Mamas and the Papas >> biografía

Los Mamas and the Papas fueron parte del sonido del sur de California a mediados de los años sesenta. Junto con los Byrds, los Beach Boys, los Turtles y The Association llenaron las listas con canciones cargadas de coros armónicos montados en pistas folk-pop. El sello de la agrupación fue la mezcla de voces masculinas (John Phillips, Denny Doherty) y femeninas (Cass Elliot, Michelle Phillips). Combinaron letras sólidas con arreglos de los mejores músicos que tenía Los Ángeles.

Los arreglos hechos por John Phillips eran interpretados por la voz dulce de Michelle, su esposa, Denny Doherty que hacía las veces de tenor y el poder de Cass Elliot que en muchos casos grabó solos.

Antes de formar el grupo, los miembros se cruzaron en el camino mientras tocaban en Nueva York dentro del movimiento folk de los años sesenta. En la medida en que el movimiento se fue abriendo a sonidos eléctricos, John, Michelle y Danny (que en esa época tenían el grupo "The Journymen") se fueron a descansar a las Islas Vírgenes con el propósito de salirse del ritmo de la gran ciudad y encontrar nuevas fuentes de inspiración. Mientras tanto Cass los siguió hasta St. Thomas para unirse a ellos, pero con la resistencia de John Phillips que se cuestionaba la habilidad de Elliot de ajustarse al estilo que habían amoldado.

Fue en la Isla donde los cuatro cantaron juntos por primera vez y donde fundaron los sonidos armónicos que los caracterizaron. La experiencia sirvió para que John Phillips pasara del folk al folk-pop. En ese momento, Cass se marchó para California y el resto del grupo a Nueva York, no tanto por quererlo, sino porque el Gobernador de las Islas encontraba molesta su presencia. En la Gran Manzana se dieron cuenta que el trío no tenía espacio en ninguna parte y que era mejor buscar nuevos espacios. Siguieron a Cass hasta California y lograron, a través de ella, una audición con el productor Lou Adler.

Adler inmediatamente les ofreció un contrato con el sello Dunhill. Esto trajo la estabilidad que necesitaban para solidificar su estilo. Ahora sólo hacía falta un nombre. Éste vino, como ocurre en estos casos, de la casualidad. Michelle y Cass miraban televisión y notaron que la pandilla de motociclistas "Hell's Angels" le decían a sus mujeres "mamas". De ahí vino el bautizo a los varones como "papas".

Su primera grabación fue como coro para Barry McGuire. En ese disco se incluyó "California Dreamin'", que luego grabaron como un sencillo de la agrupación. La canción llegó al número cuatro de las listas a finales de 1965. En enero de 1966 lanzaron el que fue su primer número uno: "Monday, Monday", que luego fue incluído en su primer álbum "If You Can Believe Your Eyes and Ears".

La forma de cantar del grupo fue bautizada como "el mejor invento" desde los Beatles por la revista Life. Su estilo respondía a sus individualidades, ropas de muchos colores, alegría, seriedad.

Sin embargo, y a pesar del éxito, el grupo se movía a partir de las grandes diferencias internas. A pesar de que John y Michelle estaban casados, ella y Denny se sentían mutuamente atraídos, lo que desembocó en una relación de la que John apenas sospechaba. Por otra parte, Cass estaba enamorada de Denny y eso provocaba celos con Michelle. Toda esa presión y desconfianza aparecieron con letra y música en "I Saw Her Again, Last Night".

A pesar de todo esto lograron grabar un nuevo disco que llevó como título el nombre del grupo en agosto de 1966 y en las que se incluían muchas canciones escritas por John Phillips. Pronto, los problemas entre John y Michelle se hicieron tan evidentes y presentes que John usó su liderazgo sobre el grupo para despedirla. Fue reemplazada por Jill Gibson, la novia del productor Lou Adler, con la que prepararon una nueva portada para el disco. Pero después de unos días de gira era evidente que los admiradores no aceptaban el cambio. Michelle, entonces, regresó al grupo al final de ese año.

A pesar de las tensiones el grupo volvió a grabar, y en febrero de 1967 sacaron "Deliver" en el que se incluía el éxito "Creeque Alley" donde cuentan sus inicios. Luego del disco vino el Festival de Monterrey, una idea que armó John Phillips con varios amigos de la industria. En él estuvieron Simon and Garfunkel, Jefferson Airplane, Jimi Hendrix, Otis Redding, The Who y muchos otros.

El grupo estaba al borde del rompimiento porque no lograban superar sus diferencias. Entonces, John tuvo la idea de ganar tiempo produciendo un disco de grandes éxitos "Farewell to the First Golden Era". De esa manera, tendrían espacio para recomponerse. Sin embargo, el descanso sirvió para que fueran arrestados por consumo de drogas y otros delitos, además de aumentar las tensiones.

Regresaron al estudio a grabar su último disco llamado "The Papas and the Mamas" en abril de 1968, momento en que el grupo decidió separarse. El sello grabador decidió intentar alargar el éxito lanzando "Midnight Voyage" y "Dream a Little Dream of Me" en junio con el nombre de Mama Cass & Mamas and the Papas para lograr disparar la carrera en solitario de Elliot.

Aunque la separación parecía definitiva, el hecho de que su casa disquera pasara a la ABC, los obligó a reunirse nuevamente para grabar un disco debido a que el contrato así lo exigía. Efectivamente se reunieron, pero trabajaron a desgano y produjeron su último disco oficial que se llamó "People Like Us" y salió en octubre de 1971.

En 1970 Michelle y John se divorciaron, 4 años después Mama Cass falleció de un ataque al corazón, y lo mismo sucedió con John Phillips en el 2001. En 1986 entraron al Salón de la Fama del Rock & Roll.

Chicago >> biografía

La banda apareció en la ciudad que le da el nombre: Chicago, en el estado norteamericano de Illinois, en 1966. Sin embargo, inicialmente se llamó "Missing Link", luego "Big Thing" y ese mismo año "Chicago Transit Authority" como sugerencia de su representante Jim Guerico.

Inicialmente el grupo estaba formado por Terry Kath (guitarra y voces), Peter Cetera (bajo y voces), Robert Lamm (teclado y voces), Walter Parazaider (saxofón), Danny Seraphine (batería), James Pankow (trombón) y Lee Loughnane (trompeta). Los bronces diferenciaron a la banda de sus contemporáneas en los años 60's, a pesar de que otros grupos, como Blood, produjeron un sonido parecido.

