Sony Elcaset (1976)

Comenzamos aquí una recorrida por la historia de los formatos físicos de audio, tal vez para mí uno de los temas más apasionantes. Veremos en detalle, uno a uno, formatos como el disco de vinilo, el cassette, el DAT, el CD, el Minidisc y el SA-CD, entre otros.
Para empezar, un invento que tal vez muchos recordarán y otros se enterarán por primera vez que tal cosa existió. Otra genialidad de una firma japonesa que es líder en innovación tecnológica de audio.

En 1976, Sony patentó un nuevo tipo de cinta magnética de audio en formato de cassette compacto. Lo llamó Elcaset (sí, así como suena). Las principales diferencias con respecto al formato de cassette de Philips eran las siguientes:

- La cinta era el doble de ancha - 6 mm. (1/4 pulgada), en lugar de los 3 mm. (1/8 de pulgada) del cassette compacto de Philips.
- Se reproducía al doble de velocidad - 9,5 cm/s, en lugar de los 4,75 cm/s. del cassette compacto de Philips.

Aunque la calidad ofrecida por Elcaset era muy superior a la del formato de Philips, el sistema de Sony no pasó de ser una mera curiosidad. Llegó demasiado tarde, justo cuando el formato de cassette compacto de 1/8 pulgada estaba en pleno apogeo.
El hecho de que Sony no haya tenido éxito en el mercado con varios de sus inventos no significa que sea una compañía que fracase en todo lo que hace, sino que han sido capaces de innovar en muchas campos y de lanzar cosas nuevas que no siempre han funcionado como esperaban. Más allá del fracaso comercial, lo cierto es que Elcaset era un formato realmente muy bueno y de una calidad de sonido admirable.
Lo que Sony quería era competir y reemplazar al (hoy) mítico cassette de Philips, cosa que, desde luego, nunca consiguió. Intentando superar las limitaciones de la cinta de cassette, como el nivel de calidad de sonido, creó un formato muy similar a la de éste, pero de un tamaño mucho mayor: 15 x 10 x 2 centímetros. La cinta en su interior era de 6,3 milímetros de ancho y avanzaba a 9,5 centímetros por segundo, lo que le permitía ofrecer una mayor frecuencia y un mejor rango dinámico al sonido que su competidor. Elcaset disponía de cuatro pistas, dos en cada cara para ofrecer sonido estéreo.
Pero estos avances no fueron suficientes para competir en el mercado. Al hecho de que el precio era más elevado que el del cassette de Philips, se le unió que este último mejoró mucho sus características con el uso de nuevos materiales en las cintas, como el dióxido de cromo, y éstas se empezaron a fabricar con mayor calidad. Elcaset era, además, mucho más grande y, por lo tanto, más difícil de manejar y de almacenar, y solo tuvo un relativo éxito entre los audiófilos de la época.

Sony abandonó el sistema en 1980, vendiendo todas las unidades restantes a una compañía finlandesa, la cual las distribuyó en ese país, donde consiguió venderlas todas gracias a un precio muy ajustado. Se distribuyeron diversos modelos del reproductor/grabador, entre los que encontramos el EL-7 o el EL-5, que disponían de un control remoto, e incluso hubo un modelo de reproductor portátil, el EL-D8.

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Alphaville >> biografía

En las mentes de muchos de Uds. Alphaville figurará como un grupo portentoso que en agosto de 1984 asaltó las listas del Top Ten con su primer sencillo: "Big In Japan".

Lo cierto es que Alphaville tiene sus raíces en un grupo llamado Forever Young, constituído por Marian Gold, Bernhard Lloyd y Frank Mertens en la ciudad alemana de Munster en 1982. Junto a unos cuántos compañeros más que tenían el mismo criterio musical, el trío formó la base de un nuevo grupo denominado Nelson Proyect. Con algunas maquetas en sus bolsillos, Marian, Bernhard y Frank visitaron varios sellos discográficos y pronto negociaron con la WEA a finales de 1983.

Al año siguiente, y ya bajo el nombre de Alphaville, cosecharon un éxito internacional gracias a "Big In Japan" y a la inestimable ayuda de un video dirigido por Dieter Meier de Yello. La tarea que llegó a continuación fue completar el álbum debut, "Forever Young", un trabajo que bautizaron así en honor al grupo original.

Sin embargo, Alphaville no tuvo en Europa el mismo éxito que alcanzó en otros lugares, principalmente porque entre sus objetivos no se encontraba el viejo continente. Como consecuencia, casi todo el mundo perdió el interés por el grupo y el álbum brilló por su ausencia en las listas de éxitos. A Frank Mertens se le subió la fama a la cabeza y abandonó el grupo.

Por suerte, el éxito que tuvieron en EEUU les permitió pagar los alquileres y, lo más importante, pudieron establecer su propio estudio de grabación, al que bautizaron como Lunapark. Con Ricky Echolette en sustitución de Mertens, Alphaville consiguió lanzar al mercado en 1986 un segundo álbum que prolongó la vida del grupo: "Aftermoons In Utopia".

Para su próximo disco, "The Breathtaking Blue", de 1989, confiaron en el talento productivo de un héroe alemán de los teclados, Klaus Schulze, quién pretendía permanecer en el estudio tan sólo dos semanas pero al final se quedó un año entero !! Juntos desarrollaron la idea de crear una serie de películas cortas denominadas Songlines para no tener que hacer demasiadas giras por el extranjero.

