". El dúo logró su éxito a partir de una mezcla de canciones propias, reinterpretaciones de éxitos y un estilo musical propio y sólido, más allá de las críticas que los acusaban de blandos o cursis en un período en el que la música debía ser sinónimo de rebeldía y fuerza.

Los Carpenters mantuvieron una pesada agenda de conciertos y presentaciones por varios años que fue generando mayor presión en Karen y Richard que degeneró en una adicción a las dietas en ella y a las pastillas para dormir en él. La primera señal llegó en un concierto en Las Vegas a mediados de los setenta cuando cantando "Top of the World" Karen se desmayó y tuvo que ser internada en un hospital con 15 kilos menos de lo que debería pesar una mujer de sus condiciones. Pero fue hasta 1977 que Karen se empezó a mostrar realmente enferma con una apariencia cadavérica.

Mientras, Richard estaba impotente ante la crisis de su hermana porque tenía una propia: en 1974 había empezado a tomar un somnífero que lo ayudara a conciliar el sueño, pero se volvió adicto cuando lo empezó a usar para otros propósitos, sus manos temblaban y no manejaba el tiempo de su música. El 4 de septiembre después de una presentación en Las Vegas admitió que no podía más y buscó ayuda. Fue la última presentación del dúo.

En enero del 79, Richard se internó en una clínica para curarse de su adicción. Karen, para mantenerse activa, decidió grabar en solitario un disco bajo la dirección del productor Phil Ramone en Nueva York. El LP no fue bien recibido ni por su hermano, ni por la casa disquera que no permitieron que saliera sino hasta 1996, quince años después de su muerte.

Karen desmoronada y Richard recuperado volvieron al estudio en 1981 para grabar el disco "Made in America", del que se extraería el sencillo "Touch me When We're Dancing".

Durante esos años los Carpenters grabaron varios especiales de Televisión como "Music, Music, Music", "The Carpenters at Christmas" y "Space Encounters", además de haber sido invitados en muchísimos más. Su cosecha de Grammys fue prodigiosa, e inclusive lograron ganarle a Elton John.

En 1982 Karen se asumió como anoréxica y fue a tratarse en Nueva York con un psicoterapeuta, además de que cargaba con el fracaso marital con Tom Burris. Su médico descubrió con horror que había estado tomando laxantes en cantidades desproporcionadas, además de medicamentos para la tiroides de manera de que su metabolismo fuera más rápido.

Para la celebración del Día de Acción de Gracias de 1982 las cosas parecían encaminarse bien. Sin embargo, Richard seguía desconfiando de la verdadera recuperación de su hermana, incluso le pidió que buscara ayuda apropiada haciendo referencia a su apariencia física. De hecho él no era el único que dudaba, sus amigos veían que un año de tratamiento "la había empeorado".

Tres meses después, el 4 de febrero de 1983, Karen Carpenter fallecía de un paro cardíaco debido a su anorexia nerviosa.

The Carpenters en D-audio >> Yesterday once more (1973) > Disco 3

Air Supply >> biografía

Durante los años ochenta, Air Supply, una de las bandas australianas más importantes de todos los tiempos, parecía que estaba adherida con pegamento a las listas. Su estilo de baladas apoyadas en orquestas estuvo siete veces entre las cinco canciones más importantes de los charts.

Air Supply, más que una agrupación, es un dúo de cantantes formado por Russell Hitchcock y Graham Russell. Aunque al grupo han entrado otros músicos a lo largo de los años, lo han hecho como músicos de respaldo.

Russell (inglés) y Hitchcock (australiano) se conocieron en abril de 1975 cuando ensayaban para la presentación teatral de la ópera rock “Jesucristo Superestrella” en Melbourne. El trabajo en la obra dio paso a una amistad que se ha mantenido a través de los años.

Graham empezó a mostrarle sus composiciones a Russell y se dieron cuenta de la afinidad musical que había entre ellos. Entonces decidieron empezar a cantar juntos y lo hicieron en cuanto lugar les abriera las puertas. Pronto la gente empezó a llenar los bares en los que se presentaban. A los dos cantantes se unieron el tecladista Frank Esler-Smith, el guitarrista David Moyse, el bajista David Green y el baterista Ralph Cooper. Así nació Air Supply.

Durante 1976 el grupo siguió presentándose por toda Australia, además de grabar un sencillo. En 1977 pusieron a la venta su primer LP: “Love and Other Bruises”. Los temas compuestos por Graham rápidamente escalaron en las listas australianas y el sencillo "Love And Other Bruises" llegó al número 2, mientras que “Empty pages” estuvo en el lugar 18. El talento del grupo empezó a ser reconocido y ese año Rod Stewart los llevó como grupo de apertura en su gira de conciertos por norteamérica.

Luego de su regreso de la gira, el dúo se dio cuenta que si querían seguir subiendo tendrían que volver a Estados Unidos.

En 1979, “Life Support” (grabado en 1978) aparece con el primer gran éxito de la banda: “Lost in Love” que sería número uno en Australia. Este fue el inicio de una serie de éxitos a nivel mundial, aunque para llegar a destacarse fuera de la isla continente Air Supply debió grabar otra versión.

Para desembarcar en Estados Unidos firmaron con la disquera Arista y reacomodaron su disco anterior con nuevas canciones y lo bautizaron como “Lost In Love” y de él se extrajeron 3 canciones que estarían en el top 5 norteamericano durante 1980: "Lost In Love", "Every Woman In The World" y "All Out Of Love". El disco se convirtió en multiplatino.

Al año siguiente salió a la venta “The One That You Love”, que llegó a estar en el segundo peldaño de la lista de álbumes. Del disco se extrajeron "The One That You Love" (que fué número uno), "Here I Am" y "Sweet Dreams". Este disco también sería multiplatino.