Entre 1967 y 1968 Guerico se dedicó a darle una reputación a la banda, particularmente en el área de Los Ángeles donde tocaron en clubes de moda. Así, 1969 empezó con un contrato con Columbia Records, gracias a que Guerico había sido productor de Blood, Sweat and Tears y los Buckinghams.

Ese año lanzaron su primer disco que llevó el nombre de la agrupación. En él se encuentran influencias del jazz y si bien es cierto nunca llegó a la cima de los LP más populares, estuvo en las listas por 171 semanas, además de producir los sencillos "Does Anybody Really Know What Time It Is?" y "Beginnings".

En 1970 la banda acorta su nombre a Chicago y sacan un segundo disco llamado Chicago II. De ahí en adelante, aunque con tres excepciones, los discos de la banda siempre llevarían el nombre del grupo y el número de producción. Además, cada portada de disco incluye una variación del logo, probablemente uno de los más constantes en la historia del rock.

Promediando los años 70's el grupo se empezó a alejar del jazz y se acercó a un pop suave representado en "Colour My World", "If You Leave Me Now" (número 1) y "Hard To Say I'm Sorry" (otro número 1). En esa misma época cinco discos de la banda fueron número uno. A finales de la década las ventas bajaron y hubo que esperar a inicios de los 80's para ver cómo se recobraba la popularidad en las tiendas.

En 1974 se unió al grupo el percusionista brasilero Laudir de Oliveira, y al año siguiente hicieron una gira en conjunto con los Beach Boys, también manejados por Guerico.

En 1977, después de que Chicago X fuera declarado el mejor álbum en los Grammy, Guerico y la banda decidieron tomar caminos separados. A inicios de 1978 fallece Terry Kath debido a un disparo accidental de un arma. Se suma entonces Donnie Dacus en la guitarra, que un año más tarde sería sustituido por Cris Pennick, quien a su vez en 1981 también tendría un reemplazo en Bill Champlin.

En 1981 Columbia Records dejó a la banda por lo que firmaron con Full Moon Records de Warner Brothers. Es el mismo año en que Peter Cetera lanza su primer disco en solitario, lo que allanó el camino para su salida de la banda en 1985. Su lugar fue ocupado por Jason Scheff, hijo del bajista de Elvis Presley.

Tres años después, Chicago cambia de casa disquera y llega a Reprise Records acompañado de éxitos y ventas impresionantes durante la década. En los años noventa la popularidad de la banda entró en baja, aunque siguieron llenando los lugares en los que se presentaron.

Para 1995 vino un experimento interesante que fue la grabación de un disco al estilo "big band". Los resultados fueron mixtos en todas partes: las ventas no fueron lo altas que se esperaba y la crítica quedó dividida.

Paula Abdul >> "Forever Your Girl" (1988)

Después de haber trabajado con algunos de los nombres más grandes del pop de la década de los 80's como una prestigiosa coreógrafa, Paula Abdul utilizó su experiencia dentro de la industria de las grabaciones para sacar su primer álbum, Forever Your Girl. Sin estar bendecido por las mejores voces, la elección por Abdul de los productores adecuados y sus sorprendentes videos le reservaron un puesto en la lista de sencillos a lo largo de todo 1989.
Forever Your Girl languideció inicialmente, y los dos primeros singles apenas si pudieron darse a conocer en las listas de EEUU. A pesar del pop pegadizo, el bombazo de Paula Abdul no llegó hasta principios de 1989, cuando el sencillo "Straight Up" alcanzó la cima del Billboard Hot 100 manteniendo su puesto durante tres semanas.
Luego llegaron más éxitos nº 1 con "Opposites Attract", "Cold Hearted" y el tema que da título al disco. Además, "The Way That You Love Me" consiguió el nº 3. Como experta en imagen, Abdul ganó el premio Grammy en 1990 al Mejor Video Musical con la versión corta de "Opposites Attract".
Forever Your Girl se publicó en junio de 1988 y vendió más de 7 millones de copias. Está en el puesto nº 34 entre los 100 discos más vendidos de los años 80's.

Contenido del disco:

1) The Way That You Love Me
2) Knocked Out
3) Opposites Attract
4) State of Attraction
5) I Need You
6) Forever Your Girl
7) Straight Up
8) Next to You
9) Cold Hearted
10) One or the Other

Louis Armstrong >> biografía

Louis Armstrong es probablemente la figura más reverenciada del jazz, tanto por músicos interesados por sus contribuciones al lenguaje musical, como por el gran público, deseoso de ídolos y entretenimiento.

Armstrong fue uno de los primeros solistas importantes del jazz. Algunos lo consideran el inventor del swing, aquel ingrediente necesario sin el cual el jazz no significa nada. Su estilo en la trompeta fue un punto de partida para toda una evolución posterior, no sólo en su instrumento, sino también en el lenguaje musical y en lo expresivo. Poseedor de una personalidad enormemente magnética, de una de las voces más personales jamás oídas y una sonrisa tan amplia como su corazón, Armstrong se transformó en un ícono del afecto popular.

Louis Armstrong nació el 4 de agosto de 1901 en Nueva Orleáns, en una familia extremadamente pobre. Su padre abandonó a la familia poco después de su nacimiento y fue criado por su madre, Mary, y su abuela materna. Tuvo que trabajar desde muy pequeño para ayudar en la economía familiar, vendiendo carbón, como diariero o changarín, o en un depósito de chatarra. Fue precisamente el dueño de ese depósito quien le ayudó a comprarse una corneta, a la cual comenzó a arrancarle sonidos sin maestro alguno.

A los doce años fue enviado al reformatorio Colored Waif's Home for Boys, por disparar una pistola al aire en una fiesta de año nuevo. En esa escuela tuvo su primera educación musical. A los dos años salió y comenzó a cantar y tocar en la calle por monedas y luego en los locales de diversión nocturna de Storyville, el barrio del placer de Nueva Orleáns. Sus movimientos por la ciudad le hicieron empaparse de la música que se tocaba en bares y en las bandas de vientos que acompañaban desfiles y funerales.

Pronto comenzó a hacerse notar como prodigio por su destreza con la trompeta y con la voz, y a captar la atención de otros músicos mayores que veían en él un potencial fuera de lo común. Fue Joe "King" Oliver, uno de los más destacados trompetistas de la ciudad, solista de la orquesta de Kid Ory, quien lo tomó como protegido. También entonces adquirió su sobrenombre "Satchmo" proveniente de "satchel mouth" (algo así como "boca en forma de bolsa"). Cuando en 1918 Oliver formó su propia banda y se mudó a Chicago, la ciudad que entonces comenzaba a magnetizar a los músicos de jazz, el joven Armstrong se transformó en uno de los solistas-estrella de la orquesta de Ory. Fue en esa banda que Armstrong comenzó a formarse como profesional, a leer música y a tocar con otros músicos destacados, desarrollando y enriqueciendo sus habilidades.