Pero dado que el álbum fue un fracaso comparado con los trabajos anteriores del grupo, y que la WEA no puso ningún interés en intentar forzar el éxito del disco, Alphaville finalmente se separó. Marian Gold grabó un álbum en solitario llamado "So Long Celeste", mientras que Berhard Lloyd se ocupó de las remezclas de algunos éxitos del grupo para un disco recopilatorio que fue lanzado en 1992 bajo el título "First Harvest: The Best of Alphaville 1984-1992".

El grupo se rehizo luego en 1994 y lanzó su cuarto álbum, "Prostitute". Mientras, se fueron de gira en su primer Tour. Marian Gold, además, presentó otro disco como solista llamado "United" que incluyó una versión cover del tema "Five Years" de David Bowie. Luego, en 1997, grabaron en los estudios Eden de Londres un nuevo trabajo: "Salvation".

A la fecha han publicado otros cuatro discos: "Dreamscapes" (1999), "Stark Naked and Absolutely Live" (2000), "Forever Pop" (2001) y "Crazyshow" (2003).

Breves >> Marvin Gaye

Marvin Gaye fue un riguroso cronista social, adelantado a su época por hablar de ecología y otras cuestiones vitales para el planeta y sus habitantes, mientras sus colegas se acicalaban para ir a la discoteca, y fue también uno de los más grandes renovadores de la música negra y del rock en general. Gaye fue una de las principales figuras del sello Motown, donde comenzó su carrera como baterista y haciendo coros para otros artistas. En 1961 grabó su debut como solista, The soulful moods of Marvin Gaye, sin demasiada repercusión. No obstante, poco después llegarían los primeros éxitos. El álbum That stubborn kinda' fellow (1963) contenía tres de sus mejores canciones: la que da nombre al disco, "Hitch Hike" y "Pride And Joy".

Durante los años 60's grabó varios dúos junto a artistas femeninas de la Motown como Mary Wells, Kim Weston y, especialmente, Tammi Terrell. En 1968 lanzó el que sería el single más vendido del sello en la decada de los 60's, "I Heard It Through The Grapevine", con un sonido más duro que el de sus comienzos.

En los años 70's, Motown le dió una mayor autonomía creativa a algunos de sus artistas, entre ellos Marvin Gaye, quien se despachó con su obra cumbre: What's going on, de 1971. Con este disco, Gaye inauguró la era del soul político: en "Mercy Mercy Me (The Ecology)", por ejemplo, habló de ecología por primera vez en una canción de rock. Otros temas hacen referencia a la guerra de Vietnam, la corrupción y el abuso de drogas. Musicalmente, el álbum está lejos de la fresca simpleza que caracterizaba al sello, con un sonido oscuro, lánguido, jazzero y hasta influido por la música clásica. Muchos lo consideran el mejor álbum de soul de la historia.

En su siguiente trabajo, Let's get it on (1973), volvió a cambiar el rumbo, volcándose a la elegancia y la sensualidad. En tanto, Here my dear, de 1976, retrata con crudeza los pormenores de su malogrado matrimonio con Anna Gordy (hermana de Berry, propietario de Motown). Tan personal es el álbum que su ex esposa pensó en demandarlo por invadir su privacidad.

En los primeros años de la década de los 80's se radicó en Hawaii y luego en Europa. Allí grabó su último disco con Motown (In our lifetime, 1981) para luego firmar con Columbia Records y publicar Midnight love en 1982. Este último disco, y especialmente el tema "Sexual Healing", renovaron la popularidad de Gaye. No obstante, el artista pasaba momentos difíciles, producto de su adicción a la cocaína.

En 1984, intentando refugiarse de las drogas, se mudó a la casa de sus padres. Pero la idea resultó contraproducente: las discusiones con su padre eran constantes, hasta que éste, en medio de una disputa, le disparó en el corazón. Gaye murió en el acto, poco antes de cumplir 45 años.

Kenny G >> "Breathless" (1992)

Con un estilo ligero y suave, Kenny G se había ganado un buen puñado de seguidores entre la audiencia aficionada al saxofón de todas las épocas, y Breathless se convirtió en uno de sus discos más vendidos.
Habiendo saltado a la fama en la década de los 80's, poco después Kenny G ya era un artista global al que todas las emisoras de radio ponían al aire con bastante frecuencia. Pese a que los puristas del jazz lo criticaba duramente, su flaseo fluído y su estilo meloso lo hicieron el favorito de miles de aficionados.
La crítica de los entendidos del jazz no era un asunto que le preocupase, ya que el propio Kenny G admitía ser un instrumentista de pop con bastante fama entre los aficionados a la música.
El saxofonista se había forjado un nombre en la Love Unlimited Orchestra de Barry White, y poco a poco había ido trabajando en solitario. Breathless es un disco con una línea pop con temas como "The Joy Of Life" y "End Of The Night" pasando por "Forever In Love". El legendario cantante de rhythm & blues, Aaron Neville, se unió a él con las voces de "Even If My Heart Would Break". Peabo Bryson también ayudó con el color de su voz en la triste "By The Time This Night Is Over".
Breathless fue publicado en octubre de 1992 y vendió más de 12 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 17 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.


Contenido del disco:

1) The Joy Of Life
2) Forever In Love
3) In The Rain
4) Sentimental
5) By The Time This Night Is Over (Kenny G & Peabo Bryson)
6) End Of The Night
7) Alone
8) Morning - Kenny G & Aaron Neville
9) Even If My Heart Would Break (Kenny G & Aaron Neville)
10) G Bop
11) Sister Rose
12) Year Ago
13) Homeland
14) The Wedding Song

Bonus Tracks !!