Su siguiente disco, “Now And Forever”, también sería multiplatino, aunque en las listas estuvo en el puesto 38 y los sencillos que se extrajeron no tuvieron el impacto de sus predecesores. "Even the Nights Are Better" fue número 5, "Young Love" 38 y "Two Less Lonely People In The World" también 38. Era evidente que Air Supply tenía un público de base más amplio de lo que muchos se podrían imaginar.

En 1983 Air Supply lanzó su disco de grandes éxitos en el que se incluía el sencillo "Making Love Out of Nothing at All" que llegó a estar dos semanas en el número dos de las listas y el disco estuvo en la casilla siete mientras vendía cuatro millones de copias.

Tratándose de expandir por el mundo ese año pusieron a la venta en el Reino Unido “Making Love”.

Dos años después, en 1985, salió a la venta el disco “Air Supply” (segunda vez que le ponían ese nombre a un LP). El disco estuvo en la posición 26, mientras que el sencillo “Just As I Am” fue número 19 y fue declarado el video del año por VH1. Este disco fue el primero, desde su llegada a Estados Unidos, en no ser multiplatino y parecía marcar el final de la relación de amor con su público.

Su siguiente disco, “Hearts In Motion” de 1986, fue todavía menos exitoso y apenas llegó a la casilla 84. Luego de esta desilusión el dúo decidió separarse. “Earth Is...” fue el disco que marcó la reunión de Air Supply en 1991, pero tampoco logró entrar en las listas, algo similar les pasó con “Vanishing Race” de 1993 y “News From Nowhere” de 1995.

En 1999 para celebrar sus 25 años de carrera, produjeron “The Definitive Collection”, una colección de videos y un par de entrevistas con el dúo.

Iniciado el nuevo milenio apareció “Yours Truly”, luego vendría “Across the Concrete Sky”, del que se dice es el mejor disco de Air Supply por la calidad del sonido y las letras.

Quizás muy melosos para algunos, tremendamente románticos para otros, pero obligatorios en cualquier baile de secundaria de los ochenta... sobre todo cuando se trataba de bailar sobre un ladrillo. ;)

Air Supply en D-audio >> All out of love (1980) > Disco 2

Cyndi Lauper >> biografía

Cynthia Ann Stephanie Lauper Thornton, Cyndi Lauper, nace en Brooklyn, Nueva York el 22 de junio de 1953. Hija de Fred Lauper y Catrine Dominique (que aparece en varios de sus videos), tiene dos hermanos: Elen y Fred.

A los 5 años se muda con su madre y hermanos a Queen luego del divorcio de sus padres.

Cuando tenía doce años, en 1965, empezó a escribir y componer con su guitarra. La primera canción que aprendió a tocar fue "Greensleeves". Durante la adolescencia fue a cuatro colegios. Finalmente, la secundaria de Richmond en Nueva York, le entregó un diploma honorario. Acabada la secundaria, en 1970 dejó su casa para dedicarse a hacer "auto stop" por Canadá, acompañada de su perro Sparkle. De regreso, entró a la Universidad con el propósito de estudiar artes.

Cyndi Lauper empezó su carrera artística como cantante de un grupo de Long Island llamado Doc West (Muelle Oeste). Luego pasó a la banda Flyer dónde se dedicó a interpretar canciones de Jefferson Airplane, Led Zeppelin y Bad Company, entre otros. En 1977 deja de cantar porque había lastimado sus cuerdas hasta el punto de haberse quedado sin voz.

En 1980, luego de un año completo de terapia de la voz, Lauper vuelve a dedicarse a la música. Esta vez lo hace con John Turi, un músico que tocaba varios instrumentos, y con quien formó la banda Blue Angel. Ese año lanzaron su disco debut que llevaba el nombre del grupo. El LP incluía el tema "Maybe He'll Know".

Sin embargo, la carrera del grupo no iba para adelante. Por eso, Lauper decidió arrancar con una carrera en solitario. En 1983 firmó con Portrait Records y lanzó su primer álbum titulado "She's So Unusual" (Ella es tan inusual) que pretendía reafirmar la apariencia extravagante de la artista. El disco vendió 4,5 millones de copias en Estados Unidos. Fue el primer disco de una cantante que debuta en colocar 4 canciones en el top 5 de Billboard: "Girls Just Want To Have Fun", "Time After Time", "She Bop" y "All Through The Night".

Debido al éxito del disco recibió premios de la American Music Awards, Grammies, de la revista Rolling Stone y de MTV.

Al año siguiente se fue de gira con casi 300 presentaciones en un año. No solamente actuó y promovió sus discos en 150 ciudades, sino que además tuvo tiempo para diseñar las camisetas que se vendían en sus conciertos.

Siendo la artista de moda, fue llamada para que compusiera la banda sonora de la película "The Goonies" en 1985. "Good Enough" llegó a colocarse en el Top 10. Un año más tarde demostró que lo estrafalario de su apariencia era una extensión de su creatividad. Ese año produjo el álbum "True Colors" en el que incluye artistas como Billy Joel, Nile Rodgers, Rick Derringer, Aimee Mann y las Bangles. La canción que le da nombre al disco le valió una nominación al Grammy.

En 1988 viajó a la Unión Soviética como una de las integrantes de un grupo de compositores norteamericanos que colaborarían con sus contrapartes soviéticas. La experiencia sirvió de base para componer "Cold Sky", un tema que está en su disco "Music Speaks Louder Than Words".

Con la salida de "A Night To Remember", su tercer álbum, venía "I Drove All Night" una canción que recibió una nominación para los Grammy de 1989. Ese año fue de giras, videos y premios por doquier.

En 1991 se casa con el actor David Thorton a quien conoció en la segunda película de su carrera un año antes. La boda fue bastante particular dado que Little Richard ayudó a que la pareja recitara sus votos (poco ortodoxos por cierto) y Patti Labelle cantó como tema de bodas "Come What May". Probablemente el amor le sirvió de inspiración, porque "Hat Full Of Stars", su siguiente disco, fue el más aclamado por la crítrica, al punto que la revista Rolling Stone comentó que "su voz de multioctavas nunca había sonado mejor".