En 1922 King Oliver lo llamó para integrar su orquesta en Chicago, con lo cual la banda pasó a tener dos trompetistas-estrella. En 1924 se mudó a Nueva York para tocar en la orquesta de Fletcher Henderson, realizando también grabaciones con Sidney Bechet y Bessie Smith. En 1925 regresó a Chicago y comenzó a realizar grabaciones como líder con sus Hot Five y Hot Seven en el legendario sello Okeh (hoy en el catálogo de Sony), para luego ingresar en los primeros lugares de venta de discos con temas como "Big Butter and Egg Man", "Hotter than That" y "West End Blues", y a aparecer como figura en musicales como Hot Chocolate, en su interpretación de "Ain't Misbehavin'", cuya grabación también subió a los primeros puestos. A partir de allí transformó su carrera en un desfile de éxitos: "All of Me", "Body and Soul", "I'm in the Mood for Love", "When the Saints Go Marching in", todos presentados en giras por EE.UU. y Europa.

Luego de la Segunda Guerra, cuando el formato de orquesta comenzó a decaer a favor de grupos más pequeños, formó sus All-Star y, si bien no se plegó a las nueva tendencia del be-bop, continuó con sus éxitos dentro de un numeroso público que tampoco era muy afecto a los nuevos experimentos, forjándose a partir de aquí su imagen mítica.

En los años 50 realizó grabaciones con Ella Fitzgerald que se convirtieron en clásicos. A principios de los 60 grabó dos álbumes con Duke Ellington y en 1964, en medio del aluvión rockero, logró un resonante éxito con "Hello Dolly", que se convirtió en Nº 1 de los charts de venta, llevando al oro al álbum que lo contenía y valiéndole un premio Grammy por Mejor Performance Vocal Masculina. Cuatro años más tarde volvió al éxito con "What a Wonderful World", tema que tuvo un resurgimiento post mortem en 1987, al aparecer en el film Good Morning Vietnam. En 1969 apareció en la película Hello Dolly, interpretando el tema a dúo junto a Barbra Streisand. Comenzó a presentarse menos frecuentemente debido a su delicada salud. Murió en Nueva York el 6 de julio de 1971.

Los teóricos del jazz afirman que su aporte sólo ahora comienza a ser entendido como vital dentro del desarrollo del lenguaje. En relación a su instrumento, los trompetistas que lo precedieron tendían a improvisar en frases cortas, dividiendo el compás con notas rápidas. Él comenzó a tocar melodías de un mayor lirismo, estirando algunas notas por encima de dos o más compases, repitiendo otras insistentemente, incorporando el lenguaje del blues en una forma que preanunció los fraseos del be-bop que surgiría recién 20 años después.

En relación a su voz, la mejor referencia sin duda es escucharlo, porque la originalidad de su tono ronco y grave ha sido tan grande, que casi no tuvo imitadores.

Louis Armstrong en D-audio >> What a wonderful world (1968) > Disco 2

The Corrs >> biografía

Irlandeses y hermanos, The Corrs se formó en 1990 en la localidad de Dunlak, cercana de la frontera con Irlanda del Norte. Jim, el único varón, y las bonitas Sharon, Caroline y Andrea heredaron de sus padres Gerry Corr y Jean Bell la pasión por la música.

Jim, el mayor, fue el primero que se interesó por sacarle música al piano de sus padres. Pero cuando sus hermanas crecieron debió compartir el instrumento con ellas. Todos recibían clases de papá Gerry. Pasaron los 80's y con el nacimiento de la nueva década los hermanos decidieron formar banda propia. Lo primero que hicieron como The Corrs fue acudir a la audición de una película. Se trató de The Commitments, el film de Alan Parker. Ahí conocieron a John Hughes, quien pasaría a ser su mánager. Pero recién en el '95 se encuentran listos para dar a conocer su primer álbum, Forgiven not Forgotten.

La antesala del debut discográfico es de película. Durante un show en Dublín, en el '93, los ve la embajadora de los Estados Unidos en Irlanda. Esta los invita a tocar en Boston, en 1994, en el festival por la celebración del mundial de fútbol. Allí causan una muy buena impresión, sobre todo al vicepresidente de Atlantic Records, quien continúa con la cadena de recomendaciones y los lleva directo hasta el productor David Foster (Michael Jackson, Celine Dion).

A punto de estallar un nuevo boom mundial con la música celta, The Corrs sorprendió a Foster por la inclusión de música tradicional irlandesa en sus canciones pop y por la utilización de instrumentos como el tin whistle. De allí directo a grabar, en tierra estadounidense, Forgiven not Forgotten (1995). El resultado produjo ventas por millones de copias en todo el mundo: oro en Canadá y en buena parte de Europa, doble platino en Dinamarca, España y Nueva Zelanda, 8 veces platino en Australia y 9 en Irlanda.

Para el segundo disco, Talk on Corners (1998), volvieron a trabajar con Foster pero incorporaron más productores, como Glen Ballard (Alanis Morrisette), Rick Nowells (Belinda Carlisle), Billy Steinberg (Madonna) y el propio Jim Corr. En este disco, Andrea escribió la mayor parte de las letras. Aquí incluyen una particular versión de "Little Wing", de Hendrix, al estilo celta y con los históricos The Chieftains. Otro cover, "Dreams" de Fleetwood Mac, se transformaría en el corte más difundido del disco, seguido por un tema propio: "Runaway". Pero "Dreams" no estaba en la edición original del disco, fue incluído más tarde debido a las bajas ventas en el Reino Unido y en los Estados Unidos. La estrategia dio resultado y logró que se elevaran las ventas. Además, el tema que abre el disco es una exquisita balada ya incluída en mi colección: "What Can I Do".

En marzo de 1999 obtienen el Brit Awards en la categoría Mejor Grupo Internacional. ¿A quiénes derrotaron? Nada menos que a R.E.M., Air, Beastie Boys y Fun Lovin’ Criminals. Ese año, la banda realiza el clásico Unplugged de MTV, que más tarde sale a la venta en formato de CD. En el año 2000 vuelven a estudios para registrar In Blue, ya sin Foster y con los productores Mutt Lange (Shania Twain) y Mitchell Froom (R.E.M.) en su lugar. El simple que precedió la salida del disco, "Breathless", alcanzó rápidamente el primer puesto del chart británico y abrió el camino para que In Blue fuera un suceso de ventas. Más tarde lanzan una edición especial del álbum, con un segundo disco con versiones acústicas.