Cualquiera que haya visto las etiquetas del blog habrá apreciado que la mayor parte del material que he publicado corresponde a las décadas 80's y 90's. La razón es simple: la música de ese período de 20 años es mi preferida. Lejos han quedado los 70's y más aún los 60's. Si bien es cierto que me crié escuchando esa música, al compararla con décadas anteriores, o incluso con la década actual, me parece que las producciones de esos años han sido de una gran calidad y, al menos para mi, casi insuperables.
Por eso, haciendo eco de los comentarios de Fervox ("deberiamos preguntar que debemos hacer en el blog para lograr mejorarlo") y de Alfonso ("esto de los blogs es una actividad lúdica donde los primeros en divertirnos hemos de ser nosotros") he decidido poner en práctica una vieja idea que tenía de compartir con todos Uds. muchas de mis canciones preferidas de los 80's y 90's que por una cuestión cronológica, y de estructura, no fueron publicadas en el blog ni en la colección.

A partir de hoy verán en la columna de la derecha la imágen de dos discos con la leyenda "Bonus Tracks", uno de cada década, a los cuales luego con el tiempo se sumarán más (de hecho ya existe uno más que agregué con música Dance). Haciendo clic sobre la imágen podrán acceder al contenido de cada disco, publicado en la web D-audio. Una vez allí podrán escuchar las canciones on-line y, si lo desean, podrán descargarlas haciendo clic con el botón derecho del mouse y seleccionando la opción "Guardar enlace como...".
Además, incluí una ventana de chat para que puedan comentar sobre los temas del disco o solicitar canciones. Semanalmente iré agregando más y más canciones hasta completar el álbum y pasar a otro. Desde luego, se aceptan sugerencias y opiniones, y espero la idea les parezca interesante y, sobre todo, divertida.
Saludos !! :)

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Sheryl Crow >> biografía

A diferencia de muchos artistas que conocen el éxito de frente, Sheryl Crow tuvo que verlo de lado y a la sombra durante muchos años. Como cantante de respaldo para famosos como Eric Clapton, Don Henley, Michael Jackson y Rod Stewart, estuvo en la parte menos glamorosa del negocio del espectáculo durante los años 80's y parte de los 90's.

Nacida el 11 de febrero de 1962 en Kennett, EEUU, su música nunca ha sido para oyentes flojos. Por el contrario, sus letras no siempre son simétricas y tienden a ser muy pensadas. Aunque la música puede ser pegajosa, los temas siempre son directos y están trabajados para que queden grabados en la mente.

Los padres de Sheryl también se dedicaron a la música en su tiempo libre, aunque su padre fue un abogado liberal que combatió los abusos del Ku Klux Klan y se dedicó a defender las libertades básicas en muchos casos. Tanto él como su madre formaron parte de bandas de swing en las que ella cantaba y él tocaba la trompeta. Así las cosas, Sheryl creció en una atmósfera musical aromatizada por los Beatles, Bob Dylan, James Taylor y los Rolling Stones.

En 1986 se fue a Los Ángeles desde San Luis con 10.000 dólares de sus ahorros, con el corazón roto por su novio y llena de determinación por convertirse en músico profesional. La acompañaba un título de la Universidad Estatal de Missouri que la acreditaba en música clásica y la experiencia de haber cantado con una banda durante su época universitaria. Aunque eso ayudaba, los ahorros se fueron rápido y sus oportunidades salieron exclusivamente para cantante de respaldo en sesiones de estudio.

Pronto se convirtió en una de las cantantes de respaldo más respetadas en Los Ángeles y trabajó con Bob Dylan, Eric Clapton, Stevie Wonder, George Don Henley, John Hiatt, Joe Cocker y Sinead O'Connor. También Bette Midler grabó canciones suyas.

Le tomó más de cinco años alcanzar ese nivel, luego de haberse liberado de la desesperación y la autocomplacencia que la invadió al final de los 80's. Esta crisis vino después de su primer gran trabajo. Luego de 18 meses de cantar como respaldo para Michael Jackson en la gira de Bad, vestirse en cueros negros y actuar con él en el escenario "I Just Can't Stop Loving You", las puertas empezaron a abrirse de par en par. Sin embargo, eran puertas del estilo pop que hacía Jackson. Crow tuvo la fuerza para resistirse a esas tentaciones porque lo suyo era otra cosa. Así, las puertas empezaron a cerrarse y quedó sola y encerrada en su cuarto por seis meses. Después, con un poco de ayuda y voluntad salió a la calle y entró al mundo de las sesiones de grabación.

Su carrera como solista es también bastante extraña. El productor Bill Bottrell manejaba un estudio en Pasadena en el que Crow y otros músicos se reunían para tocar todas las semanas. Entonces adoptaron un club llamado Tuesday Night Music como su refugio. La experiencia le dió la fuerza para su disco debut.

La inspiración, fortuita, era necesitada desesperadamente. Había gastado ya un cuarto de millón de dólares grabando su primer disco, al que canceló por considerarlo demasiado pulido y poco representativo como para ser presentado a la gente. Ella había firmado con A&M Records apoyada por el productor de Sting, Hugh Padgham, con quien había hecho algunos trabajos. Él había producido su primer intento y, aunque su relación personal fue buena, no lograron desarrollarse creativamente.