Sobre ese disco ella comentó: "Quería hacer el álbum que siempre necesité hacer. Tenía que decir las cosas que nunca había podido." Además de co-producir y componer el disco, dirigió tres de los videos.

Tres años después vino su disco de éxitos y una aparición en la comedia "Loco por tí" por la que recibió una nominación a los Emmy que finalmente no ganó. Sin embargo, al año siguiente su aparición en la serie de la temporada 95 le valió el premio.

1996 fue el año en que salió "Sisters Of Avalon" en Japón. El disco fue completamente compuesto por ella, pero recibió la ayuda de Jan Pulsford, su tecladista. Al año siguiente vendría el lanzamiento mundial. Su paso por la televisión la dejó marcada y en 1998 grabó una comedia que nunca fue transmitida.

En ésta década ha salido en una película dramática que le ha valido buenas críticas, estuvo de gira con Cher y logró sacar un disco de 5 pistas formado por canciones de uno anterior que nunca vió la luz.

Cyndi Lauper en D-audio >> True colors (1986) > Disco 2

James Taylor >> biografía

Sinónimo de música acústica, suave e introspectiva, James Taylor nació en 1948 en Boston, Estados Unidos. Hijo de un médico y de una cantante de ópera, creció rodeado de música, ya que sus hermanos tocaban diversos instrumentos. A mediados de los ‘60 formó sus primeros grupos, pero sufrió una fuerte depresión y tuvo que ser internado en un psiquiátrico.

Recuperado emocionalmente, en 1966 creó The Flying Machine, con la que editó un single que no tuvo éxito. Un año más tarde, la banda se disolvió y Taylor se hizo adicto a la heroína. En un intento de alejarse de los malos hábitos, viajó a Londres y consiguió un contrato con el célebre sello de los Beatles, Apple Records, que editó su primer LP solista. Pero su problema con las drogas empeoró y Taylor volvió a EE.UU. para iniciar una rehabilitación.

Sweet baby James le dio su primer éxito en 1970 de la mano de canciones como “Carolina in my mind” y “Country road”. Le siguieron los discos Mud slide slim and the blue horizon y One man dog y, al poco tiempo, ganó más exposición tras casarse con la cantante Carly Simon, con quien grabó un cover de “Mockingbird” que llegaría al puesto 5 en 1974.

Taylor solidificó su posición como uno de los cantautores más sensibles de la época con una sucesión de exitosos álbumes como Walking man, Gorilla, In the pocket, JT y Flag, en los que demostró no sólo su talento como compositor, sino su habilidad para conseguir hits con viejos clásicos, como "How sweet it is (to be loved by you)", original de Marvin Gaye; “Handy man”, de Jimmy James; y “Up the roof”, de los Drifters.

Taylor entró en los ‘80 con Dad loves his work. En 1983 se separó de su mujer (la también cantautora Carly Simon) y, dos años más tarde, se casó con la actriz Kathryn Walker. También participó del famoso y multitudinario concierto Rock in Rio y editó That’s why I’m here que, como era costumbre, incluyó otro cover exitoso: el tema “Everyday”, de Buddy Holly.

Entre el final de los 80’s y principios de la última década, Taylor lanzó Never die young y New moon shine y se concentró en realizar presentaciones en vivo en todo el mundo, lo cual quedó registrado en el disco Live, de 1993.

Hourglass, de 1997, le dio un premio Grammy como mejor álbum pop. Tras el galardón, Taylor se tomó cinco años de receso para volver en 2002 con su último trabajo de estudio: October road.

Laura Branigan >> biografía

Actriz y cantante, Laura Branigan tomó por asalto la escena musical de los ochenta con su versión de “Gloria” a inicios de la década. Nacida el 3 de julio de 1957 en Brewster, estado de Nueva York, Laura Branigan empezó a pensar seriamente en ser artista en su último año de secundaria cuando tuvo el papel principal en un musical colegial.

Su voz colocada en la quinta octava y lo potente de su instrumento, han hecho posible que llene un estadio con lo crudo de las emociones, además de hacer sentir que la letra de una canción es tan profunda que no necesita la música para emocionarnos. Aún para el observador menos atento es imposible dejar de notar que ella estaba hecha para cantar.

A su salida del colegio, a mediados de los años setenta, entró a la Academia Americana de Artes Dramáticas en la ciudad de Nueva York. Saliendo de la academia firmó como corista de Leonard Cohen con quien recorrió el mundo hasta finales de los años setenta.

Su rol no había pasado desapercibido para Atlantic Records que le ofreció un contrato. Sin embargo, su salida como solista se demoró debido a que uno de sus representantes la demandó cuando lo despidió. Cuando logró resolver sus problemas legales estuvo lista para lanzar su álbum debut “Branigan” en 1982.

El disco produjo uno de los éxitos más importantes de ese año: “Gloria”, una regrabación de un tema pop italiano, que fue interpretado al estilo de Donna Summer. La canción fue número dos en Estados Unidos, número uno en varias emisoras costarricenses y número seis en las listas inglesas. Además, le valió la primera de cuatro nominaciones al Grammy para la mejor artista pop femenina.

La popularidad alcanzada por la canción en todo el mundo fue realmente impresionante. En Alemania, por ejemplo, la versión de Branigan estuvo en el primer lugar, mientras que la versión italiana se colocó en el segundo.

En 1983, puso a la venta su segundo disco “Branigan 2” que produjo dos sencillos importantes “Solitaire” y “How Am I Supposed to Live Without You”, esta última escrita con el entonces desconocido Michael Bolton. Al mismo tiempo, participó en la banda sonora de la película “Flashdance” interpretando “Imagination”. También fue escogida para cantar el tema principal de “Octopussy” la película de James Bond, pero finalmente le dieron la oportunidad a Rita Coolidge.

