Huey Lewis and The News >> biografía

Huey Lewis and The News fue una banda de bar a la que le fue muy bien. Con un rock and roll simple y directo e inspirados en las bandas de bar inglesas y en la música de los años 60's, la banda originaria de San Francisco se convirtió en uno de los grupos más notorios de los 80's.

Con canciones como "Workin' for a Livin'," "I Want a New Drug," "The Heart of Rock & Roll," "Hip to Be Square" y "The Power of Love" se convirtieron en el ícono cultural de los yuppies por sus letras que ensalzaban la realidad de los trabajadores de oficina y sus aficiones deportivas.

A medida que los 80's avanzaban, las letras se hacían más sencillas para acercarse a un público más viejo que decidió adoptarlos, pero al inicio de los 90's la fórmula mágica se había acabado. Sin embargo, el grupo se mantuvo como un espectáculo digno de ser visto y con una producción que regularmente llegó a las estaciones del adulto contemporáneo.

Las raíces de la banda están en el grupo Cover, una formación country que formaron Lewis (Joeish Hugh Cregg III) y el tecladista Sean Hopper al regreso de Lewis de un viaje de mochilero por Europa en 1972.

El número fue descubierto por un productor inglés, Nick Lowe, en un club nocturno californiano en 1976. Lowe tenía la idea de que el grupo podía ser un suceso en los bares ingleses. Ahí lograron una pequeña audiencia cautiva y, a partir de ese éxito, intentaron con un primer sencillo ("Chicken Funk") en el que Lewis hacía la voz principal. Al año siguiente, la banda (sin Lewis) hizo de soporte para Elvis Costello en la grabación del álbum debut del artista.

En medio de la fiebre punk, Polygram lanzó dos álbumes de Clover que nunca encontraron alguien que los escuchara. Además, John McFee, el líder de la banda, se fue a tocar con los Doobie Brothers. Ese fue el final del grupo y todos volvieron a California. Pero antes de partir, Lewis tocó la harmónica en un disco de Lowe y cantó "Bad Is Bad".

A su regreso a Estados Unidos, Lewis y Hopper empezaron a improvisar en un bar de San Francisco. Allí formaron una banda llamada American Express con Mario Cipollina en el bajo, Johnny Colla en el saxofón y la guitarra, y Bill Gibson en la batería. El grupo grabó un sencillo con Mercury Records que fue ignorado. En 1980 se agregó el guitarrista Chris Hayes y lograron un contrato con el sello Chrysalis, que además pidió que se le cambiara el nombre a la banda. Escogieron llamarse Huey Lewis & The News e inmediatamente empezaron a trabajar en su primer disco que se llamó igual que la banda y fue un fracaso...

Sin embargo, sin desanimarse, en 1982 grabaron su segundo disco que produjo el éxito "Do You Believe in Love" que llegó al Top Ten, y además tuvo dos éxitos menores con "Hope You Love Me Like You Say You Do" y "Workin' for a Livin'". Esto sirvió para crear una base de seguidores importante que hizo presión para el tercer álbum: "Sports".

El disco fue un éxito completo desde su salida a finales de 1983. Lento pero seguro, el álbum se convirtió en un multiplatino empujado por la nueva cultura del video que venía de la mano de MTV. "Heart and Soul", "I Want a New Drug", "The Heart of Rock & Roll" y "If This Is It" dominaron las listas durante 1983 y 1984 llegando al Top Ten. El disco fue número uno y llegó a vender 7 millones de copias.

A finales de 1984 Lewis demandó a Ray Parker Jr. acusándolo de plagiar "I Want a New Drug" en el tema principal de los Cazafantasmas. El asunto se arregló fuera de la corte.

Un año después vino el primer nº 1 de la banda con "The Power of Love", que fue el tema principal de la película "Volver al Futuro".

En 1986 publican "Fore!", su cuarto disco, que produce 5 sencillos que llegan al Top Ten, dos de los cuales fueron número uno: "Stuck With You" (nº 1), "Hip to Be Square" (nº 3), "Jacob's Ladder" (nº 1), "I Know What I Like" (nº 9), y "Doing It All for My Baby" (nº 6).

Con un nombre consolidado y con dos álbumes que produjeron éxitos a raudales, el grupo decidió ampliarse musicalmente con el disco "Small World" de 1988. En él, exploran varios ritmos musicales de los Estados Unidos. De ese disco salió "Perfect World" que llegó al Top Ten, pero el disco no logró los niveles de venta que habían tenido sus predecesores y eso generó algo de decepción.