Afortunadamente, la casa disquera pensó mucho en el talento de Crow y decidió esperar a que se generara un material alternativo. El resultado fue "Tuesday Night Music Club", grabado con muchos músicos que conocía del estudio de Bill Brotell, y que quedó adormecido cuando salió en 1993. El disco necesitó de un año para lograr empezar a moverse y lo logró con dos éxitos menores: "Run Baby Run" y "Leaving Las Vegas".

Sheryl Crow creía que el disco ya había alcanzado su máximo y que iba para el almacén de los recuerdos, por lo que empezó a pensar en su próximo álbum. Sin embargo, la disquera sugirió que lanzaran "All I Wanna Do", pensando que no había nada que perder. El tema se convirtió en uno de los éxitos más importantes de 1994, llegó al número 2 de las listas en Estados Unidos, fue nº4 en Inglaterra y alcanzó la estatura de un multiplatino en materia de ventas.

La canción que se convierte en un éxito repentino trata de dos desesperanzados que dejan que el tiempo se vaya entre sus manos mientras se consienten con una cerveza tempranera y esperan en vano tener algo de diversión. La métrica de los versos y el estilo conversado chocan con la melodía suave de la canción. Mientras, sus versos e imágenes se contrastan con una música que sube en fuerza, que fue lo que enganchó a la audiencia. La gente también quedó prendida con "Strong Enough", "What Can Ido For You" y "The Na-Na Song".

En noviembre de 1994, Crow cantó a dúo con Mick Jagger "Under My Thumb" mientras los Stones tocaban frente a 65 mil personas. Ese mismo año fue uno de los dos actos femeninos del poco agraciado Woodstock 2, aunque frente a 300.000 almas. En 1995 abrió para la gira de regreso de los Eagles, además de hacer giras propias y con Joe Cocker.

Con un calendario tan apretado, encontrar tiempo para grabar su nuevo disco fue bastante difícil, pero a finales de 1996 sacó un disco bajo su propio nombre que se llevó el Grammy como mejor álbum de rock en 1997. Ya en esta década, el álbum "C'mon, C'mon", de 2002, es un poco más suelto y va directo al rock & roll que es lo que a ella realmente le gusta. "Soak Up The Sun" mantiene ese estilo suave y melódico, pero lleva detrás la fuerza coral e instrumental de quien quiere el rock. Crow dijo que ese disco pretendió tener el sabor de los clásicos del rock de los 70's y 80's. En el tema que le da nombre al disco canta acompañada por Stevie Nicks, solista y vocalista de Fleetwood Mac.

Luego de haber trabajado con tantos artistas reconocidos, Sheryl Crow finalmente pudo ver el éxito de frente.

Comparativa >> CD vs. MP3

El debate sobre los distintos formatos de grabación/reproducción musical es un asunto recurrente en el mundo de la Alta Fidelidad. Ya sea en los ámbitos aficionado y profesional, como en las revistas especializadas, cada tanto aparecen defensores, o detractores, de algún formato en particular. Por ejemplo, los adictos al vinilo forman un grupo relevante en el sector audiófilo y es habitual escucharlos argumentar que el agrado con el que escuchan sus LP's no lo proporciona de ninguna manera la misma música presentada en formato digital. Otro grupo importante lo componen los amantes de la cinta analógica, especialmente como medio de grabación. Nunca dejan de recordarnos que, bien cuidados, los soportes magnéticos y los aparatos, tanto de grabación como de reproducción, pueden proporcionar un sonido de calidad superior a la que comunmente se reconoce.
Y luego interviene la industria electrónica promocionando los formatos digitales de alta definición: el SA-CD y el DVD-Audio. Ambos sistemas en guerra entre si y en lucha desigual frente al rey de los formatos: el CD-Audio y sus dos pistas PCM/44100 Hz/16 bits. El CD suele ser el formato abandonado a su suerte en los debates audiófilos, sin grupo especial que lo apadrine; aunque es lógico que esto sea así, ya que realmente su papel dominante en el mercado discográfico le permite defenderse por sí solo.
Por último, queda el grupo de los formatos "comprimidos" (con o sin pérdidas de información): toda la plétora de codecs digitales abanderados por el nuevo soberano del almacenamiento de música grabada, el MP3. Realmente, cuando se debate sobre la calidad sonora de estos formatos, pasamos a un mundo diferente del de los anteriores: su flexibilidad, su calidad "a la carta", la disponibilidad de codificadores/decodificadores, son los criterios dominantes a la hora de decantarse por ellos. Pero estos son aspectos ajenos al mundo de los demás formatos.
En los debates en defensa del formato favorito de cada uno suelen aparecer dos tipos de argumentaciones:
- La subjetiva: "Me suena mejor", "me gusta más". Indiscutible. Básicamente este tipo de ideas permite la reafirmación grupal.
- La de los fundamentos teóricos del formato: "Mayor margén dinámico", "mayor rango de frecuencias". Estos comentarios suelen aparecer en los debates y dan lugar a espectaculares tratados matemáticos sobre filtrados digitales, teoremas de Shannon y criterios de Nyquist.