A mediados de 2001 graban una versión de "One Night" (incluido en In Blue) en castellano y junto al español Alejandro Sanz (se editaría en 2002 en un grandes éxitos), mientras que otra de sus canciones, "All the Love in the World", integra la banda de sonido de la película America’s Sweethearts (con Julia Roberts y Catherine Zeta Jones). Un año más tarde graban un concierto para la señal estadounidense VH1, con Bono y Ronnie Wood como invitados. El material se edita con el nombre de VH1 Presents: The Corrs, Live in Dublin. En 2004 retornan a un estudio de grabación para registrar Borrowed Heaven, seguido en 2005 por Home. Este último marca el retorno a la cultura celta, con temas tradicionales irlandeses y canciones de inspiración folklórica.



The Corrs en D-audio >> What Can I Do > Disco 2

Mike & The Mechanics >> biografía

Paralelo a su trabajo con Genesis, Mike Rutherford decidió, a mediados de los 80's, armar una banda propia junto a sus amigos Paul Young y Paul Carrack. Ya había sacado dos discos en solitario: en 1980 Smallcreep’s Day y, en 1982, Acting Very Strange. Tras el suceso de Genesis con el álbum Mama, Mike se toma un respiro –igual que Phil Collins, que arremete con fuerza con su carrera solista–, se une con los dos Paul y prepara el debut de Mike & The Mechanics. De título homónimo, sale en 1985 su disco debut y su formación completa cuenta con Peter Van Hooke en batería, Adrian Lee en teclados, las voces de Carrack y Young, y Mike en guitarras y bajos.

Del álbum se desprenden cortes como "Silent Running", "A Call To Arms" (compuesta por Mike con sus compañeros de Genesis, Phil Collins y Tony Banks), "Taken In" y el tema que hoy es todo un clásico de la década del 80: "All I Need Is A Miracle".

Menos sinfónico que en Genesis, aquí Mike prioriza los arreglos de voces y el culto a un pop-rock cuidado, prolijo y abierto al aporte de otras músicas como el funk. Durante parte del '86 y todo el '87, Mike retomó sus compromisos con Genesis, pero en 1988 se reunió con sus muchachos para grabar y lanzar el segundo disco, The Living Years, que contiene la exitosa balada del mismo nombre y "Nobody Knows". El álbum es tomado por la crítica como un típico trabajo de transición, y eso quedará aún más en claro con la llegada, en 1991, del tercer opus, Word Of Mouth. Aquí se distingue el aporte decisivo de Carrack, no sólo como vocalista principal sino también como compositor de Mike & The Mechanics. "Get Up" y "Word Of Mouth" son dos de sus cortes principales.

En 1995 suman a su discografía Beggar On A Beach Of Gold, tal vez su mejor trabajo desde el debut en 1985. La banda experimentó varios cambios en su formación y aquí contó con Gary Wallis y Andy Newmark en batería, B. A. Robertson, Wix y Adrian Lee en teclados, las voces de Young y Carrack y, por supuesto, Mike en guitarras y bajos. El trabajo dejó un hit de largo aliento, "Over My Sholder". 1995 es el año del alejamiento de Collins de Genesis, y en 1996 aparece el primer disco solista de Carrack, Blue Views.

Mike & The Mechanics retoma su carrera en 1999 con otro álbum de título homónimo y su formación reducida a trío, con Carrack en teclados, guitarras y batería; Young en voces y percusión, y Mike en guitarras y bajos. No recibe buenas críticas, y tras su salida y su gira de presentación la banda entra en un parate, profundizado en el año 2000 por la muerte, a causa de un ataque cardíaco, de Paul Young.

La banda volvió en 2004 con Rewired, un muy buen disco compuesto casi íntegramente por Rutherford y Carrack. Actualmente el grupo no se encuentra en actividad, y tanto Mike como Paul Carrack se encuentran abocados a sus proyectos solistas.

Soundtrack >> "Dirty Dancing" (1987)

Las impresionantes ventas de la banda sonora de Dirty Dancing se debieron en gran medida al tema "(I've Had) The Time Of My Life". La balada cantada por el dúo formado por Jennifer Warnes y el antiguo componente de Righteous Brothers, Bill Medley, consiguió el nº 1 en EEUU, ganó un Grammy y fue galardonada con un premio de la Academia a la Mejor Canción. El sencillo vendió más de 36 millones de copias !!
A pesar de ese enorme éxito, la canción había tenido unos comienzos algo desfavorables. El autor de las canciones, Franke Previte, acababa de ser despedido de MCA cuando el productor Jimmy Lenner lo invitó a escribir una canción para Dirty Dancing. Lo que no sabía Previte es que él era uno de los 100 artistas a los que se les había extendido la invitación. Los realizadores de la película se dieron cuenta enseguida de que la canción entregada por Previte era el número perfecto para la escena final.
Otros sencillos siguieron al tema de Warnes y Medley: "Hungry Eyes" supuso para Eric Carmen un éxito en el Top Ten de EEUU, incluso cuando la estrella de la película, Patrick Swayze, arrasaba en las listas con "She's Like The Wind".
La banda sonora de Dirty Dancing fue publicada en septiembre de 1987 y vendió más de 12 millones de copias. Está en el puesto nº 11 entre los 100 discos más vendidos de los años 80's.

Contenido del disco:

1) (I've Had) The Time of My Life - Bill Medley & Jennifer Warnes
2) Be My Baby - The Ronettes
3) She's Like the Wind - Patrick Swayze
4) Hungry Eyes - Eric Carmen
5) Stay - Maurice Williams & The Zodiacs
6) Yes - Merry Clayton
7) You Don't Own Me - Blow Monkeys
8) Hey Baby - Bruce Channel
9) Overload - Zappacosta
10) Love Is Strange - Mickey & Sylvia
11) Where Are You Tonight? - Tom Johnston
12) In the Still of the Night - The Five Satins

INXS >> biografía

Salidos de la distante Australia, INXS entró con fuerza a la escena pop con un estilo musical apoyado en la guitarra y un cantante líder que recordaba a Jim Morrison y Mick Jagger juntos.

La música de INXS marcó un tiempo y un público. El éxito de la banda se explica en parte por la constancia en la formación, sus esquemas de giras, la diversidad de sus composiciones y una producción siempre fresca empujada por un productor diferente en cada disco.

El inicio de INXS se remonta a 1977 cuando los tres hermanos Farris decidieron armar una banda en Sydney, Australia. Originalmente llamada “Farris Brothers”, la formación presentaba a Tim Farris en la guitarra, Jon en la batería y Andrew en los teclados. Tim era el cantante líder de una banda cristiana y Jon, el menor de los tres, estaba esperando salir de la secundaria, por lo que la agrupación no pudo despegar con la rapidez que se deseaba.