El grupo se tomó 3 años para sacar "Hard at Play" con su nueva disquera EMI. El disco no llegó a los 20 más importantes y produjo un éxito menor que fue "Couple Days Off". Eso sirvió para darse cuenta que los tiempos de oro se habían terminado y lo tomaron con calma.

Desde entonces se dedican a hacer giras esporádicas y grabaron "Four Chords And Several Years Ago", un disco orientado al mercado del adulto contemporáneo y plagado de covers. Fue una adaptación natural del grupo a los gustos de la audiencia, pero también un regreso a su propio estilo.

Second Hand Songs: una base de datos de covers

Comenzamos a partir de este post a conocer algunos sitios Web de utilidad, y para esta primera entrega hablaré de Second Hand Songs ("Canciones de segunda mano"), una magnífica base de datos de covers. Este proyecto fue fundado a principios de 2003 por Bastien De Zutter, Mathieu De Zutter y Denis Monsieur, y funciona gracias al trabajo de un grupo de gente fanática de los covers. Para que tengan una idea, tiene 15 editores activos de diversas nacionalidades como Bélgica, Italia, Inglaterra, EEUU, Brasil, Francia, Holanda y Alemania. En este momento la base de datos cuenta con más de 83.000 canciones y casi 30.000 artistas, entre músicos y compositores, que podemos consultar.

La estructura de la Web es muy simple y la navegación por el sitio es sencilla y amena. A la izquierda encontraremos la barra de menúes donde podremos realizar búsquedas en la base de datos (Database search) , ingresar al foro (Forum) o ir al centro de información donde encontraremos guías de ayuda (Guidelines) y respuestas a las preguntas más frecuentes (FAQ). Además, en New Additions podremos ver un listado con las últimas 100 canciones agregadas a la base de datos.

Tenemos la posibilidad de buscar canciones por artista (Artist), nombre de la canción (Song) e incluso por álbum (Medium). Pero veamos un ejemplo: si ingresamos Bryan Adams al campo de búsqueda, marcamos la opción Artist y hacemos clic en el botón "Go" vamos a obtener la siguiente información:
- Bryan Adams nació el 5 de noviembre de 1959 en Canadá.
- Tiene 6 canciones originales de las cuales se han hecho covers. Ingresando en cada canción podremos conocer el año de publicación, los compositores y el nombre del artista (grupo o solista) que realizó el cover, junto al año de realización.
- Bryan Adams realizó 6 covers de canciones de otros artistas. Aquí podremos ver el título de la canción, el año de realización del cover y el nombre del artista original (grupo o solista) que compuso la canción.

Por último, si vemos algún dato mal podremos reportar errores a los editores y así contribuir a mejorar la base de datos. Para ello deberemos estar registrados en el sitio, lo cual se puede hacer de manera gratuita desde la opción Register en el foro.

Que lo disfruten y ojalá este sitio les sea de mucha utilidad.
Saludos !!

Link >> Second Hand Songs

The Archies >> biografía

Fueron creados para el consumo en masa en medio de la fiebre de la música chicle. Sacados directamente de una historieta y llevados a la pantalla de la televisión, se convirtieron en un fenómeno de la música pop de fines de los años 60's e inicios de los 70's.

La mayoría de los “grupos de chicle” no tenían un rostro real, eran producidos por músicos profesionales contratados a tal efecto. A los Archies nunca se les pretendió vender como una banda real, sobre todo porque su música, incluido su gran éxito “Sugar, Sugar”, era interpretada por un grupo de adolescentes retratados en dibujos animados sacados directamente de la historieta. En realidad eran una creación de estudio dentro de la que destacaba el cantante Ron Dante.

Los personajes de los Archies eran: “Archie” Andrews, el guitarrista principal, “Reggie” Mantle en el bajo, “Torombolo” Jones en la batería, “Betty” Cooper en la pandereta y la percusión, “Verónica” Jones en teclados, y Hot Dog como la mascota.

Los Archies fueron creados por el promotor Don Kirshner en 1967. Krishner tenía todas las credenciales para el puesto dado su éxito como creador de los Monkees. A finales de ese año Krishner fue llamado por la CBS para que se encargara de la parte musical de su nueva serie de dibujos animados: Los Archies. La serie implicaba el reto de tener un tema musical nuevo en cada episodio semanal.