El meollo del problema

¿Tiene sentido comparar CD vs. MP3? Si y no. A pesar de tener el mismo objetivo (la grabación y reproducción musical) son formatos con aplicaciones muy diferentes. Además, tengamos en cuenta que la calidad final no sólo depende del formato utilizado, sino también del equipo de audio, los altavoces, la forma y mobiliario de una sala, y el entorno. Entonces, acertar en su elección depende, en primer lugar, de qué es lo que se busque. MP3 posee una calidad aceptable para que una persona pueda acompañar un viaje en tren o una cena entre amigos con algo de música. EL CD, en cambio, es un concepto completamente distinto para aquellos que piensan en el disfrute de la música en sí.
Muchos han pronosticado la muerte de la Alta Fidelidad argumentando que la compresión de MP3 ha provocado la pérdida de la emoción musical y se preguntan porqué en la era de los mayores avances tecnológicos la calidad sonora empeoró como nunca. Es cierto que los formatos de compresión han degradado la calidad musical pero, además de una cuestión de mercado, se sabe que la mayoría de los audiófilos no son expertos en sonido, ni ingenieros, ni fanáticos del Hi-End. Y por más éxito y expansión que tenga MP3, siempre habrán puristas dedicados a escuchar sólo en vinilo o en cinta y con equipos valvulares.
Antes de ir al grano, repasemos algo de historia. Cuando apareció el CD de la mano de Philips en 1982 se trataba, ciertamente, de un formato con muchos inconvenientes y su calidad inicial era muy pobre. Los avances y mejoras introducidas al formato gracias al desarrollo tecnológico fueron claves para que el CD se convierta en el rey del audio digital. Algo similar sucedió con el MiniDisc de Sony, lanzado en 1992, que tenía una pésima calidad de sonido en sus comienzos y, gracias al encomiable trabajo realizado, lograron mejorar tanto el algoritmo de compresión (llamado ATRAC) que el MD fue considerado como un formato de Alta Fidelidad. Con la llegada de la versión 4.5 de ATRAC, las copias realizadas desde discos compactos ofrecieron una calidad casi clónica de sus originales, con amplitud y naturalidad en altas frecuencias. Esto significó, ni más ni menos, la evolución de la tecnología de audio y representó un gran avance para el MiniDisc.
Bueno, lo mismo está sucediendo con MP3.


Tests de calidad: CD Audio vs. MP3

Sam Lin, un ingeniero de sonido, realizó en 2006 una serie de pruebas de calidad (quality tests) para determinar si un MP3 realmente puede sonar tan bien como un CD. En la entrada de este blog dedicada a MP3 vimos que este formato alcanza la "transparencia" a 192 kbps. Sam utilizó ese umbral como referencia, ya que por debajo de los 192 kbps el sonido de un MP3 suena demasiado degradado. Primero ripeó dos piezas musicales bien dispares: el concierto nº 3 de Rachmaninov, por su gran rango dinámico, y el tema "Sweet Thing" de Mary J. Blige que, por su percusión con platillos, le permitió hacer pruebas de respuesta en frecuencia y distorsión.
Para el proceso de codificación utilizó el software EAC (Exact Audio Copy), extrajo las pistas en tres bitrates diferentes (192, 256 y 320 kbps) y las copió en un CD-R. Sam ya sabía que la manera en que cada software codifica la información afecta a la calidad final del archivo y, desde luego, suena diferente.
Luego, usando el programa Cool Edit realizó varios análisis de frecuencias utilizando ruido rosa (pink noise). Los resultados obtenidos al analizar el pop de "Sweet Thing" le parecieron más interesantes, donde encontró que en todos los bitrates MP3 mostraba vacíos causados por las frecuencias desechadas por el "modelo psicoacústico" en el proceso de codificación.
Finalmente, procedió a realizar pruebas subjetivas de escucha en su equipo de Alta Fidelidad, y encontró que a 192 kbps se percibe una marcada diferencia de calidad respecto del CD. Sin embargo, no pudo encontrar diferencias a 256 y 320 kbps. De hecho, entre un tema ripeado a 256 kbps y otro a 320 kbps no existen diferencias audibles.
Como sabemos, el límite superior de nuestra capacidad de percibir frecuencias altas es de 20 kHz. Sin embargo, en el caso de las fuentes sonoras que emiten frecuencias por encima de los 20 kHz, la existencia de dichas frecuencias ultrasónicas y su interacción con las frecuencias de intermodulación que están dentro del rango audible tienen consecuencias en el sonido final que se percibe, como bien afirma el ingeniero Andrés Mayo en su artículo "Hay vida después de los 20 kHz". Todo esto justifica la elección del CD como fuente sonora de calidad frente a MP3, ya que las diferencias, aunque sutiles, las podemos percibir.
Volviendo a las pruebas de Sam Lin, MP3 de 192 kbps es ideal para escuchar en la computadora o en el equipo del coche, dos sistemas con una distorsión importante y una mala respuesta en frecuencia. Para el hogar, en cambio, se recomienda el CD o bien MP3 codificado a 256 o 320 kbps, ya que la diferencia de calidad de audio entre el CD original y un MP3 a 256 kbps no es significativa.


Conclusiones

En definitiva, cada uno elegirá el formato de su preferencia en base a sus necesidades, posibilidades y objetivos.
Es innegable que el CD suena mejor que MP3, pero hoy en día la calidad de audio de un MP3 puede ser aceptable y hasta más que suficiente para el usuario promedio. Por ahora el mercado de la grabación y reproducción de audio sigue siendo dominado por el CD, y es lo que encontramos cuando vamos a una tienda de música. Posiblemente en MP3 las canciones suenen arruinadas o apenas empobrecidas, y muchos de nosotros nos sentimos incómodos por los cambios que imprimió este formato de compresión digital. Pero ese es el modo en el que la música sobrevivirá: como una lámina de ilustración en un libro de arte, mientras los originales se guardarán en un museo por aquellos que aún conservan sus reproductores de CD y bandejas giradiscos.
Ah, y no se preocupen, los puristas del sonido seguirán existiendo.