A lo largo de la década de los ochenta Laura Branigan siguió produciendo discos: En 1984, “Self Control” (disco de oro); 1985, “Hold Me” y en 1987 “Touch”. Todos los discos produjeron sencillos que se convertirían en éxitos como “Self Control” (platino), "The Lucky One", "Ti Amo", "Spanish Eddie", "I Found Someone”, “Hold Me”, "Shattered Glass" y "The Power of Love."

Sin embargo, a inicios de los noventa las cosas se pusieron cuesta arriba para Branigan y los éxitos empezaron a rehusarse. En 1994 grabó a dúo con David Hasselhoff el tema principal de la serie “Bay Watch” titulado “I Believe”.

Al mismo tiempo que cantaba se dedicaba a la actuación y eso le valió un par de apariciones en “Chips”, y en las películas como “Mugsy's Girl”, “An American Girl in Berlin” y “Bacstage”.

En 2002 reapareció en el musical “Janis” en el que actuaba en el papel de Janis Joplin y que le valió críticas muy buenas.

Laura Branigan falleció el 29 de agosto de 2004 de un neurisma cerebral.

Ella se describía a si misma como “una obsesionada por la música” y aunque le encanta trabajar con otros músicos en el estudio, nada se compara a presentarse en vivo ante el público. “Cuando estás en el escenario la audiencia se convierte en tu otra mitad. Es lo más alto a lo que se puede aspirar como músico, un sentimiento increíble. Y no importa dónde esté, siempre es igual. Esa es la razón por la que llamamos a la música el lenguaje universal.”

Roxette >> biografía

Roxette fue el primer grupo pop en exportarse de Suecia en los años 90. Integrado por Marie Fredrikson, nacida bajo el nombre de Gun-Marie Fredriksson el 30 de mayo de 1958 en Östra Ljungby y por Per Håkan Gessle, nacido el 12 de enero de 1959 en Halmstad, encontraron el éxito internacional gracias a la combinación altamente comercial de canciones pop-rock pegajosas y una imagen impactante.

Inicialmente, Gressle era un solista cuya carrera empezó a inicios de los años ochenta. Antes había formado parte de la banda new wave Gyllene Tider, fue allí donde cantó por primera vez con Marie. Thomas Johannson, quien fuera representante de ABBA lo descubrió mientras buscaba material para el álbum de Frida.

En tanto Fredriksson ya había lanzado tres discos bastante popualres en Suecia. Johannson los unió en 1985. La historia de Roxette empieza con la canción “Svartaa Glas”, escrita por Gressle. Le pidió a una cantante sueco que la grabara, pero ella rechazó el trabajo. Entonces Gressle hizo una versión en inglés del tema: “Neverending Love”. Entonces Rolf Nygren, de la casa disquera EMI, le sugirió que grabara el tema con Marie, quien aceptó de inmediato. La canción se convirtió en un éxito en Suecia.

El nombre Roxette viene de una canción del grupo Dr. Feelgood, una de las bandas favoritas de Per.

Durante 1986 se dedicaron a grabar en el estudio de Gressle en Halmstad y al año siguiente lanzaron su disco debut.: “Pearls of Passion”. Al año siguiente se dedicaron a presentarse por toda Suecia ante unas 110 mil personas, en la gira “The Rock Runt Ricker Tour” en la que participaban otros artistas suecos de renombre.

En 1988 tomaron Suecia por sorpresa con “Look Sharp!”, que se convertiría en el segundo álbum más vendido en la historia del país. Pero algo curioso sucedió. Un estudiante norteamericano que estaba de intercambio en Suecia estaba fascinado con su música y se llevó una copia de su álbum a Estados Unidos. Una vez en casa se fue directamente a la emisora más importante de Memphis, KWB, y le dijo al programador Brian Phillips: “Usted tiene que escuchar este álbum porque es grandioso”. Rápidamente “The Look” llegó al número uno, aunque el disco no hubiera salido sino hasta 1989.

Otros sencillos como "Dressed For Success" (14), "Listen To Your Heart" (1) y "Dangerous" (2) marcaron el fenómeno de ventas en Estados Unidos.

La balada "It Must Have Been Love", que fuera usada en la banda sonora de “Pretty Woman” (Roy Orbison), película protagonizada por Richard Gere y Julia Roberts, se convirtió en el tercer número uno del dúo en abril de 1990, mientras que en Inglaterra llegó al número 3. Esta canción originalmente había sido compuesta en 1987 y fue retocada para su inclusión en el álbum de la película que llegaría a vender unos 9 millones de copias.

Al año siguiente “Joyride” llegó a ser número uno en Estados Unidos y casi toda Europa. Este álbum obtuvo su nombre de unas declaraciones de Paul McCartney en las que decía que componer con Lennon era un largo viaje de placer. El disco llegó a vender más de 10 millones de unidades. En el mismo disco venía "Fading Like A Flower (Every Time You Leave)" que fue número 2 en EUA en junio de ese mismo año, al mismo tiempo que marcó el final de los Top Ten norteamericanos del dúo.

Para apoyar el éxito de su disco salieron de gira por 87 países presentándose en 108 ocasiones. De esta gira salió un disco basntante particular titulado “Tourism – Songs from studios, stages, hotel rooms & other strange places", que fuera grabado en países tales como Suecia, Brasil, Argentina, Australia, Chile, Suiza y Estados Unidos. Lanzado en 1992, el disco llegó a vender unas 7 millones de copias.

En 1993 “Almost Unreal” llegó al número 7 en el Reino Unido, mientras que en septiembre lo haría el relanzamiento de "It Must Have Been Love". Sin embargo, subsecuentes lanzamientos no alcanzaron el éxito que tuvo Roxette a inicios de los noventa. “Almost Unreal” fue compuesta para una película de Bette Midler que no tuvo mayor suceso, pero la canción fue agregada a la banda sonora del juego “Super Mario Bros.”, en el que ya se había incluido “2 Cinnamon Street”.