Entonces trajo a los productores Jeff Barry y Ellie Greenwich quienes habían sido el núcleo creativo de varios grupos femeninos de la época, incluso Greenwich interpreta varias de las canciones de los Archies.

Inicialmente, Kirshner había escogido a Kenny Karen como la voz principal del grupo, pero Barry trajo a Ron Dante, un cantante de sesión con más experiencia que ya había cantado con los Detergents, y a quien conocía de algunas sesiones de grabación de Neil Diamond.

Mientras Dante hacía la voz masculina, Jeannie Thomas se convirtió en la cantante femenina. Cuando el programa por fin se estrenó fue un éxito inmediato y su primer sencillo “Bang Shang-a-Lang” casi entra a las 20 canciones más populares a finales de 1968. Poco después, Barry contrató al compositor y cantante de respaldo Andy Kim y reemplazó a Thomas con Toni White como voz femenina. Los coros eran interpretados por Jeff Barry, Susan Morse, Joey Levine, Maeretha Stewart, Ellie Greenwich, Bobby Bloom y Leslie Miller.

Barry y Kim escribieron “Sugar, Sugar” que se convertiría en el éxito más importante de los Archies y del año 1969. Estuvo cuatro semanas encabezando la lista de las canciones más populares en Estados Unidos, dos meses lo hizo en Inglaterra, vendió más de tres millones de copias en los Estados Unidos y fue declarada la canción del año por la revista Billboard.

Al mismo tiempo, el programa de televisión se expandió a una hora, mientras Dante se colaba en el top ten cantando “Tracy” en un grupo llamado The Cufflinks. El siguiente sencillo (“Jingle Jangle”) llegó a colocarse en el top ten, pero a partir de ahí la presencia de los Archies en las listas empezó a desmejorar.

Su último éxito en entrar al Top 40 fue “Who's Your Baby?" a inicios de 1970. Luego Toni White sería reemplazada por Donna Marie, quien a su vez sería sustituida por Merle Miller. Sin embargo, a finales de 1970 el productor Jeff Barry dejó el proyecto de los Archies tratando de desarrollar otros nuevos. Siempre se ha dicho que esta salida fue la que terminó con la serie.

El último sencillo producido por Barry fue lanzado en 1971, se titulaba “A Summer Prayer for Peace” y era una clara crítica a la guerra de Vietnam. Irónicamente el tema fue un éxito en Sudáfrica.

Después de la separación, Ron Dante se dedicó a una corta carrera en solitario que no prosperó. Entonces se dedicó a la producción musical, trabando una muy buena relación con Barry Manilow, que produjo entre otras canciones "Copacabana". Ha producido a artistas tales como Dionne Warwick, Pat Benatar, Irene Cara, Ray Charles y John Denver. Al mismo tiempo se ha hecho famoso cantando canciones comerciales para reconocidas marcas.

Bee Gees >> biografía

Pocas bandas a lo largo de la historia experimentaron tantos cambios de estilo y tuvieron éxito en cada uno de ellos como los Bee Gees. Tampoco son muchos los grupos que, como ellos, se mantuvieron vigentes y populares del principio al fin de su carrera, pese a las duras críticas y hasta burlas que recibieron de ciertos sectores.

Maurice, Robin y Barry Gibb, tres hermanos de Brisbane, Australia, formaron el grupo siendo muy jóvenes, en 1958. En su país adoptivo (en realidad nacieron en Manchester, Inglaterra) lanzaron un LP, The Bee Gees sing and play 14 Barry Gibb songs, pero el éxito no fue el esperado. Ante ese panorama, decidieron retornar a Gran Bretaña.

Una vez en el Reino Unido, sumaron al grupo al guitarrista Vince Melouney y al baterista Colin Petersen. Con su primer single británico ("New York mining disaster 1941") se inició la que podría llamarse su primera faceta musical: canciones melódicas con toques de soul y country, e influenciadas por las armonías beatles. "Massachusetts" es otro ejemplo de esta temprana encarnación Bee Gees.

Con Odessa, su álbum de 1969, su período simple y bucólico dió paso a un sonido más complejo. Ni Odessa ni ninguno de los álbumes que la banda realizó en su etapa de pop-progresivo (entre el 1969 y 1974) tuvieron éxito comercial ni buenas reseñas de la crítica.