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Michael Bolton >> "Time, Love & Tenderness" (1991)

Todo en este disco es grandilocuente, desde la voz hasta la producción, pasando por las cifras de ventas. Michael Bolton se alejaba más aún de sus raíces de hard rock con canciones un tanto pasadas de moda, y con una base soul de temas de amor con estilo dinámico pero poco sutil.
Gran parte del éxito del disco se puede atribuir a la elección de los compositores que hizo el propio Bolton, con Desmond Child, auténtico mecenas de los éxitos del rock de la década, y Diane Warren, una de las compositoras con más ventas de todos los tiempos. Otros colaboradores del disco fueron Bob Dylan, que firmó la canción "Steel Bars", Kenny G con su saxofón en "Missing You Now" y Patti LaBelle en el dueto "We're Not Making Love Anymore".
A pesar de llegar a lo más alto de las listas con el álbum y publicar cuatro sencillos que llegaron al Top 20, el éxito del trabajo quedó oscurecido por la querella de Isley's Brothers contra Bolton argumentando que "Love is a Wonderful Thing" plagiaba su canción del mismo título del año 1961.
Time, Love & Tenderness fue publicado en abril de 1991 y vendió más de 9 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 42 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.


Contenido del disco:

1) Love Is a Wonderful Thing
2) Time, Love and Tenderness
3) Missing You Now
4) Forever Isn't Long Enough
5) Now That I Found You
6) When a Man Loves a Woman
7) We're Not Makin' Love Anymore - Michael Bolton, Patti LaBelle
8) New Love
9) Save Me
10) Steel Bars

Donna Summer >> biografía

Indiscutiblemente, Donna Summer es y será la reina del Disco. Lo positivo es que esto le ha dejado un lugar en la historia de la música pop, pero por otra parte eso mismo la convirtió en un símbolo de una era que ya pasó, lo que explica porqué sus múltiples proyectos extra-Disco nunca alcanzaron lugares importantes en las listas de popularidad o se convirtieron en éxitos descomunales de venta.

Nació bajo el nombre de Donna Gainnes en el poblado de Dorchester, en Massachussets (EEUU), el 31 de diciembre de 1948. De niña actuó en los coros de la iglesia y en 1967 debutó como cantante pop en el Boston's Psychedelic Supermarket en una banda de rock llamada The Crow.

Acto seguido, abandonó los estudios y viajó a Europa con la producción alemana de la ópera rock Hair, y en 1971 se casa en Austria con Helmut Sommer, de quien adopta su apellido con una pequeña variación. Ese mismo año graba su primer sencillo: "Sally Go 'Round The Roses".

En 1973 se encuentra con los productores Giorgio Moroder y Peter Mellote con quienes graba "The Hostage", su primer éxito en el viejo continente. Sería hasta 1975 con "Love To Love You Baby" que llegaría a las listas norteamericanas. Era una mezcla de disco y dance de 17 minutos en la que la cantante producía sonidos de claro contenido sexual.

A partir de ahí las cosas empezaron a despegar, y entre 1978 y 1980 logró colocar 8 canciones en el Top Ten de las listas norteamericanas. Con la salida del Disco de la moda, lamentablemente se fue el éxito de Donna Summer.

Luego de convertirse nuevamente al cristianismo logró un éxito con "The Wanderer" en 1980 y con "She Works Hard For The Money" en 1983. Sin embargo, tuvo que esperar hasta 1989 para volver a los primeros puestos de las listas, esta vez con "This Time I Know It's For Real".

Dentro de sus grandes logros figuran haber sido la primer artista femenina en tener tres discos en el primer lugar en un año (MacArthur Park, Hot Stuff y Bad Girls), y también ser la única artista en haber logrado que tres álbumes dobles fueran nº 1 en forma consecutiva (Live And More, Bad Girls y On The Radio), además de catorce canciones en el Top Ten, cuatro nº 1, tres discos de platino, cinco premios Grammy y doce nominaciones al mismo premio.

Otros logros incluyen el haber ganado el Óscar a la Mejor Canción con "Last Dance" en 1978, y lo mismo ocurrió con el Globo de Oro.

Donna Summer todavía tiene fervientes admiradores (conozco uno en Puerto Rico !!), aunque hay quienes la desvaloran como cantante porque la encasillan dentro de un género musical, al que hace mucho tiempo superó como lo muestran sus últimas grabaciones.

Señoras y señores, es una cantante, una verdadera artista, no una moda.