La formación incluía a Michael Hutchence como cantante (fallecido en 1997), Kirk Pengilly en el saxofón y Garry Beers en el bajo.

Mientras Jon terminaba la secundaria el grupo no tuvo más opción que sentarse a esperar, mientras desarrollaban su propia identidad musical basada en la música bailable negra y el soul blanco. Eso ocurría en Perth, en el oeste del país.

En 1979, después de la graduación de Jon, se mudaron nuevamente a Sydney ahora bajo el nombre de INXS. En 1980 grabaron su primer disco bajo el sello grabador Deluxe.

En los años que siguieron lograron colocar varias canciones en las listas australianas. Su segundo disco, “Underneath The Colours”, tuvo buenas ventas y el tercero, “Shabooh Shoobah”, llegó a colocarse entre los 5 primeros álbumes australianos. Ese mismo disco fue llevado a Estados Unidos por Atco Records. Eso les valió la posibilidad de hacer giras en Estados Unidos, además de conocer a Nile Rogers con quien grabaron “The Swing”, el disco que les terminó de dar su identidad musical.

El sencillo “Original Sin” de 1985 empujó al disco “The Swing” hasta la cima de las listas australianas. El álbum les permitió encontrar una veta de público que gustaba de la guitarra, el saxo, ritmos fuertes y letras seductoras. El éxito llamó la atención en Estados Unidos, Europa y América del Sur, lo que los puso bajo observación hasta su siguiente disco: “Listen Like Thieves”, que vendió en todas partes del mundo, excepto en Inglaterra donde fue maltratado por la crítica.

Sin embargo, el sencillo “What You Need”, con sus coros pegajosos y guitarra poderosa, hizo que los televidentes de MTV se volvieran locos y se lanzaran a comprar el que sería su mayor éxito: “Kick”.

Antes, en 1986, Hutchence aparece por primera vez en una película: “Perros en el Espacio”. Una de las canciones de la banda sonora era interpretada por el cantante y la llevó hasta el Top Ten de Australia.

Con la popularidad alcanzada, el grupo empezó a hacer giras por Estados Unidos y Europa, además de que sus videos empezaron a salir en MTV. Esta promoción fue tierra abonada para su próximo disco “Kick”, que solo en Estados Unidos vendió más de un millón de copias y vio a “Need You Tonight” en el número uno de Billboard.

“Kick” fue, por lejos, lo que se puede llamar un gran álbum. Algo de política y mucho ritmo hicieron que el disco fuera multiplatino en 1988 e hicieron de Hutchence una gran estrella de rock. 4 videos seguidos: "Need YouTonight" (nº 1), "Devil Inside," (nº 3), "New Sensation" y "Never Tear Us Apart" (nº 7) presentaron al vocalista usando ropa de cuero y moviéndose al ritmo de su propia música. En cuestión de semanas el disco sonaba en cuanta discoteca existía en Estados Unidos.

Luego de un descanso de un año, la banda se volvió a reunir para grabar, y también se dedicaron a reacomodar sus prioridades y sus vidas retomando viejos proyectos. Sin embargo, Hutchence aprovechó el descanso también para conocer a Kylie Minoque, cuyo romance les dió mucha publicidad gratuita y puso la música de la agrupación en boca de una generación nueva de seguidores.

En 1992 INXS produjo “Welcome to Wherever You Are”, que fue visto por la crítica como el disco más audaz de la banda y cuyo sencillo “Beautiful Girl” fue un éxito en las radios de rock alternativo. El décimo álbum de INXS fue “Full Moon, Dirty Hearts”, en el que cantaban con Ray Charles y Chrissie Hynde, además de agregar un poco de guitarra de los Stones, punk y el ritmo pesado de U2.

En ese disco Hutchence cantó a dúo con Chrissie Hynde “Kill The Pain”, en cuyo video se usaron imágenes de la Guerra del Golfo. Esto le valió la censura en MTV, anteriormente uno de los medios que más apoyaron a INXS.

Más tarde, en 1994, INXS cambió de disquera y pasó de Atlantic a Polygram, mientras que Hutchence empezó a salir con la presentadora inglesa Paula Yates, entonces esposa de Bob Geldof. En 1997 el grupo enfrentó dos eventos: el primero fue el exitoso lanzamiento de “Elegantly Wasted”, y a finales del año el aparente suicidio de Hutchence, que apareció ahorcado en un hotel de Sydney, a unos días de que INXS celebrara su 20º aniversario.

La banda decidió continuar trabajando y en el año 2000 contratan al neozelandés Jon Stevens como su nuevo cantante. Al año siguiente fueron incluidos en el salón de la fama australiana.

INXS en D-audio >> Never tear us apart (1988)> Disco 6

+ Info >> Inxs - "Kick" (1987)

Lionel Richie >> biografía

Después de dejar a The Commodores, Lionel Richie se convirtió en un solista exitoso, detrás de Michael Jackson y Prince, y un sinónimo de música con excelentes melodías y romanticismo.

Entre 1981 y 1987 su presencia en las listas, con 13 canciones colocadas entre las diez más populares de forma consecutiva, lo coloca como ese tipo de artista que sin haber arrasado con su popularidad, marcó un estilo de una década que veía como nacía el estilo adulto contemporáneo en la programación musical.

Después de 1987 desapareció y no fue hasta finales de la década pasada que se decidió a volver.

Lionel Richie nació el 20 de junio de 1949 en Tuskegee, Alabama, Estados Unidos. En esa localidad fue a la escuela secundaria en donde conoció a los integrantes de The Commodores con quienes formó una de las agrupaciones más importantes del sello Motown a finales de los años 70's. En la formación Richie hizo de saxofonista, y a veces de cantante y compositor, además de haber marcado con su estilo canciones como “Easy”, "Three Times a Lady," y "Still", que fueron las más reconocidas de la agrupación.

Aunque los The Commodores tenían una estructura democrática, las cosas empezaron a cambiar a inicios de los ochenta. Richie empezó a encontrar su propio talento a través del éxito alcanzado por Kenny Rogers con "Lady", canción que él compuso. Al año siguiente se reafirmó con “Endless Love” cantada a dúo con Diana Ross, que estuvo 9 semanas en el primer lugar, lo que la convirtió en la canción más importante en la historia de Motown.. Ahora los medios se fijaban en él, la banda tenía una atmósfera muy densa y el camino lógico era el solitario, y así fue a finales de 1981.