Entonces los Bee Gees mutaron una vez más, en esta ocasión tomando el rumbo que los haría famosos en el mundo entero.
En Main course, de 1975, dieron sus primeros pasos en la música disco, desarrollando un estilo que se volvería su marca registrada. “Jive talkin'" fue el gran hit del álbum. Children of the world, el disco del año siguiente, siguió explotando la misma veta, con temas como "You should be dancing" y "Love so right". Y luego, en 1977, la explosión: la banda de sonido de la película Saturday night fever. De la mano de "Stayin' alive", "How deep is your love", "Night fever" y otros, se pusieron a la cabeza de la legión de bandas de rock que incursionaron en la música disco. ¿Exito comercial? Llegaron a vender más que los Beatles.

Spirits having flown, de 1979, siguió en la misma línea sonora, pero los tiempos habían cambiado: la disco agonizaba, víctima del heavy metal y el punk. El fracaso de su siguiente álbum Living eyes (1981) le firmó el certificado de defunción a la música para llenar las pistas. Los primeros años de los 80's fueron épocas de desconcierto. Los tres emprendieron sus proyectos solistas, con resultados poco satisfactorios. Luego se reunieron para producir y componer para artistas como Barbra Streisand, Diana Ross, Dionne Warwick, Kenny Rogers y Dolly Parton. E.S.P., de 1987, fue su disco de regreso. El álbum fue bien recibido, al igual que su sucesor One (1989). De allí en más, sus trabajos se hicieron más y más esporádicos, pero su popularidad no decayó: Still waters, su disco de 1997, fue doble platino.

Su último disco fue This is where I came in (2001). Dos años después, Maurice falleció mientras era operado por una obstrucción intestinal. Sus dos hermanos, pese a que pensaban seguir escribiendo canciones, ya no se presentarían con el nombre de Bee Gees...

Bee Gees en D-audio >> How deep is your love (1977) > Disco 2

Crowded House >> biografía

Hace mucho que Australia dejó su huella en la música pop internacional y entre los que hicieron esa marca sin duda tiene un lugar de privilegio Crowded House. La banda fue una institución en su país, tuvo dos éxitos enormes en Estados Unidos y durante más de la mitad de su existencia fueron estrellas en Europa. Crowded House grabó una buena parte de la mejor música pop que se produjo a fines de los 80's y comienzos de los 90's. Su líder, Neil Finn, se reveló como un consumado compositor, con letras inspiradas y un sentido único por la melodía.

Crowded House se formó en 1985 en Australia cuando Neil Finn disolvió su grupo Split Enz. Finn armó la nueva banda con el ex baterista de Split Enz Paul Hester, el bajista Nick Seymour y el guitarrista Craig Hooper. Inicialmente se llamaron The Mullanes. Con ese nombre hicieron algunas giras, hasta que en junio de 1985 viajaron a Los Angeles buscando un contrato de grabación. Lo consiguieron con el sello Capitol, que les sugirió el cambio de nombre.

Inspirados por el lugar donde vivían en Los Angeles, se les ocurrió Crowded House. Empezaron a trabajar para su álbum debut con el productor Michael Froom. Pronto el productor y el grupo desarrollaron una intensa relación, producto de las mutuas necesidades profesionales.

El disco debut de Crowded House fue editado en 1986 y en el momento de su salida no despertó gran interés, debido a la escasa promoción que le dió el sello. Concientes de que estaban solos para triunfar, empezaron una serie de actuaciones a lo largo y a lo ancho de Estados Unidos, visitando cada local de venta de discos y tocando en formato acústico. El trabajo rindió sus frutos y en febrero de 1987 el álbum había entrado en el Top 40 del ranking estadounidense. Cuando salió "Don't dream it's over", esta irresistible melodía alcanzó la cima de los charts.

Le siguió "Something so strong", que llegó al puesto nº 7, mientras en Australia y Nueva Zelanda el álbum se convirtió en multiplatino. Después de un éxito tan contundente, el segundo disco de Crowded House debió enfrentar las enormes expectativas de la crítica y la audiencia. Editado en 1988, "Temple of low men" refinaba el estilo compositivo de Neil Finn, pero cierta complejidad de las canciones y en general el clima oscuro del álbum conspiraron para que no fuera aceptado con la misma facilidad que el anterior. El álbum estuvo muy lejos del suceso esperado y eso desanimó a los músicos y la compañía grabadora, al punto de abandonar los planes de hacer una gran gira por Estados Unidos.
La banda recibió una inyección de optimismo por el cálido recibimiento que tuvieron en sus presentaciones en Canadá y Australia, pero no alcanzó para superar la crisis y a mediados de 1989 Crowded House se disolvió.