En 1994 Roxette produjo el álbum “Crash! Boom! Bang! que vendió cinco millones de copias y empujó una nueva gira. Sin embargo, en esta gira no llegarían a Estados Unidos porque la filial local de EMI consideró que el disco no tendría mayor éxito. Por eso, lanzaron un disco llamado "Favorites From Crash! Boom! Bang!" que solo se vendería en los restaurantes Mc Donald’s, hasta alcanzar el millón de unidades.

En su álbum de grandes éxitos de 1995 se agregaron 4 canciones nuevas, después de lo cual el dúo se separó por cinco años. En el ínterin sacaron “Baladas en Español” y en 1997 volvieron a firmar con EMI por 10 años. A su regreso en 1999 con “Wish I Could Fly” y un disco bastante respetable se volvió a confirmar su popularidad en Europa, aunque de este lado del Atlántico las cosas no marcharon igual que en otras épocas. El disco “Have a Nice Day” en el que se incluía la canción fue grabado en España.

Roxette en D-audio >> Queen of rain (1992) > Disco 6

The Cranberries >> biografía

¿Qué palabras podemos usar para describir a una de las bandas más exitosas de los últimos quince años? ¿"Dreams"?, ¿"Linger"? ó ¿"Zombie?. Aunque sencillas, estas palabras representan el trabajo de una banda que ha logrado vender más de 35 millones de discos. Estos jóvenes músicos, quienes inicialmente parecían no tener mayores pretenciones que pasarla bien, han mostrado con el pasar de los años cómo puede evolucionar una banda y madurar musicalmente. Prueba de ello es cómo pasaron de temas como "Throw Me Down A Big Stairs" o "Good Morning God" sin mayor muestra de talento, a temas llenos de propuestas nuevas y musicalmente profesionales.

The Cranberries es una de las más exitosas agrupaciones irlandesas. Ha roto los conceptos de punk y rock para ofrecer una propuesta musical con un sello propio. Empezó en Limerick, Irlanda, en 1989 con un estilo de pop/rock alternativo bajo el nombre de The Cranberries Saw Us y lo integraban Fergal Lawler (batería), Noel Hogan (guitarra), Mike Hogan (bajo) y Niall Quinn (voz). Después de un año de fuertes cambios que incluye la salida del vocalista, incorporan a su nueva voz: Dolores O'Riordan, que le da fuerza y personalidad a la banda. Apenas habían terminado la secundaria cuando Dolores, Noel, Fergal y Mike firmaron para Island Records y se hicieron notar con "Dreams" y "Linger".
"Linger" fue el sencillo que los presentó al mundo. Tan fuerte fue su entrada a escena, que el sencillo y su disco Everyone is Doing It So Why Cant We llegaron al Top Ten en 1993. Su segundo lanzamiento fue No Need To Argue y vendió más de 15 millones de copias empujado por los sencillos "Zombie," y "Ode To My Family."

Entonces llegaron las famosas presentaciones en las que Dolores tocaba dándole la espalda a la audiencia o la vez que superaron las interpretaciones de grupos musicales como Suede. Pasaron de pequeños conciertos a tocar en estadios repletos con "Zombie" como tema estandarte, luego fueron a Woodstock II y finalmente se presentaron en secreto ante 10.000 personas en Washington DC. A mediados de la década pasada, las entradas a sus shows se agotaban en Estados Unidos, Europa, Asia y Australia, hasta la presentación de Dolores con Luciano Pavarotti en un concierto en favor de los Niños de la Guerra en la ceremonia de entrega del Premio Nobel de la Paz, en 1995.

Luego, en 1997, el disco To The Faithful Departed vendió 6 millones de copias empujado por los éxitos "Salvation" y "Free To Decide", llegando al número uno en 18 países. Pero para ese momento la banda necesitaba bajarse de ese tren vertiginoso llamado éxito, por el bien de su salud y de su música. La pausa tuvo efectos muy positivos. Después de dos años de descanso, en 1999, los Cranberries lanzaron Bury The Hatchet. El disco alcanzó las 3 millones de copias y vino acompañado de una gira mundial y varios sencillos: "Promises", "Animal Instinct" y "Just My Imagination". Su quinto disco de estudio, Wake Up And Smell The Coffee, llegó con los miembros de la banda casados y con hijos. Dolores acababa de dar a luz su segundo hijo en enero de 2001.

En la actualidad el grupo se ha deshecho (se disolvió en 2004), o como ellos dicen "se han tomado un descanso", pero todos sus fans desean que algún día se reúnan para volver a enamorar al público con sus canciones y la voz de la, ahora solista, Dolores O'Riordan.


The Cranberries en D-audio >> When you're gone (1996) > Disco 6

Tears For Fears >> biografía

Con 17 millones de álbumes vendidos alrededor del mundo, Tears For Fears se convirtió en una de las bandas más representativas del pop desde mediados de los años 80's. Iniciada en el movimiento new wave, produjeron un pop basado en sintetizadores, lo que se conoció como pop sintético (synth pop) y posteriormente desarrollaron un estilo propio más acústico que les ganó el reconocimiento mundial.

Tears For Fears se formó con Roland Orzabal y Curt Smith, quienes se conocieron en Bath, Inglaterra, su pueblo natal, a los 13 años, cuando un amigo en común los presentó. Inmediatamente se llevaron bien no sólo por sus personalidades similares, sino también por su trasfondo común de hogares disfuncionales. A través de los años, su amistad creció, al igual que su desarrollo musical, mientras participaban juntos en varias bandas juveniles.

Roland y Curt se unieron a la banda Neon y posteriormente formaron parte de la banda Graduate en 1979. Su amigo David Lord los puso en contacto con los sintetizadores y les presentó al tecladista Ian Stanley. A los 19 años, Orzabal y Smith se unieron a Stanley y al baterista Manny Elias para conformar así Tears For Fears.

El nombre de la banda deviene del tratamiento psicoterapéutico de Arthur Janov llamado primal therapy en el que el paciente es motivado a gritar, llorar y golpear objetos con el fin de expresar sentimientos reprimidos y miedos fijados desde la infancia e incluso desde etapas prenatales (de aquí los títulos de algunas canciones como “Shout”).