+ Donna Summer en D-audio >> Breakaway [remix] (1992)

Enya >> "Watermark" (1989)

El segundo álbum en solitario de la antigua cantante de Clannad fue completado con una fusión de la nueva tecnología y las influencias musicales tradicionales. La melodiosa voz de Enya, con ecos predominantemente celtas, y la producción de una gran variedad de temas dieron lugar a un sencillo que se convirtió en nº 1 en Inglaterra y llegó al nº 30 en EEUU: "Orinoco Flow". Cada uno de los trabajos de Watermark reflejaba un cuidadoso y delicado esfuerzo, que se tradujo en que el álbum alcanzara en los años 80's el status de disco esencial de chillout, incluso antes de que tal término existiera.
Watermark se grabó inicialmente en el estudio Dublin del antiguo socio de Enya, Nicky Ryan, pero muchas de las partes vocales se volvieron a grabar en Londres en la matriz. Enya y Ryan utilizaron hasta 200 pistas vocales en algunas canciones para crear un sonido único y especial.
"Watermark", el tema que da nombre al álbum, y "Miss Clare Remembers" son unas delicadas piezas de piano. "Storms in Africa" está marcado por el original sonido de batería de Chris Hughes de Tears For Fears, mientras que "Cursum Perficio" es una atractiva canción coral cantada en latín.
En el penúltimo tema del disco, el músico especializado en música folclórica irlandesa Davy Spillane ofrece un espectacular solo de gaita en el himno gaélico "Na Laetha Geal M'oige". Por otra parte, aunque Watermark nunca llegó más allá del puesto nº 25 en la lista de Billboard, tuvo ventas millonarias y continuó siendo muy popular cuando muchos de sus contemporáneos ya habían sido olvidados.
Watermark fue publicado en enero de 1989 y vendió más de 5 millones de copias. Está ubicado en el puesto nº 66 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 80's.


Contenido del disco:

1) Watermark
2) Cursum Perficio
3) On Your Shore
4) Storms In Africa
5) Exile
6) Miss Clare Remembers
7) Orinoco Flow
8) Evening Falls
9) River
10) The Longships
11) Na Laetha Geal M'oige
12) Storms In Africa II

Breves >> New Order

Luego de la muerte en 1980 de Ian Curtis, lider y cerebro de Joy Division, pocos apostaron a la continuidad musical de sus compañeros. Sin embargo, Bernard Sumner tomó las riendas, cambió el nombre del grupo y comenzó una nueva etapa. Bajo la denominación de New Order, Sumner y cía. tuvieron que batallar contra viento y marea para imponer su música.

Las primeras respuestas de la prensa y el publico en general no fueron auspiciosas, incluso el primer single, el maravilloso "Ceremony", fue acreditado a Joy Division y se dijo que era una pálida copia de viejos éxitos de la misma banda. Al año siguiente (1981) debutan discográficamente con Movement, un álbum donde se nota la influencia de bandas de música electrónica que solían tocar en los clubs de New York.

New Order comenzó a experimentar con computadoras, agregando sintetizadores y sequencers a su sonido. En medio de acusaciones que los calificaban de fascismo por su nombre, se edita el single "Blue Monday", el cual se convierte en uno de los quince mas vendidos de todos los tiempos en Inglaterra. Por problemas de drogas, en 1987 la banda se toma un descanso y regresan en 1989 con el disco Technique, donde encuentran un sonido techno con una ligera mezcla de new wave y es considerado, junto al álbum Happiness de The Beloved, el disco que marca el cambio a la música de baile enfocada a la introspección.

Paradójicamente, cuando este disco les da la credibilidad que siempre les costó conseguir, a principios de los noventa se disuelven (regresando momentáneamente en 1993 con la publicación del disco Republic, escrito y producido junto a Stephen Hague y considerado por muchos su disco más accesible) dejando escritas, de esta manera, páginas de oro en la historia del techno/pop. No obstante, embriagado por los elogios recibidos de parte de las nuevas generaciones de artistas electrónicos, Sumner ingresa al nuevo milenio rearmando la banda y editando Get Ready, álbum que sintoniza con los comienzos del grupo y le agrega un nervio rockero, que es realzado con invitados de la talla de Bobby Gillespie (Primal Scream) y el existencial líder de Radiohead, Thom Yorke. A comienzos del 2005 editaron un nuevo LP titulado Waiting for the Sirens' Call.

Luego de una gira mundial que los trajo por primera vez a la Argentina a fines del 2006, irregularidades y tensiones en el seno del grupo comenzaron a salir a flote. Pocos meses después y luego de más de 25 años de prolífica trayectoria la banda resolvió separarse.

MP3 (MPEG Audio Layer 3)