A fines de 1989, Neil se reunió con su hermano Tim y juntos empezaron a componer canciones para un posible álbum conjunto. La colaboración fue un éxito y rápidamente los hermanos Finn compusieron 14 canciones. Después de las primeras sesiones con Tim, Neil también se puso a componer material para un eventual disco de Crowded House, pero el resultado final no lo conformó. Entonces decidió combinar los mejores temas que había compuesto con su hermano con los más logrados que tenía para la banda, y además incorporó a Tim como el nuevo miembro de Crowded House.

Finalmente, el tercer disco de Crowded House fue lanzado en 1991 bajo el título "Woodface". Nuevamente el álbum incluía las más refinadas composiciones de la factoría Finn, pero la elección de los simples no fue la adecuada para la audiencia norteamericana y malogró las chances de éxito en ese país. Sin embargo, en Europa (y particularmente en Inglaterra) descubrieron a la banda: después de seis meses de calma, sus temas empezaron a escalar el chart británico y pronto se expandieron por el resto del continente europeo. En Inglaterra "Woodface" certificó Disco de Platino.

Tim Finn fue uno de los responsables directos de ese suceso, pero nunca se sintió cómodo con la banda en escena. Así fue como en medio de la gira de 1991 dejó el grupo.
A comienzos de 1993 Crowded House se reagrupó para grabar un cuarto disco, sumando al guitarrista norteamericano Mark Hart a la banda. También cambiaron al productor Froom por Youth, ex integrante de Killing Joke.

El álbum "Together alone" fue lanzado en octubre de 1993 en Europa y al año siguiente en Estados Unidos. El disco tuvo unánimes criticas positivas y sólidas ventas en todo el mundo excepto Estados Unidos. La banda se embarcó en una exitosa gira europea y cuando estaban iniciando el tour por Norteamérica, Paul Hester dejó el grupo.
Sobre el final de 1994, Neil Finn decidió dejar las giras y concentrarse en otros proyectos, entre los cuales estaba la edición del disco con su hermano. Finalmente el álbum de los Finn salió a fines de 1995. En junio del año siguiente Neil Finn comunicó oficialmente la separación –ahora sí definitiva– de Crowded House.

Casi de manera simultánea se editó el compilado "Recurring dream: the very best of Crowded House", que ingresó en el primer puesto de los rankings de Inglaterra y Australia. Luego de una prolongada gira de despedida, en noviembre de 1996 Crowded House dio su último concierto en el Sydney Opera House de Australia ante más de 100.000 fervorosos fans.

En 2007, como comenté en la primera entrada de este blog, Crowded House regresa luego de 11 años con el álbum "Time on Earth".

Crowded House en D-audio >> Don't dream it's over (1987) > Disco 1

Ace Of Base >> "The Sign" (1993)

Publicado después de que el sencillo "All That She Wants" consiguiese el disco de platino alcanzando el nº 2 de las listas de ventas, The Sign no era más que una redistribución de los temas del primer disco de Ace Of Base (titulado Happy Nation) para EEUU, con cuatro canciones nuevas. Gracias al ritmo reggae de la canción y a su melodía pegadiza con una base de sintetizadores, el grupo se convirtió en la primer banda europea de pop que tuvo repercusión en EEUU después de años de grupos de pop pioneros y de la lucha de sus compatriotas ABBA. Como resultado de todo esto, The Sign tuvo ventas millonarias en EEUU, siendo el primer álbum sueco que llegaba al Top 100 de Billboard.

El resto de los temas del disco no se desviaba de la fórmula del primer sencillo, lo cual mostraba el talento de Ulf Ekberg y Jonas Berggren para la composición de pop de carácter comercial. Los siguientes sencillos, "Don't Turn Around" y "Living In Danger", llegaron al Top 40 en EEUU, y "The Sign" alcanzó el nº 1. El tinte reggae inunda todas las canciones quizá con la excepción de "Young And Proud", muy apropiado para las pistas de baile. Happy Nation era un disco un poco más agudo, si bien puede considerarse que se trataba de un ejercicio de pop desinhibido.

The Sign tuvo tres nominaciones para los premios Grammy, entre ellas una como Mejor Artista Novel. Fue publicado en noviembre de 1993 y vendió más de 9 millones de copias. Se ubica en el puesto nº 43 entre los 100 discos más vendidos de la década de los 90's.