El contenido de las teorías de Janov fue evidente en el primer disco de la banda, The Hurting (1983), grabado después de lograr un contrato con Polygram en 1982. El álbum resultó ser una atractiva mezcla de pop basado en música de sintetizadores que se convirtió en un enorme éxito en su natal Inglaterra.

De esta forma entraron a la escena musical del pop con un repertorio de temas de carácter introspectivo y toques electrónicos. En éste se incluyen temas como “Mad World”, “Pale Shelter” y “Change”, que lograron colocarse a la cabeza de las listas de popularidad en Inglaterra.

Su segundo álbum, Songs From The Big Chair (1985) se inspiró en la serie norteamericana Cybill y, en él, se libraron del molde de la música new wave desarrollando un sonido más acústico mediante la participación activa de los integrantes, tocando instrumentos y fijándose menos en elementos artificiales, lo que se convirtió en la marca distintiva de la banda y que les confirió el éxito a ambos lados del Atlántico.

Con Songs From The The Big Chair dieron el salto a la fama en la escena mundial. Se convirtió en un éxito rotundo en estaciones de radio de todo el mundo, empujado por temas como “Everybody Wants To Rule The World”, “Shout” y “Head Over Heals”.

A raíz de su enorme éxito internacional, la banda destinó largos períodos de tiempo a la promoción de su nuevo disco y a presentaciones en vivo alrrededor del mundo. Cuatro años más tarde sacaron su tercer álbum: Sowing The Seeds Of Love (1989), que inmediatamente entró a la cabeza de las listas de popularidad con sencillos como “Sowing The Seeds of Love”, una explosión de pop rico y melódico, con un sonido inconfundiblemente Beatle.

El disco fue triple platino en Inglaterra y quíntuple platino en Estados Unidos durante 1985. Lamentablemente, el éxito de Sowing The Seeds Of Love no marcó el inicio de una nueva etapa de crecimiento, sino el principio del fin.

Después de grabar Sowing The Seeds Of Love el dúo empezó a tener roces a nivel personal y profesional. Finalmente la banda tuvo una separación un tanto cáustica. Apenas llegando a sus 30 años, el dúo había estado en el candelero de la música pop por casi una década. Indudablemente, habían cambiado y ya no tenían tantas cosas en común como cuando se conocieron a los 13 años.

La ruptura se atribuyó a los intentos frustrados de Orzabal por convertirse en productor y el desagrado de Smith por el ambiente del mundo pop.

La presión, el cansancio y las fricciones provocadas por los largos meses de trabajo pasaron su factura y después de una presentación en Knebworth, Inglaterra, en Junio de 1990, se separaron.

Orzabal continuó con Tears for Fears, con una orientación más sofisticada y pretenciosa dirigida a una audiencia más selecta. Sacó varios álbumes adicionales acompañado por su colaborador Alan Griffiths: Elemental (1993), Raoul And The Kings Of Spain (1995) y Saturnine, Martial and Lunatic (1996), además de conducir giras internacionales para promocionarlos.

No obstante las cosas no iban viento en popa porque el suceso de estos álbumes siempre estuvo a la sombra de éxitos anteriores, además que la ausencia de Smith era resentida por los seguidores de la banda.

Orzabal optó entonces por un semi retiro. Regresó con su familia en Bath para pasar más tiempo con sus hijos y se dedicó a trabajar en casa, experimentando con música basada en tecnología.

En 1999 co-produjo un álbum para la solista islandesa Emiliana Torrini, y no fue sino hasta dos años después que finalmente decidió lanzar su primer álbum como solista: Tomcats Screaming Outside, que para su mala suerte se estrenó en suelo estadounidense el negro 11 de septiembre de 2001.

Mientras tanto, Curt Smith seguía con su nueva vida al otro lado del Atlántico. Sacó un álbum como solista para cumplir con su contrato con Mercury que no fue completamente satisfactorio para él. Fue presentador de varios programas en MTV y más tarde encontró un músico con quien hizo química: el guitarrista y autor Charlton Pettus, y con él inició la banda Mayfield.

Pettus y Smith dieron presentaciones de Mayfield en prestigiosos clubes de Nueva York como Brownie's, The Mercury Lounge y CBGB, y fue en ese momento que se reencontró con su amor por la música y se dedicó a ella en otro contexto, porque le gustaba lo que hacía y no necesariamente para estar en el negocio.

Sin embargo, a raíz del vertiginoso despliegue de fusiones y adquisiciones entre compañías disqueras a finales de los años 90's, el catálogo musical de Tears For Fears apareció en uno de los escritorios de Universal Records. Los esfuerzos musicales individuales de Orzabal y Smith no tenían tanto atractivo como el éxito que habían alcanzado como dúo. Evidentemente, no sólo por nostalgia, sino por intereses comerciales.

Finalmente pasó lo inevitable: Curt y Roland tuvieron una reunión que resultó ser muy fructífera y después de varias conversaciones, Tears For Fears estuvo completo una vez más.

Juntos nuevamente produjeron el álbum Everybody Loves A Happy Ending que reflejaba el innegable altruismo que el reencuentro refuerza tan sólidamente.

Everybody Loves A Happy Ending está cargado de melodías memorables: el más reciente trabajo de Roland y Curt es un muy fiel reflejo de la música de los Beatles. Según los integrantes de Tears For Fears, su mayor influencia en el desarrollo de este álbum fue Paul McCartney, al igual que John Lennon lo fue en su álbum de 1989 Sowing The Seeds Of Love.

Fresco, colorido y espléndidamente contemporáneo, Everybody Loves A Happy Ending lleva el legado de Tears For Fears hacia el siglo XXI y continúa con la labor de una de las colaboraciones musicales más productivas de la historia de la música pop.