Inmediatamente empezó a trabajar en su primer disco para Motown, el que llevaba su nombre. El álbum salió a la venta en marzo de 1982 y llegó al número tres en la lista de LPs con ventas que superaban las cuatro millones de unidades. El disco tuvo tres canciones entre las cinco posiciones más altas de las listas de popularidad, entre ellas “Truly”: una balada que llegó directo al nº 1.

Su segundo larga duración fue “Can´t Slow Down”, que lo puso en la lista de los más populares con dos número uno: “All Night Long” y “Hello”. El álbum mismo fue número uno, vendió más de diez millones de copias y ganó el Grammy al álbum del año en 1984. Su popularidad era tal que fue llamado a cantar “All Night Long” en la ceremonia de clausura de los Juegos Olímpicos de Los Ángeles '84.

En 1985 se unió a Michael Jackson en la composición del tema “We Are The World” que pretendía reunir dinero para combatir el hambre en África. La idea vino luego que la BBC puso en las pantallas inglesas la crueldad del hambre en Somalia y los artistas ingleses compusieron un tema navideño que movilizó la solidaridad mundial.

Al final de ese año “Say You, Say Me” era número uno en las listas de éxitos. La canción había sido compuesta para una película, pero se incluyó en el disco de Lionel Richie y no en la banda sonora de la película. El disco se retrasó hasta mediados de 1986, por eso se le cambió el nombre a “Dancing On The Ceiling”. La canción que daba el nombre al disco tenía un video particular en el que una casa daba vueltas y la gente bailaba en sus paredes sin caerse, lo que representó un hito en la filmación de videos. En todo caso el disco fue un éxito con 3 canciones entre las diez más importantes de las listas, aunque con cuatro millones de copias vendidas no llegó a las diez de su predecesor.

1987 fue el año que vió desaparecer los nº 1's automáticos. De hecho Richie se borró del mapa, quizás para hacer una pausa en 20 años de carrera, quizás para salirse en el momento en que estaba en la cumbre del éxito. Sin embargo, su ausencia en las ventas de discos se detuvo en 1992 cuando una compilación de éxitos suyos y de The Commodores se puso a la venta.

Su regreso en 1996, marcado por el fallecimiento de su padre y su ruptura matrimonial, fue un intento por mostrarse vigente y adaptado al R&B de la época. No obstante, su disco “Louder Than Words” logró un éxito moderado al lograr el oro y el lugar 30 dentro de la lista de álbumes.

Dos años después, en 1998, con un sonido más propio y cercano a su historia salió “Time” que no alcanzó a subir en las listas, y en el 2000 “Renaissance”, que sólo conoció el éxito en Europa.

Billy Joel >> biografía

En 1977 Billy Joel se convirtió en el artista más vendedor de Columbia Records con el álbum "The Stranger". Aunque algunos dijeron que había perdido su clásico estilo rockero, la aparición de "River of Dreams" en 1993 silenció a la crítica y lo puso durante 3 semanas en la cima de la lista de ventas.

Nació en el Bronx, Nueva York, un 9 de mayo de 1949. Siendo aún un niño, su familia se mudó a un proyecto de viviendas en Levittown, pueblo al que le compondría una canción. Fue en esta época cuando se encontró con la música frente a un piano, concretamente con la música clásica.

Según comenta el propio artista, entre quienes más influyeron en el inicio de su carrera estaban Ray Charles, The Beatles, Dave Brubeck, Sam Cooke, The Rolling Stones, y Otis Redding. Fue cuando vio a los Beatles en el Show de Ed Sullivan que decidió convertirse en un profesional de la música. Así decide unirse a los Echoes cuando tenía 14 años. Luego el grupo pasaría a llamarse Almas Perdidas.

Para esta época sus padres se divorcian, lo que obliga a su madre a luchar para mantener el hogar. Es por eso que decide trabajar de noche como músico, lo que repercute en su vida académica. Aunque sus notas era buenas, no pudo graduarse con su generación debido a la gran cantidad de ausencias.

Para 1968 se une a los Hassles con los que grabó dos discos. Había llegado proveniente de "Atila", un grupo de rock pesado con el que grabó otro disco. A pesar de estas grabaciones el dinero no alcanzaba, y para mantenerse debió trabajar como crítico de rock para una revista, operario en una fábrica, pintor en un club de recreo y grabando un comercial con Chubby Checker.

En 1972 firma un contrato como solista con Paramount Records y lanza "Cold Spring Harbor", en honor a un pueblo de Long Island. Mientras tanto una radio de Filadelfia empezó a poner en antenas "Capitan Jack", una canción que se grabó a escondidas en una de sus presentaciones.

"Capitan Jack" se convirtió en un éxito en el ambiente "underground", pero los problemas financieros y legales lo obligaron a desaparecer e irse a California en 1973. Allí se dedicó a tocar el piano en bares bajo el nombre de Bill Martin y es de esta experiencia que viene la famosísima "Piano Man". Sin embargo, el éxito de "Capitan Jack" llamó la atención de Columbia Records que lo buscó hasta encontrarlo en Los Ángeles. Le ofrecieron un contrato que fue firmado en la primavera y de ahí pasaron a grabar al estudio con el productor Michael Stewart. A finales de ese año salió "Piano Man", su primera canción dentro del Top 20.

En 1974 se unió a Michael Stewart para grabar su segundo disco: "Streetlife Serenade". En ese disco venía "The Enterteiner", la canción que le valió todo tipo de reconocimientos y presentaciones a sala llena en el Carnegie Hall y en el Lincoln Center.

Un año después se mudó a Nueva York y armó una nueva banda para empezar a grabar el disco "Turnstiles". Del disco salieron "Say Goodbye to Hollywood" y "New York State of Mind", además de una serie de conciertos en Nueva York.

Pero fue su siguiente álbum, "The Stranger", el que hizo historia al convertirse en el más vendedor de Columbia Records. Inició una gira por Estados Unidos y Europa con la que terminaría de catapultar a las listas canciones como "Only the Good Die Young", "Movin' Out" y "Just the Way You Are".

Para octubre de 1978, cuando el disco lanzaba su cuarto sencillo "She's Always A Woman", Columbia presenta el LP " 52nd. Street", que sería el primer disco número 1 del artista. Después de 12 semanas de giras por Norteamérica, su gira termina con 3 presentaciones a reventar en el Madison Square Garden.

En febrero de 1979 mientras dormía en un hotel de Paris, recibe una llamada de Estados Unidos: "Just The Way You Are" había ganado el Grammy a la canción del año y al disco del año. Terminada su gira por Europa viajó a Cuba para presentarse en el "Havana Jam", y luego fue a Tokyo. Ese mismo año, con 9 millones de copias vendidas, Columbia Records declara a Billy Joel como el artista más vendedor del sello en el siglo XX.