Contenido del disco:

1) All That She Wants
2) Don't Turn Around
3) Young and Proud
4) The Sign
5) Living in Danger
6) Dancer in a Daydream
7) Wheel of Fortune
8) Waiting for Magic
9) Happy Nation
10) Voulez-Vous Danser
11) My Mind
12) All That She Wants [Banghra Version]

Camouflage >> biografía

Camouflage es un grupo de synth-pop alemán. Heiko Maile, Oliver Kreyssig y Marcus Meyn formaron el grupo "Lizenenced Technology" en 1983, cambiando luego su nombre a "Camouflage". La primera aparición en vivo tuvo lugar en 1984, y un año después grabaron dos demos en cassettes. En 1986, Camouflage resultó ganador en un programa radial caza-talentos y grabaron "The Great Commandment". El álbum debut "Voices & Images" fue editado en marzo de 1988 y en diciembre "The Great Commandment" alcanzó el puesto nº 1 en el Billboard Dance Chart en tres ocasiones. Ese mismo año firmaron contrato con la discográfica norteamericana Atlantic y "Voices and Images" salió a la venta en USA.

En 1989 lanzaron el segundo disco, "Methods of Silence", y el sencillo "Love is a Shield" alcanzó el puesto nº 9 en los charts alemanes, permaneciendo allí por más de seis meses consecutivos. "Methods of Silence" fue editado en más de 20 países alrededor del mundo, y desde ese año "Love is a Shield" ha permanecido en rotación en las estaciones de radio más importantes. En 1990 Oliver Kreyssig deja el grupo por motivos personales.

En 1991 Heiko y Marcus graban el tercer álbum, "Meanwhile", junto al productor Colin Thursten, conocido por sus trabajos con David Bowie, Talk Talk, y Duran Duran. Sorpresivamente el disco incluye percusiones reales e instrumentos convencionales ejecutados por músicos invitados. Siguen los discos "Bodega Bohemia" (1993) y "Spice Crackers" (1994). Oliver Kreyssig, miembro original del grupo, se reincorporó oficialmente a Camouflage en 1999.

En 2001 re-editaron el clásico "The Great Commandment" en una versión "2.0". Las voces fueron regrabadas, la música fue producida por el trío londinense Toy, y las partes de batería ejecutadas por Christian Eigner (músico soporte en vivo de Depeche Mode). Durante el mismo año se presentan en el festival "Wave Gotik Treffen" en Leipzig. En 2003 editan el álbum "Sensor" e inician el Sensor Tour a través de Alemania, toda Europa del Este, y Rusia, el cual que se extendió durante todo el 2004.

Luego, a más de tres años del genial "Sensor", llega el nuevo álbum de estudio: "Relocated", con un trabajo sobrio y una clara evolución hacia un sonido electrónico más actual. Bajo producción propia, el disco cuenta con excelentes bases electrónicas, sintetizadores y guitarras: elementos característicos del grupo. De este álbum se desprenden los sencillos "Motif Sky", "We Are Lovers" y "Passing By", y baladas como "Bitter Taste", "Something Wrong", y "How Do You Feel?", un buen cierre para un disco sobresaliente, digno de una banda de culto que en 1988 irrumpiera con "Voices & Images" y desde entonces no ha dejado de sorprendernos con cada uno de sus trabajos.

En su discografía encontramos desde el electro-pop europeo inicial, al techno más actual con la madurez electrónica de un lenguaje propio.

A mitad de camino

Celebrando el post nº 50 del blog quiero darles las gracias a todos aquellos que visitan regularme este humilde sitio, y también a quienes llegan por primera vez. Sin la participación de Uds. este trabajo no tendría sentido.
Gracias, entonces, a Alfonso, Sergio, Alfredo, Carlos, Pedro y Mario por sus comentarios y por estar siempre pendientes del contenido publicado.
En este mes y medio de vida del blog hemos conocido la historia de artistas y bandas que han dejado su huella marcada a fuego en el mundo de la música, hemos repasado algunos de los discos más vendidos de todos los tiempos, y compartido grandes canciones.
Seguiremos por ese camino, recordando y disfrutando de la mejor música.

En el futuro inmediato agregaré links a sitios de utilidad con una breve reseña de los mismos, análisis de herramientas de audio (software), y adelantos de lo que será el CD 7 de la colección que ya está en su etapa final de armado.
Además, iré incorporando mayor variedad musical al contenido con material que no tenga que ver directamente con la colección.