Y llegamos a MP3, un formato para el cual no hace falta introducción alguna. Fue, es y probablemente será el formato lossy de mayor éxito y fama. Tanto es así que, hoy en día, existen reproductores portátiles exclusivamente diseñados para reproducir este tipo de archivos. A continuación veremos porqué, a pesar de su superioridad técnica y calidad de sonido, ninguno de los formatos analizados hasta ahora puede robarle el trono al rey MP3.
Propiamente denominado MPEG Audio Layer 3, este formato nació, en parte, gracias al proyecto DAB (Digital Audio Broadcast) propulsado por la Sociedad Fraunhofer. De ese proyecto surgieron dos alternativas: Musicam (conocida como Layer 2), que fue la elegida, y ASPEC. Por último, un grupo de trabajo liderado por Karlheinz Brandenburg y Jurgen Herre tomó las mejores características de ambas alternativas, las combinó con algunas ideas propias y, finalmente, creó lo que hoy conocemos como Layer 3 o simplemente MP3.
Este formato, al igual que muchos otros, se aprovecha de todas aquellas frecuencias que nuestro oído es incapaz de procesar correctamente, lo que se denomina "modelo psicoacústico". Además de estos algoritmos del tipo destructivo, MP3 utiliza también una técnica llamada MDCT (Modified Discrete Cosine Transformation) que transforma el sonido del dominio del tiempo al de las frecuencias, para luego tratarlo por partes. En definitiva, implementa un banco de filtro que logra aumentar la resolución del antiguo Layer 2. Estas técnicas permiten obtener una compresión de hasta 1:12 sin sacrificar demasiada calidad de sonido, pasando de aproximadamente 1411,2 kbps a 112-118 kbps, con lo cual se consigue una reducción significativa del tamaño del archivo.
Lo bueno es que, aún cuando un archivo es separado en muchas partes diferentes, todavía se puede reproducir. Esto lo hace ideal para transmitir música en tiempo real por Internet, aunque desde luego se debe tener muy en cuenta la velocidad de conexión.
Otras de las tantas características de MP3 es la inclusión de metadata dentro del archivo, normalmente llamada "tag". Esto permite guardar todo tipo de información referente al artista y la canción, además de cuestiones técnicas del archivo.
El punto débil de MP3 recae en la falta de soporte para multichannel (múltiples canales de audio) y es aquí donde sus competidores atacan, haciéndole perder más y más adeptos. Sin embargo, como no podía ser de otra manera, un proyecto para permitirle a MP3 contar con sonido envolvente ya está en marcha, liderado por sus desarrolladores.
Las demás limitaciones de este formato son muy claras, pero aún así no logran bajarlo del cómodo trono en el que se encuentra. Algunas de ellas son, por ejemplo, su limitado bitrate (que llega hasta 320 kbps), fallas en frecuencias de 15,5/15,8 kHz, y otros bugs menores que, como dije, no ponen en discusión su reinado.
A esta altura cabe destacar que MPEG no determina la manera en que MP3 puede ser codificado, pero sí el formato de archivo y los algoritmos para decodificarlo. Como resultado, existen muchísimas maneras diferentes de codificar un MP3. Debido a esto podemos encontrar archivos MP3 de diferentes tipos, bitrate y tamaño, según lo desee el codificador en cuestión. Por supuesto, este formato enfrenta serios problemas legales concernientes a patentes y regalías, pero explicarlo excede el contenido de este espacio.

mp3PRO

mp3PRO es un códec de audio que integra una técnica llamada Replicación de la Banda Espectral (o Spectral Band Replication - SBR) con MP3, y puede ofrecer un rendimiento de 128 kbps ocupando el mismo tamaño que un archivo MP3 codificado a la mitad, es decir, a 64 kbps. El formato mp3PRO es compatible tanto con los antiguos formatos, como con los reproductores de audio. Así, los archivos codificados en MP3 se pueden ejecutar en cualquier reproductor de mp3PRO.
Al codificar sonido con mp3PRO se producen dos componentes, la parte MP3 para las frecuencias bajas y la parte SBR (o "PRO") para las frecuencias altas. Como la parte "PRO" tiene muy pocos requerimientos de memoria, la codificación se puede realizar de forma compatible con el formato MP3, lo que permite utilizar reproductores de MP3 para escuchar archivos mp3PRO, ignorando la parte "PRO". Los únicos requerimientos son que el reproductor acepte tasas de muestreo de 16, 22,5 y 24 kHz. junto con 32, 44,1 y 48 kHz. Los reproductores certificados cumplen con este requerimiento, pero no es el caso de muchos de los reproductores portátiles.

VBR (Variable BitRate)

La calidad de un archivo MP3 con un bitrate constante (CBR) de 192 kbps es comparable a la calidad de un CD. No obstante, puede que en ciertas partes de la canción esos 192 kbps se estén desaprovechando. Esto se debe a que a lo largo del archivo la onda de sonido varía, pero al mantenerse constante el bitrate el tamaño del archivo resultante será lineal. Es decir, en archivos codificados en CBR el tamaño de dos archivos distintos será igual si sus duraciones son iguales.
Si los archivos son codificados en VBR, el codificador asigna velocidades de bits (bitrate) que varían según la complejidad de la onda de audio a lo largo del archivo. Para las partes con pocos instrumentos o sin sonido alguno asigna velocidades de bits menores, y para las partes con muchos tipos de sonidos asigna velocidades mayores. Por ende, será menos predecible el tamaño de archivo resultante, ya que para un mismo criterio de compresión en VBR dos archivos de igual duración pueden resultar ser de tamaños muy dispares, ya que la capacidad de compresión en ambos difiere.
La explicación detrás de las codificaciones a VBR reside en que se busca mantener un mismo nivel de calidad entre los distintos archivos de audio, dejando de lado la estandarización en el tamaño de los mismos.

Resumiendo, MP3 seguirá reinando por largo tiempo mientras que su fórmula para el éxito siga funcionando: la relación calidad/tamaño del archivo.
Para quienes deseen experimentar y trabajar con la nueva tecnología MP3 les dejo el link hacia la página oficial del proyecto y el enlace desde donde podrán descargar el software necesario para su funcionamiento.
Aquellos que ya tengan experiencia con este nuevo códec de MP3 los invito a compartirlas dejando un comentario.
Espero hayan disfrutado de esta revisión de formatos de compresión de audio. Para terminar la serie de notas, en una próxima entrada veremos una comparativa entre CD y MP3 para luego, con más tiempo, ocuparnos de los formatos físicos de audio, las tecnologías actuales y aquellas que ya casi no se utilizan.


Enlace >> Página oficial del proyecto MP3

Enlace >> Descarga de software para MP3 Surround y el códec MP3D

Otros formatos analizados >> FLAC - APE - TTA - OGG Vorbis - MPC

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