Al momento en que sale a la venta "Glass Houses" en marzo de 1980, "52nd. Street" había producido dos Grammys más por mejor álbum y mejor artista masculino. Sería de "Glass Houses" de donde vendría su primera canción en el número 1: "Still Rock And Roll To Me". Su actuación de traje entero con zapatos tenis le valieron un nuevo Grammy en 1981 cuando ganó el premio que se entrega en nombre del público.

Luego vendrían dos LPs más: "Songs in the Attic" y "The Nylon Courtain". El segundo disco significó una profundización en la temática de sus canciones. Ahora del lado de los trabajadores y los dolores de Vietnam, su música era reconocida por la crítica y el público por igual, quizás no con el frenesí de ventas que supone un súper éxito, pero sí como sentimiento de un artista.

Le seguiría "An Innocent Man", un disco en el que Joel toca la música que a él le gustaba cuando era chico, y de ahí que "Tell Her About It" recuerde el sonido de Frankie Vallie o que "Uptown Girl" suene a Motown. Este disco trajo nuevas nominaciones a los Grammy, seis canciones en el Top 40 y tres en el Top 10. En la grabación del vídeo de "Uptown Girl" aparece Christie Brinkley, con quien se casaría en 1985 y tendría a Alexa Ray (en honor a Ray Charles).

Ese mismo año presenta uno de sus mejores discos: "The Bridge" en el que participan Ray Charles, Cindy Lauper y Steve Winwood. Junto con Ray Charles grabaría "Baby Grand", un sueño hecho realidad pues cantaba con uno de sus héroes de la infancia. Así, su música se iba haciendo más madura, aunque igual de profunda.

Dos años más tarde se presentaría en la Unión Soviética, y de ahí saldría un disco que narra la gira y una sensibilidad por el otro que se traduciría en "And So It Goes". Para 1989 se separó de su representante y entró de vuelta al estudio a grabar "Storm Front" del que saldría la genial "We Didn't Start The Fire". Tanto el disco como el sencillo fueron número 1. El disco es introspectivo al punto que habla de su carácter, de su hija y de su forma de amar.

Después de grabar para varias películas, entró al estudio con Danny Kortchmar en 1993 para sacar "River of Dreams", un disco más del estilo adulto contemporáneo donde dominó la lista por 12 semanas.

Un año después se certificó que "Songs in the Attic" y "The Nylon Curtain" habían vendido dos millones de copias, y "52nd. Street" y "Glass Houses" fueron declarados multiplatino.

Desde entonces, Billy Joel ha sido galardonado con cuanto premio la industria musical norteamericana pueda tener. Es lo menos que le podría pasar a un hombre de piano.

Faith Hill >> "Breathe" (1999)

Después de haber explorado alguno de los terrenos del pop con su tercer disco, la estrella del country Faith Hill se metió de lleno en el género para grabar "Breathe" sin llegar a perder las riendas de la creatividad en ningún momento y poniendo como tema central del disco el amor. De hecho, cinco de los trece cortes del disco contienen palabras de amor en el título, desde el festivo "I Got My Baby" y el alentador "The Way You Love Me", con armonías muy pegadizas, hasta el triste "Love Is A Sweet Thing". El cambio en la concepción de las letras obedece en gran medida a su matrimonio con Tim McGraw, auténtico ídolo del country, y a la llegada al mundo de su segundo hijo.
"Breathe" es una suave mezcla de rock, pop, rhythm & blues y gospel con un toque de country para contentar a su base de seguidores. El disco llegó rápidamente al nº 1 del top 200 de Billboard y ganó tres premios Grammy el año siguiente, haciéndose acreedor del premio al Mejor Disco de Country, la Mejor Interpretación Femenina de Country, y la Mejor Colaboración Vocal de Country gracias al dueto con su marido en "Let's Make Love".
"Breathe" fue publicado en noviembre de 1999 y vendió más de 8 millones de copias. Está en el puesto nº 57 entre los 100 discos más vendidos de los años 90's.

Contenido del disco:

1) What's In It For Me
2) I Got My Baby
3) Love Is A Sweet Thing
4) Breathe
5) Let's Make Love - Hill, Faith & Tim McGraw
6) It Will Be Me
7) Way You Love Me
8) If I'm Not In Love
9) Bringing Out The Elvis
10) If My Heart Had Wings
11) If I Should Fall Behind
12) That's How Love Moves
13) There Will Come A Day



Faith Hill en D-audio >> Breathe (1999) > Disco 5

The Bangles >> biografía

The Bangles fue uno de los primeros grupos formados exclusivamente por mujeres, a principio de los años 80's. La banda se formó en Los Angeles en 1981, originalmente bajo el nombre de The Supersonic Bangs, que luego se acortó a The Bangs. Sin embargo, un grupo de New Jersey también llamado The Bangs amenazó con demandarlas, por lo que cambiaron su nombre a The Bangles. La formación original constaba de: Susanna Hoffs en guitarra y voz, Debbi Peterson en batería, bajo y voz, y Vicki Peterson en guitarra, bajo y voz.

Esta formación grabó "Getting out of Hand" y "Call on Me". Annette Zilinskas se convirtió en la bajista durante 1982, además de tocar la armónica. Con Ziliniskas grabaron un LP titulado "The Bangles" en ese mismo año. Sin embargo, Zilinskas dejó el grupo en 1983 y fue reemplazada por Michael Steele, que antes tocaba con The Runaways.
El álbum debut de The Bangles con el sello Columbia, "All Over The Place" del año 1984, logró captar las raíces pop del grupo, y captó la atención de Prince, quien escribió "Maniac Monday", que llegó al puesto nº 2 en Estados Unidos.

El álbum Different Light de 1986 estaba mejor acabado que su predecesor, y con la ayuda del sencillo nº 1 "Walk like an Egyptian" la banda se estableció como un éxito en las radios FM y en la cadena MTV. Pronto tuvieron un nº 2 con el cover de Simon y Garfunkel, "Hazy Shade Of Winter", que estuvo en la banda de sonido de la película Less Than Zero.

Luego, el disco de 1988 titulado Everything fue otro éxito multi-platino, que incluía su sencillo de mayor venta, "Eternal Flame", pero las relaciones de trabajo entre las integrantes del grupo se habían dañado, y el grupo se separó después de este álbum. Susanna Hoffs empezó una carrera en solitario, y Vicki Peterson salió de gira con The Go-Go's y Continental Drifters.