Saludos !!

Paul McCartney >> biografía

Como solista, Paul McCartney más de una vez necesitó que alguien lo empujara hasta terrenos algo más aventurados (tanto como John Lennon necesitó que le indicaran cuando se pasaba de ácido y vanguardista). Vista a través de las de opiniones de la crítica (que nunca terminó de aceptarlo), su producción individual aparece como irregular. Sin embargo, los músicos responden con canciones: desde “Maybe I’m amazed” (McCartney, 1970) hasta “From a lover to a friend” (Driving rain, 2001) demuestran que nadie cómo Paul para hacer lo que él mismo llamó –usando la ironía contra quienes lo defenestraban por su simpleza– “tontas canciones de amor”. Quizás no tenga el carisma de su socio, pero si a alguien le cabe el calificativo de genio en el mundo de la música es a Sir James Paul McCartney.

Su primer trabajo por fuera de los Beatles fue la banda de sonido de la película The family way, en 1966. Pero su autotitulado debut en solitario fue editado dos semanas antes del lanzamiento de Let it be, en 1970. Pese a que la prensa lo castigó atribuyéndole la separación de los Fab Four, el disco –intimista, casero, artesanal– fue un éxito a ambos lados del Atlántico. En la misma línea se inscribió su segundo álbum: Ram (1971), otra colección de temas hechos en colaboración con su esposa Linda. Ese mismo año decidió que quería volver a estar en una banda de rock y formó Wings junto a Linda, el guitarrista Denny Laine y el baterista Denny Seiwell. Wild life (1971), debut de Wings, no atrajo al público, aunque los siguientes singles sí lo hicieron: "Give Ireland back to the Irish", "Mary had a little lamb" y "Hi hi hi".

Red Rose Speedway (1973) presentó una vez más la dicotomía críticas débiles / ventas masivas. En tanto, el tema de McCartney para la película de James Bond Live and let die fue un hit en Gran Bretaña y Estados Unidos. Ese mismo año los Wings partieron a Nigeria a grabar un nuevo álbum, que sería editado meses más tarde: Band on the run. No sólo fue triple platino en EEUU sino que obtuvo las mejores reseñas de la carrera de Paul. Discos como Venus and Mars (1975), At the speed of sound (1976), el triple en vivo Wings over America (1976) y London Town (1978) confirmaron la popularidad de la banda. En el medio, editaron "Mull of Kintyre", el single más vendido de la historia británica. En cambio, Back to the egg (1979) no produjo grandes hits (aunque también fue disco de platino).

En 1980 Paul disolvió Wings y retomó su carrera como solista con McCartney II, en el cual grabó todos los instrumentos como en su debut, una década atrás. Dos años más tarde convocó al productor de los Beatles George Martín para grabar Tug of war, su trabajo mejor recibido desde Band on the run. Pipes of peace (1983), en cambio, no fue un gran logro artístico.

Durante el resto de la década Paul no tuvo la regularidad de sus inicios, pero produjo algunas cosas más que interesantes como el tema de 1984 “No more lonely nights" (una de las mejores baladas de la historia) o el álbum Flowers in the dirt (1989), coescrito junto a Elvis Costello.

En los años 90's se mostró más artísticamente inquieto que nunca: editó un unplugged para la MTV (1991), dos obras de música clásica (Liverpool Oratorio, de 1991, y The leaf, de 1995), un álbum de tecno ambient bajo el seudónimo de The Fireman, la "Anthology" de los Beatles, un disco de covers de rock n’ roll (Run devil run, 1999) y un LP pop propiamente dicho: Flaming pie (1997).

En 1998 Paul perdió a Linda, su compañera de toda la vida, víctima del cáncer. Una vez superado el mal trance contrajo matrimonio con la ex modelo Heather Mills y editó un gran álbum titulado Driving rain (2001). Con Chaos and creation in the backyard, lanzado en septiembre de 2005, rompió un silencio discográfico de cuatro años, sólo interrumpido por el doble en vivo Back in the US (2002).

Paul McCartney en D-audio >> No more lonely nights (1984) > Disco 1

John Lennon >> biografía

Quizás se deba a su lamentable brevedad, pero la carrera solista de John Lennon –aun con sus lógicos altibajos– fue la más regular de las de los cuatro ex Beatles. En poco más de una década (de la cual pasó buena parte retirado) alternó himnos pacifistas, declaraciones de amor a su esposa y virulentos ataques a Paul McCartney. Hasta que un demente nos robó la posibilidad de saber qué rumbos habría de seguir este eterno vanguardista.