Tears For Fears en D-audio >> Woman in chains (1989) > Disco 1

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Everything But The Girl >> biografía

Como tantas otras agrupaciones, Everything But The Girl tiene origen universitario. Fundado en 1982 por los estudiantes Tracey Thorn y Ben Watt en el Hull University, el dúo adquirió su nombre gracias a un cartel que colgaba de la vidriera de un local de muebles que anunciaba poseer todo para armar su dormitorio menos la chica. Ambos integrantes ya poseían alguna experiencia en el campo de la música. Tracey había formado parte de una agrupación femenina llamada Marine Girls, mientras que Ben adquirió alguna experiencia editando dos singles bajo el nombre de Roberto Watt. Debutan como Everything But The Girl con una canción que se convierte en un éxito de los charts independientes de Inglaterra. La misma consistía en un cover de Cole Porter llamado “Night And Day”, y en ella demostraron finesa y olfato comercial, ingredientes que años más tarde los lanzaría a la fama. Luego de nuevos intentos solistas, la dupla vuelve a reunirse en 1983 para dejar registrado otro cover. Esta vez la elección recayó sobre un clásico de The Jam, “English Rose”. Esta versión impresionó a Paul Weller, autor del tema que, en 1984 como recompensa, invitó a ambos a participar de Café blue el debut discográfico de su nuevo proyecto, The Style Council.

Con estas credenciales llegan a Eden, un álbum debut donde Tracey y Ben muestran influencias que van desde la bossa nova al jazz, pasándolos por un filtro pop con delicadeza y buen gusto. El trabajo ingresa al Top 40 inglés y les ofrece una buena plataforma para el próximo trabajo. Love not money saldría al año siguiente y revalidaría las virtudes que ya había mostrado EBTG. El casi orquestal Baby, the stars shine bright (1986) se convertiría en un buen preámbulo para su gran obra hasta la fecha: Idlewild. Este disco extraería los mejores elogios de la siempre exigente prensa inglesa y, gracias a “I Don´t Want To Talk About It” (composición del Crazy Horses, Danny Whitten), EBTG volvería a ingresar a los rankings británicos, pero esta vez en los primeros tres lugares.

Habiendo logrado aceptación en sus tierras, el dúo viaja a Los Angeles (Estados Unidos) para, junto al afamado productor Tommy LiPuma, registrar su nuevo disco. Con el mítico y genial Stan Getz en carácter de invitado, durante 1990 llega a las bateas The language of life, donde el dúo se acerca más que nunca al pop, poniendo el foco en las canciones y no tanto en los ritmos. Una continuación lógica sería su nueva placa, Worldwide, lanzada a los doce meses. Un puñado de conciertos acústicos brindados en lugares pequeños, arrojan como resultado el registro en vivo llamado Acoustic. En sincronía con el nacimiento del formato Unplugged, EBTG diseñaba un repertorio desenchufado que incluía composiciones de Elvis Costello, Bruce Springsteen y Cyndi Lauper, más los clásicos propios que habían sabido conseguir.

En 1993 Ben Watt es afectado por el síndrome Churg-Strauss, un extraño virus que afectó su sistema inmunológico y que lo llevó al borde de la muerte. La dupla se toma un descanso para, ya con Ben recuperado, volver en 1994 gracias a un puñado de canciones que el guitarrista había compuesto durante su recuperación. Antes de ello, Tracey grabaría junto a los Massive Attack el tema “Protection”, que daría nombre la encumbrada obra del trío de Bristol. El año sabático por el padecimiento de Watt y la colaboración de Thorn con los creadores del trip hop, llevaría a EBTG a replantear su sonido. Pero antes de volcarse definitivamente hacia la electrónica, en 1994 sacan al mercado Amplified heart que contendría “Missing”, una canción convertida en hit mundial gracias al remix realizado por el DJ Todd Terry. Si hacía falta un motivo más para que el dúo se volcara a la electrónica, este suceso lo reafirmaría. Una temporada después, Walking wounded se convertiría en el ingreso por la puerta grande de EBTG al mundillo dance. La delicadeza que, a esta altura era una marca registrada de la dupla, se potencia con la utilización de programaciones y sintetizadores. Tracey y Ben se reinventaban con un éxito absoluto. Por esa época la cantante dobla la apuesta y graba otra colaboración que sería furor de las pistas de baile. Junto al dúo de DJ´s iraníes, Deep Dish, en 1996 sale el single “Future Of The Future”, una canción armada a la medida de la voz de Tracey y de los charts, obviamente.

Everything But The Girl cerraría el milenio con Temperamental, otro de los puntos altos de su carrera discográfica. En el 2001, la colección Back to mine pone en el candelero otra faceta del dúo: la de pinchadiscos en un DJ Set. En el 2005, salió a la luz un compilado de remixes titulado Adapt or die.



Everything But The Girl en D-audio >> I don't want to talk about it (1988) > Disco 1

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A-ha >> biografía

A-Ha es el trío noruego más exitoso salido de esas tierras, se formó a inicios de 1983 y lo integran Morten Harket (14 Septiembre de 1959, Kongsberg, Noruega ; voz principal), Magne Furuholmen (1° Noviembre de 1962, Manglerud, Oslo, Noruega ; voz y teclado) y Paul Waaktaar ( Pal Garnst , 6 Septiembre de 1961, Manglerud, Oslo, Noruega ; voz y guitarra).

Admirados por Madonna, U2, Coldplay y Robbie Williams desde “Take On Me”, “Crying Wolf” y el cover de Carole King “Crying”, el trío noruego A-Ha es una de las bandas pop más influyentes de los años 80 y que hoy día sigue produciendo material que sorprende a propios y extraños.

Pero Magne Furuhomen (tecladista de A-Ha) no se siente más importante y con una dosis de humildad declara al diario Mercurio de Chile: “Los chicos de U2 deben creer que nos hemos convertido en acosadores, porque en cada entrevista que damos nos preguntan por nuestra relación con ellos. Esto es sólo porque el pobre The Edge nos dio un espaldarazo al hablar de las comparaciones entre 'The sun always shines on TV' (de A-ha) y 'Beautiful day' ¡cómo se debe estar mordiendo la lengua!”