En el año 2000 se reunieron para salir de gira, y en 2001/2002 grabaron un álbum nuevo, Doll Revolution. Un cover de "Eternal Flame" hecho por Atomic Kitten alcanzó el puesto nº 1 en Inglaterra en el 2001. Doll Revolution, con canciones como "Stealing Rosemary", "Ride the Ride", "Nickel Romeo", y el single "Something That You Said", fue lanzado al mercado a inicios del año 2003. La canción "Doll Revolution" fue escrita por Elvis Costello. La versión japonesa del disco presenta canciones adicionales.

En mayo del 2005 The Bangles anunciaron la partida de Michael Steele. La banda no anunció planes para reemplazarla. El grupo fue elevado al Salón de la Fama de Grupos Vocales en el año 2000.

The Bangles en D-audio >> Eternal flame (1988) > Disco 2

Toto >> biografía

La banda se formó en Los Angeles, en el año 1977, integrada por David Paich, Steve Lukather, Bobby Kimball, los hermanos Jeff y Steve Porcaro y David Hungate. Son reconocidos mundialmente por la habilidad para combinar estilos como el Blues, Rock, Pop, Jazz y Funk. Algunos de sus más grandes éxitos son los temas "Rosanna", "Africa", y "Hold the Line".

Toto ha grabado 17 álbumes, los cuales vendieron más de 30 millones de copias; también han ganado 7 premios Grammys. En un principio, la banda se llamaba Still Life, pero el nombre fue prontamente cambiado a Toto; aún no se sabe el porqué de este nombre, aunque existen varias versiones, desde el perrito del Mago de Oz, llamado Toto, hasta una tribu Himalaya que lleva este nombre.

En 1977 debutan con el disco de su mismo nombre, Toto. Este álbum contiene el tema “Hold the Line”, hoy convertido en un clásico de la música. El disco vendió un millón de copias. En 1979 se graba Hydra; el éxito de este segundo disco les otorga un disco de oro por parte de su discográfica, Sony Records. En 1982 editan uno de sus discos más reconocidos, Toto IV, con temas como "Rosanna", y "Make Believe". En 1983, luego del éxito de su tema “Africa”, Toto gana 6 Grammys. David Hungated y Bobby Kimball dejan la banda, reemplazándolos Mike Porcaro y Fergie Frederiksen.

En 1984, componen el tema para los Juegos Olímpicos de Los Ángeles. En 1985 se edita su disco Isolation, en el que se encuentran los temas “Stranger in Town” y “Holyanna”. Luego de algunos meses de receso, vuelven con Fahrenheit en 1986, en el que se destaca la balada “I´ll be over you”. En 1987, al cumplirse la primera década de la banda, editan The Seventh One, en donde se destacan melodías y letras más maduras.

En 1990, Toto edita el disco Past to the Present, que recopila sus más grandes éxitos entre 1977 y 1990. Se une al grupo el vocalista Byron Duplessis, primer miembro de raza negra, que se queda junto al grupo por un año. Con este disco, que ganó disco de platino, se embarcan en una exitosa gira mundial.

En 1991 fallece el baterista Jeff Porcaro; ante la incertidumbre del futuro de la banda, se contrató luego al baterista Simon Phillips. Toto nuevamente comienza una gira mundial, con un alto contenido de emotividad, del cual surge el disco Absolutely Live, un disco doble con una pintura de Jeff en su contraportada.

Tras algunos años de receso, el disco Tambu es lanzado en 1995 con el tema “I will remember”, que alcanza los primeros puestos en los charts rápidamente, con ventas exitosas en Europa y en Asia. En 1996 se embarcan en la gira “Tambu Tour 1996”. Durante esta época, los miembros de Toto se dedican también a proyectos solistas.
En 1997, el álbum Toto XX es un homenaje a los 20 años de carrera de la banda. Contiene 10 temas inéditos que durante la trayectoria del grupo nunca habían sido editados por falta de tiempo o espacio.

En 1999, la gira mundial “Meeting” reúne a la banda con algunos antiguos integrantes: Steve Porcaro, Joseph Williams y Bobby Kimball, quien posteriormente vuelve a unirse al grupo.

En el 2000 se edita Mindfields, consiguiendo el puesto nº 4 en Alemania y el nº 6 en Japón. Se destaca la gran voz de Bobby, en temas de gran calidad musical. En 2001 se lanza un disco en vivo, Livefields, álbum doble grabado en Francia en 1999. En 2003, por su 25º Aniversario, festejan con un gran show en vivo en Amsterdam, con un repaso de sus grandes éxitos.

Through The Looking Glass, un disco de covers lanzado en el 2003 con los temas preferidos de los integrantes de la banda, fue su último disco antes del sorpresivo lanzamiento de Falling in Between, considerado uno de los mejores discos de la historia de Toto.

The Cars >> biografía

En el aspecto comercial, The Cars fue el grupo más exitoso de la escena new wave estadounidense, superando a bandas como Blondie y Talking Heads.

Ric Ocasek y Benjamin Orr formaron la banda en 1976, y si bien por momentos tomaban elementos del punk y del rock n’ roll tradicional, se lucían cuando se dedicaban a componer canciones netamente pop. Como ejemplos valen el pegadizo primer single "Just what I needed" y sus sucesores, igualmente irresistibles, "My best friend's girl" y "You're all I've got tonight”. Todos ellos forman parte de The Cars (1978), disco de platino. El éxito convirtió instantáneamente a Ocasek y Orr en las estrellas de rock que buscaban ser desde que tenían 15 años en Cleveland.

The Cars también se destacaba por el look de sus miembros, por las portadas de sus discos y por sus videos. Como otros grupos de la época, tenían altas pretensiones estéticas. Las primeras tapas de sus álbumes y simples eran una serie de dibujos pin-up del reconocido artista Alberto Vargas. En tanto, sus videoclips fueron un éxito cuando MTV los puso en el aire.

Orr le puso voz a las mejores canciones compuestas por Ocasek: "Candy-O", "Bye bye love", "Moving in stereo", y el single más exitoso de la historia de The Cars: la balada "Drive” del quinto álbum Heartbeat City (1984). Tras este LP la popularidad del grupo descendió marcadamente y, tres años después, se disolvió.

En mayo de 2000 y a los 53 años, Benjamin Orr fue diagnosticado con un cáncer de páncreas fulminante. En ese momento estaba por salir de gira con su nueva banda, Big People, pero los médicos fueron claros: como máximo le quedaban seis meses de vida. Lejos de hacerle caso a los allegados y al sentido común, se negó a suspender el tour, siguió tocando y falleció el 3 de octubre de ese mismo año.

The Cars en D-audio >> Drive (1984) > Disco 2