Lennon comenzó a hacer música cuando todavía era un Fab Four: a fines de los 60's editó sendos collages experimentales llamados Unfinished music, N°. 1: two virgins (en cuya portada John y Yoko aparecen desnudos), Unfinished Music, No. 2: life with the lions y The wedding album. También grabó algunos singles como “Give peace a chance" y “Cold turkey”, en este último ya secundado por la Plastic Ono Band (Eric Clapton en guitarra, Klaus Voormann en bajo, Alan White en batería y Yoko en teclados –algunas veces John se los desenchufaba en los recitales– y chillidos). Finalmente lanzó el single "Instant karma", en 1969.

Luego de la separación de los Beatles, en 1970, salió a la calle John Lennon/Plastic Ono Band, un álbum desgarradoramente crudo y confesional basado en la terapia del grito primal que la pareja estaba siguiendo por aquel entonces. Con la producción de Phil Spector, en 1971 grabó su álbum más exitoso: Imagine. El tema que da nombre a la placa, un himno del pacifismo, contiene declaraciones de extrema seriedad (propone un mundo sin posesiones ni religión, por ejemplo) que no escandalizaron por su “cobertura de azúcar”, como John mismo dijo. Con la canción "Power to the people", de 1972, Lennon se metió de lleno en el activismo político, dirección que confirmó en Sometime in New York City (1972), enteramente compuesto de temas de protesta. Luego de Mind games (1973), la vida personal de Lennon entró en un torbellino de drogas, problemas con la ley, peleas con su esposa y fiestas descontroladas con Elton John, Harry Nilsson, Keith Moon, David Bowie, Ringo Starr y cuanto desaforado se le cruzara. Esos dos años de desenfreno se conocen como el “fin de semana perdido”. Pero aún en medio de esa vorágine editó dos álbumes: Walls and bridges, en 1974, y Rock n’ roll, una colección de oldies de los años 50's, en 1975.

Ese mismo año nació Sean, el segundo hijo de John. Luego de componer la canción “Fame” junto a David Bowie, el ex Beatle decidió retirarse de la música para dedicarse a la crianza de su hijo. Así pasó los siguientes cinco años. Recién en 1980 volvió para grabar, a medias con Yoko, Double fantasy. El disco fue editado en noviembre de ese año y contenía la (a mi criterio) mejor canción de Lennon: "Woman", una exquisita balada; apenas días después, el 8 de diciembre, John Lennon fue asesinado cuando entraba a su departamento en Nueva York. Millones de fans en todo el mundo participaron de una vigilia de diez minutos de silencio en su nombre.

Varias recopilaciones de temas inéditos se editaron después de su muerte, destacándose Milk and honey (1984) y la antología Wonsaponatime (1998). También se produjeron interesantes re-masterizaciones de sus álbumes, como Acoustic, que rescata versiones acústicas de varios de sus temas.


John Lennon en D-audio >> Woman (1980) > disco 2

Kaoma >> "World Beat" (1989)

Kaoma fue un grupo, formado en su mayoría por inmigrantes brasileños, que surgió en París (Francia) a finales de los años 80's. Sus integrantes eran: Loalva Braz (vocalista), Jacky Arconte (guitarra), Chyco (bajo), Abhissira (batería), Juan José Mossalino (bandoneón), Claudio Quieroz (saxo) y Fania (bailarina), entre otros.

En 1989 grabaron su primer disco, "World Beat", teniendo un gran éxito con el tema "Lambada", versión brasileña de la canción "Llorando se fue" (1982) del grupo Los Kjarjas. La canción dio pie a un sensual y polémico estilo musical. Era una mezcla de ritmos como la salsa, la samba y el tango. El baile consistía en utilizar el tradicional ritmo un-dos-tres, pero logrando que la pareja se acercara hasta quedar abrazada.

El grupo nunca repitió el mismo éxito. En 1990 se extrajo un segundo single del mismo disco, titulado "Dançando Lambada", que tuvo menos repercusión. Kaoma ha proseguido su trayectoria artística de manera intermitente, editando los discos "La Meche Noche" (1998) y "Sweet Rhodes" (2005), pero sin mucha trascendencia.

Video YouTube >> Lambada