Cuando Magne Furuholmen tenía 10 años y Paul Waaktar 12 seguían de cerca la carrera de los Beatles y empezaban a soñar con hacer música igual que sus ídolos. Esto ocurrió poco después cuando formaron parte de distintos grupos musicales mientras iban a la escuela y el colegio.

Después de varios años de tocar en bandas escandinavas como “Spider”, “Empire”, “Soldier Blue” y “Bridges” (con el que sacaron un álbum con sus propias composiciones), Magne y Paul se dieron cuenta que les era suficiente presentarse en bares y escuelas. Entonces invitaron a Morten Harket un talentoso cantante local a que se les uniera en un viaje a Londres a probar suerte, pero éste rechazó la oferta.

Después de 6 meses de sacrificios y decepciones en la capital inglesa, el entonces dúo regresó a Noruega a replantearse, no a dejar de pelear. De regreso en Oslo en 1984 intentaron de todo para convencer a Harket se les uniera. Luego de mucho insistir el cantante asintió. Ahora como un grupo completa volvieron a Inglaterra y encontraron una casa disquera y algunos admiradores. Durante los siguientes doce años A-Ha se radicó en Londres donde se concretaron sus sueños más exóticos.

Warner Brothers era ahora su disquera e inmediatamente los puso a trabajar en su primer sencillo “Take On Me” que fue producido por Tony Mansfield y cuyas ventas fueron bastante malas.

Decepcionados por el resultado, A-Ha volvió a grabar el tema esta vez producido por Alan Tarney y acompañado por un video promocional que fue revolucionario para la época en el que por primera vez se mezclaban animaciones en boceto con video natural. El sencillo llegó a ser número en los Estados Unidos y número 2 en Inglaterra.

La canción era tan pegajosa que cualquier oyente la reconocía después de haberla escuchado un par de veces. En Estados Unidos las estaciones de radio y televisión le dieron toda la rotación que pudieron debido a lo revolucionario del video. MTV no dejó de pasar el video porque ese tipo de producto era lo que le daba empuje al canal.

El momento no pudo ser mejor. Durante 1985 el trío se colocó a la altura de artistas hijos de MTV como Duran Duran y Wham!, en parte empujados por su apariencia física y su acento escandinavo.

Aprovechando el éxito del sencillo A-Ha sacó “Hunting High and Low”, que fue su primer LP y cuyas ventas en todo el mundo fueron altísimas.

Para su siguiente disco la situación de éxito fue inversa. Mientras que en Inglaterra era número 1, en Estados Unidos “The Sun Always Shines On TV” se quedó entre las 20 más populares. Entonces el grupo salió de gira y empezó a colocar éxitos en las listas inglesas como “ Train Of Thought” , “ Hunting High And Low” , “ I've Been Losing You” y “ Cry Wolf”

El suceso de su gira mundial se extendió a su segundo álbum “Scoundrel Days” que se puso a la venta en octubre de 1986. Musicalmente, A-Ha le bajó el volumen al sintetizador y agregó más músicos para un sonido pop más puro.

En 1987 compusieron el tema para la película de James Bond “The Living Daylights” que llegó al número 5 en Inglaterra. Un año después pusieron a la venta “Stay On These Roads” un álbum más maduro que seguía produciendo éxitos en Inglaterra.

En 1990 pusieron a la venta “East of the Sun, West of the Moon” y en él incluyeron el tema “Crying in The Rain” de los Everly Brothers. El disco vendió bien en todas partes, pero particularmente en Sudamérica en donde la popularidad del trío creció de manera significativa. Acabando de lanzar el segundo sencillo del disco “I Call Your Name” A-Ha se presentó frente a 200 mil personas en el festival “Rock en Río”.

Su disco de grandes éxitos “Headlines and Deadlines” fue puesto a la venta en 1991. Dos años después vendría “Memorial Beach” que no alcanzó el nivel de ventas al que se había acostumbrado el grupo.

La música había cambiado, el pop no era el mismo, el hip-hop empezaba a tomar fuerza y la llegada de los dance, trance y raves hicieron que el disco no estuviera en sintonía con una nueva adolescencia. Entonces, el trío decidió apretar la tecla de pausa y dedicarse a proyectos individuales al igual que a sus familias. Magne y Morten se fueron de vuelta a Noruega, mientas que Paul se fue a Estados Unidos.

Por otra parte, y en el plano más íntimo de A-Ha, las tensiones dentro de la banda se habían acumulado desde la grabación del sencillo “Shapes That Go Together”, lo que terminó por separarlos. Otro elemento que colaboró a la separación es que algunos ejecutivos de la disquera convencieron a Harket de que se separara del grupo, porque tenía más futuro en solitario.

La reunión del grupo se llevó a cabo en la entrega de los Premios Nobel de 1998. A-Ha se presentó esa noche en Oslo después de cuatro años de no tocar juntos. La experiencia les sentó y luego de reunirse en la casa de Paul decidieron volver a grabar juntos. En el año 2000 produjeron “Minor Earth Major Sky” el grupo produjo 13 pistas inteligentes y musicalmente bien acabadas. El disco produjo certificaciones de platino y oro en varios países, aunque el regreso a Estados Unidos siguió postergardo.

Las giras incluyeron todos los festivales de verano de Europa, y conciertos a reventar en Alemania y Japón.

Este nuevo éxito llevó a A-Ha a grabar “Lifelines”, un disco en el que adquieren un sonido más moderno y contemporáneo. Su último disco, “Analogue”, llega como una manera de celebrar los 20 años del número uno de “Take On Me” y una forma de retomar la senda de su propio estilo.

A-Ha nunca ha sido uno de esos grupos cuya preocupación primaria es estar a la moda. Sin embargo, se han dedicado a evolucionar hasta crear música bien producida cuyo resultado son canciones memorables. Como todos los grupos han tenido sus altos y sus bajos, pero puesto en la balanza el trabajo los deja bien parados en el lado positivo.